'LA MATANZA DE TEXAS: EL ORIGEN' o entre el sopor y la indignación

Cuando vi los estrenos de la semana, alguien debió maldecirme para que optara por ver esta película. Confié en que en esta precuela se enmendarían los errores del primer remake: el desfile de modelos, la absurda profusión de planos cortos, el puritanismo americano.... Sobra decir que no es así. Se ve que el director Jonathan Liebesman lo único que saca en clave es que deben aparecer más planos entintados de sangre (especial mención a esos sobre bordados, conté tres, lo juro) sacando personajes de la manga tan sólo para poder asesinarlos de las formas (más) menos variopintas…

El argumento…(por llamarlo de alguna forma) consiste en dos parejas que deciden hacer un viaje por el sur de los U.S.A. y bueno…¿hace falta mas? Prosigamos, al parecer los dos varones son hermanos, el mayor acaba de regresar de Vietnam de comprar toallas (perdón me pierdo, de la guerra) mientras que el menor ha recibido una carta de alistamiento. El valiente a la par que guapo hermano mayor decide volver para estar con su cobarde y menos parecido hermano pequeño, sin saber que éste desea desertar dirigiéndose con su novia a México (es cobarde pero no tonto, pues la chica en cuestión debe padecer de una angina de pecho…si no, no me lo explico).

La chica con angina de pecho. Visto lo visto, a ver quien es el "valiente" que deja a esta chica y se va a Vietnam...

Por cierto, esta subtrama no tendrá más peso en la película, imagino que Mr. Jonathan Liebesman debió creerse Woody Allen al crearla. Casi puedo verlo conversando en una cena con John Carpenter y Takashi Shimizu vacilando de su maravillosa visión de la guerra de Vietnam y lo que esto provocó en la sociedad americana, en especial a los jóvenes que viajan por Texas a punto de convertirse en ingredientes para pizzas.

Finalmente y por motivos que desafiarían la cordura de David Lynch se ven envueltos en una nueva masacre de la familia Hewitt… Por cierto, la sensación que me embargó durante toda la película es la de tener algún poder pre-cognoscitivo, porque todo sucedía al ritmo que dictaban todas mis sospechas. El súmmum de lo predecible. Esta parodia de película se quedaría en 20 minutos si eliminaran todas las caras que aparecen repentinamente junto a un estridente chaaaan. Y el final…alegoría al topicazo.

Lo único que se puede sacar en limpio de todo este desrpropósito es que R. Lee Ermey (el inmortal sargento de “La chaqueta metálica”) se lo pasa bomba disfrazado de militar/sheriff con ganas de excederse en sus obligaciones. Y es que el histriónico actor es de las poquísimas cosas (junto con los descarados planos del trasero de las chicas) que consigue mantener mínimamente la atención del espectador, que a estas alturas de la película sólo espera que vuelva a salir para ver qué genuina frase dedica a cualquiera de los sufridos jovencitos. Parece increíble que un personaje tan, en principio, poco importante, pueda arrebatarle protagonismo al mismísimo “Cara de cuero”, un psychokiller que gracias a estos remakes, precuelas o como leches quieran llamarlos se ha convertido en una sombra de lo que fue. Incluso en la escena más brutal (por llamarla de algún modo...) uno no siente la más mínima inquietud.

El sheriff Hoyt, indudablemente lo mejor del film. El incombustible R. Lee Ermey... todo un crack.

¡Que traición a la original!, ¡Qué traición a la memoria del pobre Ed Gein! Aun recuerdo cuando la vi por vez primera, pasé dos meses sin ir a comprar a la carnicería: terror para toda una generación. ¡Ah!, y que no se ponga la excusa del director novel, nada de “está obligado a hacer lo que mandan los de arriba porque es su primer film”…no, eso le pudo valer cuando sacó la desternillante “En la oscuridad”, ésa basada en la tradición del ya ultrajado Ratoncito Pérez… Aunque parezca increíble, este señor ha sido capaz de firmar una película aún más aburrida, light, tonta y típica que el anterior remake que pudimos ¿disfrutar? hace un par de años. Como esto se convierta en costumbre me veo llevando a mis hijos a ver 'La matanza de Texas 20', supongo que por aquellas alturas, producida por Disney y Pixar.

En fin, ver esta película en el cine es firmar un contrato con la muerte para que venga a recogerte 90 minutos antes, es decir, tiempo perdido. Y por cierto, encima debes pagar por ello.

Sólo una palabra: Hollywood.

Lo mejor: El sheriff Hoyt (R. Lee Ermey) y su aportación a la cirugía improvisada.

Lo peor: “La matanza de Texas: El origen”

Nota: 1/10

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Fdo: El Barón Munchausen (artista invitado) & Stan

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'Hijos de los Hombres', o cómo hacer buen cine

Alfonso Cuarón es un director cuanto menos interesante al que se le conoce por la extensa variedad de proyectos que es capaz de afrontar (con éxito). "La princesita" es un agradable y sensible (sí, a ratos sensiblero) film de aventuras infantiles. "Grandes esperanzas" es un buen drama (un tanto desaprovechado) con un reparto de lujo. "Y tu mamá también" es una comedia dramática social hilarante a ratos y triste propuesta, muy alejada de sus anteriores trabajos, al ser un film de carácter independiente. Y por último, su archiconocida "Harry Potter y el prisionero de Azkaban" es en mi opinión la mejor película del famoso mago despues de la primera, y sin duda la de mejor guión.

Pues bien, tras demostrar que es capaz de tocar cine de todos los géneros y de todos los colores, se pasa a la ciencia-ficción con buenísimos resultados. Te guste más o menos, es una película IMPRESCINDIBLE, en mayúsculas. Iba con las expectativas muy altas pues el trailer ya era magnífico, y las ha cumplido completamente.

Voy a pasar a analizar a fondo los elementos del film: Lo primero, tiene un ritmo inmejorable. Tiene acción cuando debe y momentos relajados, hermosos, y a la vez crueles y descoranzadores, cuando deben de ser. Pero todo con un control y una sabiduría inmensa de Cuarón de cómo montarlo y calibrarlo todo.

Los intérpretes están todos geniales. Desde Clive Owen (intérprete de la magnífica y morbosa "Closer", de la pasable y entretenida "El rey Arturo" y de las buenas "Plan oculto" y "Amar peligrosamente") y Julianne Moore (que aparece mucho menos de lo que creía), hasta un grandioso Michael Caine y la pobre chica a la que dan ganas de ponerla en un pedestal. Y una curiosidad, la señora que les acompaña durante el trayecto es la mala malísima de "Matilda".

Y bueno, en cuanto a apartados técnicos, pues qué voy a decir. Es espectacular. Cierto es que al meterme en la historia y en la situación tan de lleno casi no les presté atención. Pero son magníficos los planos secuencia y la espectacularidad-realismo-intensidad de muchas escenas. Todo en cuanto a apartado técnico es perfecto, incluída la equlibrada y emotiva banda sonora.

En cuanto a la historia, pues no quiero desvelar mucho a quienes no la han visto todavía. Sólo puedo decir que es muy original, triste, inteligente y precisa. Describe a los personajes y los expone en situaciones graciosas y entrañables para luego sufrir con y por ellos. Sin duda, la historia satisfará a la mayoría de los fans más acérrimos del género de la ciencia-ficción siempre y cuando no esperen encontrarse con el nuevo "Blade Runner". Y cuando hablo de ciencia-ficción me refiero a la de verdad, a la que me comenta Jimmy Bahia en el post de "Gattaca", no al género fantástico, ya que es sencillo confundirlos.

Entre los peros tan sólo se encuentran un par de escenas concretas cuyo contenido es cuestionable y unas buenas intenciones que aunque para mí no son negativas (todo lo contrario) hay gente que las confunde con vulgares panfletos políticos.

Y en definitiva, una película magistral que recomiendo al 100% y que consige lograr un completo equilibrio entre la ciencia-ficción, el thriller y el drama social. No os olvideis del gran mensaje que vereis en el film, es algo que hay que tener en cuenta o acabaremos así muy pronto. La película plantea la pregunta "¿Hasta que extremos seremos capaces de llegar?" para que nosotros la respondamos, y auguro será en breve.

Una película que hay que ver, aunque por el trailer puedas atisbar parte del contenido, es un film con muchas sorpresas y para ver en pantalla grande. Felicidades a Alfonso Cuarón por su gran trabajo. Estaremos esperando su próximo proyecto impacientemente.

Calificación: 9/10

-Previa de 'Hijos de los Hombres'-

Fdo: Cinematic (artista invitado)

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'Lo que sé de Lola' ~ reseña de Álvaro Vicente Palazón

En una callejuela de Alicante, medio desierta a aquellas horas de la tarde, se alargaba una alfombra roja echa de retales decolorados. Nadie se preguntaba que quería decir todo aquello, al fin y al cabo no había nadie. El día anterior Lo que se de Lola se estrenaba en San Sebastián, en la sección oficial, pero no se conocía la peli y mucho menos a los actores. El único reclamo era Carmen Machi alias “Aída” que hacía un cameo en la producción. Supongo que con el lema de “Vales lo que te haces esperar” Lola Dueñas y el protagonista de la peli, Michaël Abiteboul aparecieron junto al director alrededor de las nueve y media y todos subimos por unas grandes escaleras rojas que presagiaban una noche muy glamorosa. No fue así, y no lo fue porqué el cine que había escogido la Ciudad de la Luz para el estreno parecía más bien el decorado de alguna escena de Torrente a pesar de que Lola Dueñas, excesivamente nerviosa, en su discurso sobre la peli dijo que era un lugar maravilloso, de hecho su discurso se limitó a aquella frase. Sin embargo el director decía que nos fijásemos en los detalles, algunos lo hicimos y así descubrimos muchas negligencias del rodaje, que era una peli de miradas y silencios y entonces lamenté no haberme llevado una almohada. Y empezó la película.

Una co-producción entre Francia y España que, al menos en su versión original, está subtitulada al castellano reservando la lengua gala en la que se rodó. Un rodaje que pasó por París y acabó en los estudios de cine alicantinos. Pues bien, los allí congregados nos enfrentábamos a un falso independiente, y digo falso porqué al fin y al cabo el mérito de las producciones independientes es que el rodaje se realiza en escenarios reales y no en estudios. Nos enfrentábamos a una opera prima, al debut en una producción española de actores bien conocidos en el país galo. Nos enfrentábamos a dos largas horas de metraje llenas de silencios y miradas, sin apenas diálogos.

'Lo que sé de Lola' es la historia de Léon, un hombre que vive en un piso de la capital francesa junto a su madre inválida que depende absolutamente de él. Una relación fría que el director no acaba de describir de modo que el espectador no conoce bien del todo el sentimiento del hijo sobre la madre. Poco antes de la primera media hora la madre muere de una forma pintoresca y surrealista y es entonces cuando surge la figura de Lola, una española ruidosa “como todos los españoles”. Es esta primera media hora lo mejor de la película, la presentación de dos personajes solitarios que, a pesar de vivir puerta con puerta, a penas se ven cara a cara. Él, tras la desaparición de su madre, no tiene ninguna ocupación y esta es una de las grandes preguntas que se formula el espectador ¿de qué vive este hombre? Queda claro que robar el correo de sus vecinos no le da de comer. Ella es una emigrante llegada a la capital, pero… ¿qué hace Lola en Francia?, de nuevo Rebollo deja cabos sin atar. Léon se verá atraído por Lola pero, tímido, se dedicará a contemplarla y a cuidar de ella sin que Lola sepa quien lo hace. Se desarrollan así algunas de las escenas más divertidas de la historia como cuando Léon deja dinero en el suelo del pasillo justo antes de que Lola salga del ascensor. Pronto la vigilancia que ejerce el francés sobre su vecina se complicará cuando ésta decide viajar a España para visitar a su familia, sin embargo el francés no se da por vencido y decide perseguirla fuera de las fronteras. Es ahí donde entra Carmen Machi, una gran actriz que encarna, sin embargo, un papel que apenas aporta nada a la historia y que perfectamente se podían haber ahorrado, una prostituta amiga de Lola desde la infancia.

A esta opera prima del, hasta ahora cortometrajista, Javier Rebollo le faltan argumentos para mantener una producción de casi dos horas sin aburrir al espectador, le faltan datos y explicaciones para aclarar la situación de sus protagonistas. La abundancia de silencios y la escasez de diálogos deberían complementarse con algún detalle que resulte atractivo y sin embargo en Lo que se de Lola nos encontramos una estética austera aderezada con un reducido reparto que no nos permite descansar de modo que en la pantalla siempre nos encontramos a los mismos. Otro de los grandes errores de esta producción es el uso de la voz en off, innecesaria y empalagosa, que narra los actos de Lola pocos segundos antes de que ella los lleve a cabo. Javier Rebollo dirige de forma simple, sin apenas movimientos de cámara (conté solo dos, uno a mitad de la producción y otro al final) y sin aprovechar los decorados de la Ciudad de la Luz. Es una producción arriesgada, áspera, personal… que no busca entretener al espectador, entiendo lo primero pero no lo segundo, al fin y al cabo el cine es entretenimiento. No todos son inconvenientes, descubro en Rebollo un interés por comunicar al espectador los sentimientos de sus personajes a través de las escenas sin diálogos, a través de las miradas y de los hechos y no mediante las palabras. Es por eso que la producción, que bien podría haber sido un mediometraje, se alarga, pues utiliza una escena de dos o tres minutos para mostrar a un personaje que no tiene trabajo cuando eso ya se ve a lo largo de la peli. Lo que se de Lola augura un interesante futuro para su director que debiera corregir en su próxima película algunos de los errores que comete en esta, quizás regresar al cortometraje o pasar antes por el mediometraje sería una buena idea, al fin y al cabo al ver esta peli uno tiene la sensación de que se ha alargado por exigencias del guión, quizás por presiones de la productora que no estaría dispuesta a distribuir a una producción de media hora que es, sin duda, su duración idónea.

Lo mejor: Los dos actores.

Lo peor: La duración y algunos cabos sueltos que deja el director.

Calificación: 6 /10

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Fdo: Álvaro Vicente Palazón (artista invitado)

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HENRY FOOL, la ficción cierta

El nombre de la productora de Hal Hartley, True Fiction, resulta altamente ilustrativo desde que resume en qué consiste la obra del artista neoyorquino. Artista porque además de dirigir y escribir sus films también se encarga de su música, un elemento que poco tiene de accesorio. En un lugar entre Philip Glass y Brian Eno, las composiciones de Hartley, -firmadas casi siempre con el pseudónimo de Ned Rifle-, no hacen sino reforzar el aura que envuelve el universo de sus obras. Un mundo donde lo crudo y lo absurdo se dan la mano constantemente, un híbrido de hiperrealismo y fantasía. Hartley puede ser considerado sin duda alguna como creador de un género único, por mucho que se le haya acusado de emular a Godard. Personalmente el señor Jean Luc me parece un ejemplo de pretenciosidad y pedantería insultantes, fruto de la coyuntura y oportunista recalcitrante. Bien es cierto que el propio Hartley le ha mencionado en numerosas ocasiones como influencia capital, pero afortunadamente ha sabido tamizar sabiamente el influjo del galo.
Su paso por el teatro experimental ha marcado en gran medida el ritmo que imprime a sus diálogos y la planificación de sus escenas, donde los actores, la mayoría sacados de esa etapa teatral, bailan en lugar de moverse, siempre en el marco de unas escenografías límpidas y minimalistas, que contribuyen a crear esa “true fiction” marca de la casa.

“Henry Fool” (1997) es tal vez su film más sucio, por decirlo de algún modo. Ya verán porqué. También es el que abre una nueva etapa en su filmografía tras su incomprendido, osado y criticado “Flirt” (1995). Desde “Henry Fool”, las direcciones argumentales, que ya eran diversas y numerosas, se multiplican. Su lenguaje se vuelve más ecléctico si cabe, y la intelectualidad que poblaba su obra anterior adquiere una ácida autocrítica que ya se vislumbraba en un extraño e hilarante intermedio incluido en “Flirt”.

“Henry Fool” narra el encuentro entre dos seres marginales, Simon, el basurero reprimido, y Henry, el conflicto personificado, la provocación, el filósofo arrogante y hedonista. Simon es tremendamente inseguro, hecho que queda remarcado cuando vomita sobre la chica del matón de barrio que le amenaza. Esa falta de asertividad cambiará cuando Fool le introduce en su mundo, le culturiza y saca al poeta que Simon lleva dentro. Cuando este último asombra a Henry con un genial (y polémico) poema, el barrio se revoluciona, hecho que se trasladará a la ciudad entera. Al tiempo que esto ocurre Henry altera la vida en la comunidad a la vez que se distancia de Simon.
En “Henry Fool” Hartley magnifica una historia que de entrada podría parecer insulsa. La llegada de Fool al principio del film, al son del tema principal, una suerte de Waltz oscuro, es narrada con una extraña épica que queda rápidamente oculta durante el resto del metraje para reaparecer en el emocionante final. El resto del film se viste de un tierno y en ocasiones delicado tono costumbrista. Tampoco faltan trazos de gruesa escatología en un par de escenas (la mencionada escena del vómito parece sacada de “Este chico es un demonio”), la segunda de ellas realista y verdaderamente romántica como pocas, y que no pienso estropearle a quien no haya visto la película. Y como en todo film Hartley que se precie, la historia principal se ramifica en escenas en apariencia irrelevantes que le sirven para ofrecernos su particular visión acerca de las relaciones humanas, además de servir como marco de influencia de sus protagonistas. Lo dicho carecería de interés si no fuera porque Hartley es un cineasta de lo más desacomplejado, que se sirve del thriller barato, la comedia absurda, el drama social o el cine romántico para llevarnos a su universo de ficción verdadera. Tan real que termina por parecer onírico. En “Henry Fool” conjuga de nuevo sus pasiones y reflexiones sin jamás perder el equilibrio narrativo, gracias a su ritmo entusiasta a la par que relajado.

Desde un punto de vista más subjetivo, decir que este film supone una perfecta iniciación en el planeta Hartley. No faltan ninguno de los elementos que le han convertido en el director independiente por antonomasia, tales son su inquietud ideológica y su libertad estilística. Sí es cierto que a muchos les repelerá la aureola “de autor” que envuelve el cine de Hartley, sus largos (aunque bien administrados) silencios, aquellas escenas donde se filosofa largamente alrededor de lo vulgar y lo divino, sus personajes cuasi increíbles, su marciana ironía y su peculiar empleo del tempo cinematográfico. Ya habéis sido advertidos. Aquellos que no teman adentrarse en su mundo se verán gratamente recompensados, puede incluso que tras el probable shock que suceda a su primer encuentro quieran volver a enfrentarse a sus films, llenos todos de una poesía inaudita e inagotable.

LO MEJOR: La escena final, al son de “Run”, altamente emotiva

LO PEOR: No saber más de Simon y Henry

CALIFICACIÓN: 10 /10

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Fdo: Marlon Dean Clift (artista invitado)

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CAOS ~ reseña de Stan

Lo malo de ir mucho al cine es que la cartelera comprende un número finito de películas. Esta verdad irrefutable me conduce en ocasiones a entrar en salas que, en condiciones normales, no habría pisado. Bueno, éste es el caso. Como buen cinéfago compré mi pase a “Caos” (tras descartar “Déjate llevar” y “Novia por contrato”, que aún me queda algo de dignidad...) Tras leer una breve reseña en una revista de cine, pensaba que esta película ni llegaría a la pantalla grande, pero ¡OH, sorpresa! De la noche a la mañana el penoso cartel de “Caos” ha inundado las paradas de autobús de la ciudad donde vivo.

En fin, a lo que vamos. La película se inicia con una situación con rehenes en una noche lluviosa, donde secuestrador y víctima acaban tiroteados, estando al mando el agente Quentin Conners (Jasón Stathan), tras lo cual es suspendido. Tras esto, enlazamos con la actualidad, donde un cínico atracador de bancos (Wesley Snipes) ha retenido a todos los clientes en una sucursal, exigiendo como negociador a Conners. A la vista de la situación, el comisario le reincorpora y le pone al mando, con la mala suerte de que el atraco acaba en una gran explosión en la que los atracadores se confunden con la masa y huyen. El resto de la cinta es la investigación que realizan Stathan y su nuevo compañero, Shane Dekker (Ryan Phillippe), para averiguar la identidad y el paradero de los criminales.

Lo primero que pensé es que “Caos” sería una oportunista forma de aprovecharse de “Plan oculto” de Spike Lee. No obstante, una vez resuelto la parte del banco, lo que no ocupará más de veinte minutos, los parecidos entre ambas películas concluyen. Lo que sucede a partir de ese momento es un intento por mezclar acción y suspense, pensando, seguramente, que con acierto. Pero la verdad es que ésta es una película de videoclub en todos los sentidos. El hecho de que haya llegado hasta los cines sólo se explicaría como forma de cubrir el espacio entre dos grandes estrenos (M:I3 y El Código Da Vinci) y ya sabemos que es práctica normal de los estudios obligar a los distribuidores a comprar títulos de baja calidad en el mismo paquete que megaestrenos.

Para empezar, aunque no lo parezca a priori, el verdadero protagonista es Ryan Phillippe, que habrá aceptado el papel tan sólo para sentirse prota de acción por un día, pero este tío, con su sempiterna cara de niño bueno, no pega de tipo duro ni con cola. ¿De verdad pretenden que me trague que tamaño tontín puede dar clases de dureza a Jasón Stathan? ¡Venga ya! Por su parte, el propio Stathan, en una simpática inversión de papeles, está de coprotagonista simplemente para poder rodar escenas que impliquen más de dos palabras juntas (que no estén enlazadas con una patada en la cara). El último en discordia sería mister Snipes. ¿Qué le ha pasado a este hombre? Ha pasado de estrella de acción a habitual de los videoclubs. En “Caos” su presencia es más bien poquita, un reclamo más para una cinta mediocre.

Continuando, las escenas de acción son pobres, mal planificadas y faltas de recursos. Los dobles de acción están cantados y, no quiero ser malo, pero en una escena en que una moto atraviesa un escaparate, éste vuela en pedazos ¡antes de la colisión! La parte “seria” de investigación es otro despropósito. Cuando sales del cine y procesas todos los datos a tener en cuenta, caes en que todo se habría resuelto mucho antes con un sencillo diagrama explicativo, esas pizarras llenas de flechas que usan en realidad los profesionales y que encuentran su justo reflejo en multitud de series policiales. Pero aquí no... aquí tenemos a Ryan Phillippe para salvarnos la vida. Además, la información que se facilita al espectador para que ate cabos es engañosa, cuando no errónea, y eso, amigos, es trampa.

Por último, me hizo gracia su final. Tranquis, que no lo voy a destripar, por si después de esto aún tenéis ganas de verla. Es un típico giro argumental que gustará a aquellos que han visto poco cine. Lo gracioso es que el equipo de “Caos” se comparan con “Sospechosos habituales”, yo todavía me estoy riendo...

Lo mejor: no es desesperadamente aburrida, tiene un pase como último recurso.
Lo peor: que se haya estrenado en un cine. Ryan Phillippe en plan Harry el sucio.

Calificación: 3 /10

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Fdo: Stan (artista invitado)

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EL CÓDIGO DA VINCI ~ reseña de Stan

Bueno, era viernes y llegó la hora de visionar uno de los estrenos más esperados del año. Panorama: colas ingentes y tres salas llenas de personas que sólo van al cine en casos como éste, es decir, cuando saben que la peli va a ser tema en la cafetería, descanso, cena... Me siento, fila 8, no está mal teniendo en cuenta que acabo de comprar una entrada que se vendía desde hace meses. La proyección empieza con 15 minutos de retraso, a la espera de que la masa ocupen sus lugares. Tras este ambiente nos metemos en harina.
¿Qué nos encontramos? Una adaptación muy fiel. Paso por paso, los capítulos de la novela se trascriben en imágenes. Esto generalmente sería una buena señal para un libro exitoso, y los que me conocen saben lo poco que me gustan las desviaciones en estos casos. No obstante, el desarrollo de la historia se hace lento y llega a aburrir. Mucho se ha dicho del (escaso) estilo de Dan Brown, que sencillamente consiste en manejar paralelamente dos situaciones de tensión durante un mismo capítulo. Pues eso es lo que hace Ron Howard, combina los 3 pilares argumentales: La investigación de Robert Landong y Sophie Neveu; la persecución de Fache y las fechorías de Silas. Mezcle, combine y prolongue dos horas y media.
Decir algo del argumento a estas alturas puede resultar tonto, porque quien más y quien menos ya sabe demasiado. La aparente densidad de la investigación del especialista en simbología y la criptóloga, con sus continuas referencias históricas, cambios de escenario y flashbacks, no son problema alguno para seguir la trama, porque siempre algún personaje está oportunamente al quite para explicártelo con detalle. No obstante, no diré nada no vaya a hablar más de lo necesario.

Pocos puntos a su favor puedo citar del Código Da Vinci. Tom Hanks hace su parte, como el gran actor que es, pero no le recordaremos como Robert Langdon. Audrey Tautou, Jean Reno y Paul Bettany se ganan el sueldo. Para mí, la única interpretación a destacar es la de Ian McKellen, que añade una doble cara de simpatía y fanatismo con gran sutileza, cambiando el matiz de sus palabras con un solo gesto, configurando un personaje con muchos lados distintos.
Por otra parte, la banda sonora de Hans Zimmer acompaña bien a la historia y tiene momentos bastante buenos que resaltan la acción.

Puntos en contra: bastantes más, lo que desnivela notablemente la balanza. Para empezar, la historia presenta exceso de flashbacks. Hasta los más estúpidos y sin importancia quedan bien manifiestos, dejando en suspenso otros más significativos. No quiero recordar la forma tan pobre y abreviada en que se nos muestra la historia de Silas, uno de los personajes que me resultaron más interesantes y que queda reflejado como esbirro raro y fanático.
En segundo lugar, y esto no es culpa del pobre Ron, el doblaje que le han hecho. Si el personaje de Jean Reno se pasa casi toda la película hablando en francés, ¿Por qué le ha doblado en francés su doblador habitual español? Por la tontería de mantener el mismo tono en dos frases en nuestro idioma...
Otro detalle que no me gustó en absoluto fue la forma en que Howard nos transmite la forma de discurrir del personaje de Hanks. Tal y como ya había hecho en “Una mente maravillosa”, los criptogramas se resuelven en cuestión de segundos tan sólo echándoles un ojo, ya que el orden de las letras brillará cual luciérnaga tempranera... Cuando el problema no son criptogramas, sino análisis visual, Langdon entra en un mundo virtual donde la clave flota y le rodea. No sé a vosotros, pero a mi esto me resulta un recurso pobre y falto de imaginación.
Continuando, la película se basa en una estructura muy repetitiva y cansina. Landong y Neveu van de pista en pista descubriendo cosas sorprendentes mientras los malos les pisan los talones. Sobre el final de la cinta, ya sospechaba que lo único que les quedaba por descubrir era la receta de la Coca Cola... Será cosa mía, y más de uno se llevará las manos a la cabeza, pero para ver esto puedo alquilar “La búsqueda” con Nicolas Cage, que al menos no tiene aspiraciones y es más divertida.
Para acabar falta el tema de la polémica religiosa. ¿De verdad sorprende tanto que Jesús se hubiera casado? Esto ya lo sostenía J.J. Benítez desde hace años. Por otra parte, a los miembros del Opus Dei los ponen de secta mafiosa con asesinos entrenados, nada halagador y suficiente para enfadarse... pero en Hollywood saben cómo dar una de cal y otra de arena, por lo que al final se incluyen frases e imágenes religiosamente evocadoras, para que tengamos paz y después gloria.

En fin, como impresión final, resumir lo ya dicho: una película aburrida y sin mucho interés. Si esto es de lo mejorcito que nos esperaba este año, ya podemos santiguarnos. La película ya está pasando su prueba de fuego, y no le auguro muy buen porvenir, la verdad. Ya sabíamos que el festival de Cannes no la iba a perdonar, pero, por esta vez, me parece que el público tampoco.

Calificación: 3,5 /10

Lo mejor: Ian McKellen.
Lo peor: se hace aburrida y no sabe mantener la tensión.

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Fdo: Stan (artista invitado)

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LA NOCHE DE LOS MUERTOS VIVIENTES ~ reseña de Frikigore

¿Quien no recuerda a esos zombis caminando en los frondosos bosques? ¿Y de aquella terrorífica granja increpada por estos malévolos seres?

Hablar de “La noche de los muertos vivientes”, es hablar de una película que se ha convertido en un clásico del cine de terror. Con un presupuesto muy justo (alrededor de 114.000 $dólares) filmado en blanco y negro y ayudado por amigos, George A.Romero, debuto en el largometraje con esta estupenda película donde se consagro como uno de los maestros del horror.

Fue rodada en las cercanías de Pittsburg, Pensilvania, ciudad donde residía Romero, aprovechando varios fines de semanas y días festivos. El film esta interpretado por actores desconocidos, (Duane Jones (Ben) y Judith O' Dea (Bárbara)) y sin experiencia en el cine, la mayoría de ellos eran su primera película y para alguno la única. Ejemplo del ello es el personaje de Harry interpretado por Karl Hardman, que fue productor, técnico de efectos sonoros y maquillador así como varios papeles de secundarios que fueron realizados por gente del equipo de rodaje. El casi nulo presupuesto hizo también reducir los efectos en el maquillaje donde se utilizaron sirope de chocolate, y entrañas de animales proporcionados por un carnicero que era también productor.

Como veis el rodaje de esta fabulosa película esta llena de curiosidades y anécdotas pero hay que contar la inteligencia del Director. Romero, director, guionista, dto. de fotografía y montador de la producción tuvo en sus manos la opción de poder rodar esta película a color, pero desestimo la oferta, ya que el blanco y negro le daría mayor crudeza, incrementaría e enfatizaría el realismo a la historia, hasta darle un tono casi documental, tal como afirman algunos críticos. El novel director por entonces, consigue darle una atmósfera claustrofobia con escenas que se podrían catalogar como “gore” a la hora de mostrarnos el canibalismo de los zombis, que pasan a un segundo plano, cuando en la granja empieza a emerger la presión y el terror de lo que esta sucediendo en el mundo. Todo esto, junto a las luces y sombras de su acertada fotografía, a un guión muy bien aprovechado y una música delirante en las escenas de exaltación, hace que esta cinta se convirtiera en un éxito, recaudando 20 millones de dólares, a pesar de una mínima campaña de publicidad. Estos aspectos hacen que este film se haya convertido en una película de culto, tanto para sus admiradores como para aquellos que aman al cine. Su actor principal, Ben, fue el primer hombre de color que protagonizo una película de terror en una década de racismo en los EEUU, todo un riesgo para la producción.

La trayectoria de George A. Romero, ha estado siempre marcada por las películas de zombis, creador indiscutible de estos seres, que han sido imitados a imagen y semejanza de la perspectiva que les dio en sus películas. Dicha trayectoria esta complementadas con 3 films mas que son secuelas de su primera producción: “Zombi/ Amanecer de los muertos” ("Dawn Of The Dead",1978) “El día de los muertos” ("Day Of The Dead",1985) y la recientemente “La tierra de los muertos vivientes” (“The land of the living dead”,2005). Otros títulos que podemos recordar de Romero son “Atracción diabólica” (“Monkey shines”,1988) o “La mitad oscura” (“The dark half”1993) por ejemplo, que pasaron a un segundo plano en la filmografía del director, exceptuando “Creepshow”,1983 con guión del celebre escritor Stephen King.

En 1990 hicieron un remake de "La noche de los muertos vivientes" dirigido por Tom Savini y con guión del propio George A.Romero. Todo un clásico que podríamos estar hablando horas y horas…

Calificación: 9 /10

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Fdo: Frikigore (artista invitado)

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MATADOR ~ reseña de Shenka

Una se va al cine, con la hora justa. No quiere la sesión de madrugada porque está cansada. Así que opta por la sesión de las once menos algo de la noche.
¿Qué ofrece el menú de las 11 donde fui? Pues Matador.
Ya había escuchado en la radio una crítica hacia ella. Pero no la presté demasiada atención, en medio de un viaje de vacaciones la radio es una distracción sin más. En fin, el crítico la mencionaba como buena, aceptable y bastante divertida. Se asombraba de otras críticas, que alababan la interpretación de Pierce Brosnan en comparación con las anteriores películas suyas.
La verdad, es que este actor realiza básicamente una antítesis de su carrera más reciente como 007. Nada más ver la película me imagino a Richard Shepard (el Sr. director y guionista), antes de escribir, visionando Torrente e iluminándose la sesera con un Brosnan hortera, de pelo en pecho, sin principios aparentes, tripita, borracho a base de margaritas en vez de martinis y pistola en mano a la caza de la escoria mundial. Pero igual de follador, eso sí. Sólo que esta vez, pagando. Si el 007 era implacable con gusto, éste es imperdonable con ternura. Todo lo contrario que Torrente, sea dicho.

Matador es una comedia curiosa, pasable y entretenida. Con un humor que roza los límites pero sin llegar a lo burdo, que es bastante de agradecer.
Está bien llevada para mi gusto, la estructura se sostiene aunque a veces sea fácil de entrever.

En el plano técnico poco que decir, el guión no necesita un ritmo muy exagerado ni magnificencias de efectos. Sólo aumenta el ritmo del montaje cuando pasamos de una ciudad a otra, el resto sigue una línea natural.

Para los más imperdonables cinéfagos, descubrí un error de racord mientras Brosnan fuma en una escena. Pero bueno, como las sombras (guiño a Chico Viejo), suele pasar.

Sobre los actores, como ya he dicho Brosnan se ríe de sí mismo en este papel. El crítico de la radio que mencioné antes, se sorprendía de que le alabaran tanto en esta película como actor. “Está que se sale”, decía que decían. Y también mencionaba que Brosnan era un gran actor y siempre ha estado impecable en sus películas. Yo personalmente creo que este crítico era tan correcto que se limpiaba las babas con el aire con tal de no mancharse.

Pierce Brosnan es un estereotipo, de siempre lo ha sido. Nunca le he visto (y ahora es cuando os toca desmentirme si queréis. jeje) en papeles arriesgados, en los que deje extrapolar su versatilidad como actor. Siempre ha sido un madurito guaperas con clase. Y en esta película vuelve hacer lo mismo, sólo que pasándose un poco más de rosca. En fin, que también me imagino que es lo que le ofrecen en los contratos… pero siempre podría rechazarlos y arriesgarse.

El otro protagonista, Greg Kinnear, está aceptable en el sentido más normalito de la palabra. Qué le vamos a pedir a otro estereotipo, secundón y buenazo como él. Tiene un papel hecho a su medida, de hombrecito corriente, buen americano y sensible. Pero su arco de transformación me sorprendió en esta película, sí. Además de que la historia lo pedía un poco.

Concluyendo. Matador es una película buena, entretenida. No una obra de arte, pero tampoco una americanada cómica del montón. Está cuidada, tiene un guión sorprendente y un humor más que aceptable en los tiempos que corren.
La recomiendo. A mí, me alegró la noche entre amigos.
Y de hecho, me tomé al salir del cine un buen cóctel. Jujuju.

Calificación: 6 /10

(Ver ficha)

Fdo: Shenka (artista invitada)

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