HIJOS DE LOS HOMBRES ~ reseña de Jimmy Bahia

Children of Men es una pelicula con un mensaje claro y evidente, aun más si la encuadramos en un momento político, el actual, entre choques de civilizaciones, de religiones, de regiones y demás inventos, nos plantea el terrible supuesto - ¿y si la humanidad quedase estéril?, Incapaz de procrear, ¿importaría el mañana?, ¿habría esperanza?, sabemos que no, el hombre es un animal social y su razón de ser no es mas que la supervivencia a través de la descendencia. Tranquilícense que no pienso dedicar esta reseña a la difusión gratuita e innecesaria de cierta filosofía barata, para eso solo tienen que encender la tele o la radio donde seguramente encontraran algo.

Ahora pregúntese ¿y todo esto a cuento de que? yo les contesto … este mensaje claro, sin fisuras y que se muestra en todo su esplendor en el último tercio del film, puede resultarle a algunos demasiado presente, demasiado evidente y ser esto un handicap con el que la película ha de luchar para imponerse como producto artístico-audiovisual, es decir el continente podría distraernos en exceso del contenido, pues bien esto es una tremenda gilipoyez y el que aquí suscribe lo ha leído en mas de una ocasión, un film es continente y contenido (como bien decía creo recordar Stan en su critica de ‘El Señor De La Guerra) y ambos van de la mano de una u otra forma en este caso unidos de forma perfecta, pues el uno existe por el otro, la línea narrativa no se aleja hacia caminos secundarios que no hacen más que enredar o en anécdotas fuera de lugar que afean el paisaje, innecesarias aquí. Porque, y he aquí el merito de Cuarón y de todo el equipo de rodaje, saben cual es el objetivo y logran alcanzarlo con eficacia.

La ambientación, todo lo que rodea a los personajes principales (digámoslo ya un excelente elenco que cumple a la perfección desde un impresionante Clive Owen a Julianne Moore pasando por un irreconocible y grande como siempre Michael Caine), escenarios, iluminación, extras, todo lo que podríamos llamar diseño de producción lleva al espectador a seguir la historia, a adentrarse en ella, a ser uno de los personajes, identificación y empatía son las claves y tal vez el objetivo ultimo que debiera tener una película al menos una de estas características. A poco de empezar uno entra en un mundo apenas futurista, con ciertos toques semidocumentales tan en boga, pero que hay que saber utilizar, en este caso el manejo de la cámara la selección de encuadres el uso de la cámara en mano no mareante, el estilo en definitiva que le imprime el director, hace que nos adentremos más y más en ella hasta llegar a ser uno de los personajes. Especialmente interesante es el momento del tiroteo, se que algunos tacharan a Cuarón de director de encargo, carente de personalidad y de autoría, pero en este momento cuando se atreve en una película de estas características a mantener la cámara durante prácticamente toda una secuencia con unas gotas de sangre -según el propio director fue una casualidad-, es pura valentía. Esto debería tener el efecto contrario al que hace unas líneas mas arriba escribía, pero resulta que no que el efecto es el de que nos han dado la cámara, nos dicen - toma participa, no solo formas parte de la película sino que has acompañado a los protagonistas durante todo el viaje; entrega la cámara al espectador, haciendo aun más patente el objetivo de que éste se involucre al cien por cien. Este es uno de los pocos “alardes” que se permite el que maneja los hilos. No puedo y no quiero continuar esta crítica sin hacer mención a una de las escenas mas impactantes, que uno ha visto en la gran pantalla, una de esas escenas que se te quedan muy adentro para siempre, ambos protagonistas Theo (Clive Owen) y Kee (Clare-Hope Ashitey) que están en un edificio que ataca el ejercito y defienden los rebeldes, cruzan el pasillo y bajan las escaleras con el niño en brazos mientras todos cesan por un momento de combatir, huir, gritar o llorar, la esperanza esta cruzando a su lado y no pueden omitirla, es más, quieren verla, quieren tocarla y no dañarla, el silencio llena la pantalla, cesan las armas por solo un instante, pues es solo un momento, nada más cruzar la línea de fuego, continúan las bombas, las armas que callaron vuelven a golpear con fuerza, tal vez solo fue un espejismo. La esperanza cruzó a su lado y son tan necios como para seguir matándose, pasó la respuesta pero nadie hizo pregunta alguna.

Seguramente son los mismos aletargados de siempre los que carentes de maniobra intelectual alguna tacharan una y otra vez este film de mera maniobra comercial, de película efectiva pero no de autor, tratando de menospreciar una de las mejores películas de los últimos años, estos son los mismos que hablan de la época dorada de Hollywood salivando y tachando al cine actual de falto de chispa, de carente de magia, amigos míos vean más cine o dejen de verlo y hágannos un favor a todos. Hacía tiempo que el que esto suscribe no partía de una oscura sala de cine, con la sensación inmediata de satisfacción ante lo que le ha ocurrido durante dos horas, y es que el cine es por encima de otras muchas cosas, vivir sensaciones que otros intentan poner a nuestro alcance y que solo unos pocos consiguen. Si Cuarón es un “Autor” o no lo es el tiempo nos lo dirá, lo que si puedo asegurar con certeza es que ‘Hijos de los Hombres’ es un gran película, de eso no cabe duda alguna.

Nota: 9/10

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Previa con pósters, fotos y tráiler, aquí.

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SUPER NACHO ~ reseña de Jimmy Bahia

Me dispongo por petición expresa de Chico Viejo a escribir la critica de Nacho Libre o Súper Nacho en España, (el primo de alguien se aburría en algún departamento la distribuidora) aunque no es una tarea que realice a disgusto como si de deberes escolares se tratase lo cierto es que no me habría puesto a ello si no hubiese sido por la interpelación directa de CV.
Nacho Libre es una película pasarratos mas que palomitera no se trata de una comedia típica (…aunque si tópica) no nace con esa intención aunque caiga en ello con demasiada frecuencia. Un pasarratos entretenido y estéticamente muy aceptable, una historia rodeada de un bonito paisaje, filmada con solvencia y acompañada de una excelente banda sonora que es lo mejor de la función.
No cabe duda alguna, ni es necesario ser un espectador de cine avispado para comprender enseguida tras echarle un fugaz vistazo al cartel, a cualquier revista de cine o mejor aun a la magnifica previa que Kitano nos brindó aquí en la Tierra, Nacho Libre es un vehículo para el lucimiento de Jack Black una estrella cómica en alza del Hollywood actual con cierta tendencia a filmar películas mas o menos comerciales y con directores de renombre al menos algunos de ellos pertenecientes a la tendencia mas “indy” que en ocasiones rodea los Ángeles y otras se mete de lleno en Hollywood Boulevard, la primera vez que lo vi actuar fue en una muy buena película ‘Alta Fidelidad’ de Stephen Frears, también ha trabajado bajo la batuta de Richard Linklater, director de difícil apellido aunque sonoro y que filma cada vez mas y mejor, que solvento con muy buenas maneras una película con pretensiones comerciales, ‘Escuela de Rock’ con Jack Black en plan estrella valorada incluso por algunos críticos, los menos cargados de prejuicios.

Tras todo este royo pseudo cinéfilo que tal vez no venga a cuento pero que nos pone en antecedentes, acerca de quien es Jack Black un cómico famosete bien considerado por critica y publico, a pesar de estos antecedentes o precisamente por ellos, es Jack Black el personaje publico uno de los mayores lastres de la película, como suele ocurrir cuando toda un producción se basa en “el talento de un actor” y después todo lo demás, Jack con sus toques de humor físico, vease la significativa escena en la que mueve su culo embutido en unos pantalones ajustadísimos y que aunque pueda perecer cómica aquí escrita y aunque a mi pareja le pareciese muy jocosa a mi me resulto una escena excesivamente larga y mil veces vista aunque el culo no sea el de Jack, que todo sea dicho lo menea con soltura.

La interpretación del señor Black es correcta excepto cuando se apoya en lo excesivo, en la caricuratización de si mismo en ningún momento vemos a un cura-luchador mexicano vemos a el cómico Jack Black vestido de cura, y que recuerda a el profesor falso de la mencionada ‘Escuela de Rock’ o a cualquiera de sus anteriores trabajos antes de que alcen sus voces, puede que con razón, señalando a grandes cómicos de la historia del cine que repitieron una y otra vez sus personajes en situaciones distintas desde Búster Keaton a Los Hermanos Marx pasando por Charles Chaplin (sacrílego soy), no son en ningún punto comparables ni el discurso ni mucho menos el personaje que en el caso de Jack tiene mucho menos peso y aristas, ni siquiera en el caso de Keaton que es con mucho el que practica un humor mas físico de los tres (con poco acierto nombrados). Se acercaría Jack a otro clásico el gordo Oliver Hardy que también canta.

Dejando de una vez por todas el rollete pseudo cinéfilo y que definitivamente no viene a cuento, pasemos directamente a la película no sin antes comprar palomitas y un refresco, Nacho Libre es un cura que lucha contra la burguesía establecida tanto en el convento como fuera de el, encarnada en el luchador de la mascara de oro y su proxeneta millonario, padre de una oronda fémina que se enamora de Esqueleto el compañero en la lucha y en la vida del Cura bienintencionado al fin… y al principio que no en el medio de la trama. Es el momento de Hablar de Esqueleto el compañero en la lucha, un joven que no adolescente que vive en las calles del pueblo abandonado de la mano de Dios y que el cura decide es el mejor compañero para acompañarlo en su aventura como Luchador, pues bien Esqueleto (Héctor Jiménez), si no llega a comerse a Jack cuando aparecen juntos en pantalla le falta bien poco, resulta mas gracioso que el cura, con su cara de alelado y un cuerpo para enmarcar y colocar en un museo surrealista, dadaísta o algo terminado en ista, este tipo nació para encarnar a Esqueleto veremos que nos depara en el futuro pero es una excelente pareja de baile para Jack, que esperemos sepa aprovechar mejor sus cualidades que las tiene. En la película también actúa un clon en guapa de Penélope Cruz si esto pueda resultar injusto con Ana de la Reguera he de puntuar que mucha culpa de ello tiene creo el maquillaje y la caracterización a la que la han sometido para lograr que fuese lo mas parecido a lo que en Hollywood pueda considerarse como una “pequeña Belleza Latina Inmaculada” de pueblo mexicano o español que es lo mismo ¿No?
El director es Jared Hess del que no he hablado pero se haría interminable esta critica a que no conozco su anterior película ‘Napoleón Dinamite’ que se esta convirtiendo en una pieza de culto, se dio a conocer con un muy buen corto ‘Peluca’.

Si bien decir que se intuye una capacidad importante para ejercer como director de orquesta, pero ¿quien sabe lo que nos depara el futuro? aquí no ofrece apenas nada destacable y se reserva lo mejor de si cuando deja aparte lo puramente narrativo y se deja llevar por lo “surrealista”que debiera haber sido lo dominante en la función, lo mejor de toda ella son las peleas destacando sin duda la de Jack y Esqueleto contra los Enanos Caníbales, genial.

Tengo que hacer mención a que el hecho de que Nacho sea cura es irrelevante salvo por que la historia esta al parecer basada en Sergio Gutiérrez Benítez, un sacerdote mexicano que llevó una doble vida como luchador ‘Fray Tormenta’, para poder mantener a los huérfanos en condiciones aceptables en un orfanato que el mismo fundó, por lo demás es indiferente el que Nacho sea cura pues desde el primer momento carece de una fe arraigada, la sotana no le impide repartir y recibir mamporros y tampoco le supone en ningún momento un impedimento a la hora de aceptar su atracción por la monjita, maquilladísima ella, no importa que sea cura se la intenta ligar igual, daría lo mismo que fuese maestro y que los curas malos fuesen sus superiores, no hay ninguna frustración sexual o momentos en que haga mella una duda en cuanto a su camino religioso o en cuanto a la fe que podrían haber sido aprovechada por el Jack Luchador a lo hora de enfrentarse a enanos caníbales y demás personajes.

El cura se viste con pantalones ajustados se lía a mamporros y se intenta llevar a la cama a la monja que si tiene cierta fe tampoco es una cosa excesiva, lo único que une a el cura con el convento es el amor mal aprovechado de nuevo que profesa por los niños.
Como dije al principio de la larga critica lo mejor de toda la película es una excelente banda sonora de la que se encarga el genial Danny Elfman al que todos conocemos por sus colaboraciones con Tim Burton. También encontramos temas de Caetano Veloso, Beck o la excelente canción de Mr. Loco ‘I Am I Am a Religious Man’ pulsen aquí para escucharlo que merece la pena.

Calificación: 5,5 /10

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'EL SABOR DE LA SANDIA', fantasía y realidad, de TSAI MIN LIANG

Al terminar de ver una película de estas características a uno le gustaría tener a mano al menos a un par de cinefagos para comentarla, porque es un cine del que es difícil opinar, no me atrevería a hacer una critica sino fuera porque aquí en “La Tierra” hay muchos amantes del cine Asiático y porque tengo curiosidad por saber que opinan de ella. No conozco la obra de Tsai Ming Liang pero en apenas cinco o diez minutos de visionado, tras algún que otro sentimiento de rechazo, alguna risa, alguna lagrima y sobre todo tras el primer numero musical uno cae en la cuenta de que o participa en el juego que le propone el Taiwanes o es mejor levantarse del asiento y a otra cosa, - no sin antes advertirle al subnormal de atrás que cuando uno esta en un cine, de cualquier tipo no debe hablar en voz alta, hacer comentarios jocosos que no graciosos dedicados a todos los presentes y sobre todo no contestar al móvil como si estuviese en el salón de su casa, a menos que quiera que se lo metan en cierta parte - , esto… por donde iba… por hacerse participe del juego que propone Tsai, Es este un film sorprendente en el buen sentido de la palabra, a mi en particular, e imagino que un buen numero de espectadores coincidirán al menos en dos de ellos me llamaron la atención, tres puntos.
En primer lugar los números musicales, no se puede considerar esta película como un musical, sino que estos se intercalan dando un toque de festivo de color, entretenimiento y humor, aportando poco en cuanto a el aspecto narrativo de la película (esto es discutible) que podría muy bien sobrevivir sin ellos pero seria entonces peor película, aunque estoy seguro que habrá quien opine lo contrario. La ya citada primera escena musical me descolocó bastante pero me parece lo mejor de la función, (junto a una especie de chiste subido de tono que tiene que ver con una botella, un tapón y un aparato genital femenino.) Los números son fantasiosos y exagerados en cuanto a la interpretación de los actores, la música elegida y el tono barroco que contrasta con la austeridad del resto de escenarios mas cercanos a un cine digamos “realista” que a uno puramente fantasioso.
Llamo asimismo mi atención el aspecto erótico, el protagonista es un actor porno en un Taiwán asolado por la sequía, pues bien si pudiera parecer que es una película tipo “viagra”, no lo es en absoluto, el sexo cuya presencia es constante es tratado con un humor escabroso o negro pero humor al fin, al menos cuando es mostrado de forma mas directa, en el rodaje de la película porno que es utilizado por Tsai Ming Liang para llevar a cabo una fuerte critica sobre las películas xxx, a través de una serie de escenas, en una la mas clarificadora en este aspecto la actriz porno se encuentras desfallecida, y el equipo la mueve a su antojo para poder terminar la película, es sencillamente un trozo de carne mientras que Hsiao-kang (el prota) se excita y consigue terminar la faena solo al ver a Shiang-chyi (la prota), y es que esta es una historia de amor de dos personajes solitarios (¿nuevo verdad? ¿ a quien le importa que lo sea?, a mi no.) en otra Hsiao-kang necesita revistas para excitarse, y cuando la actriz porno le pregunta si le ayuda recibe por respuesta un portazo, es curioso que el director defienda en este sentido la sutileza, (es decir excita mas una mujer vestida sugerentemente que una desnuda y abierta de piernas etc etc) cuando en la primera escena del film una de las que se podrían calificar realmente como eróticas al menos en parte se dediquen a machacar… una sandia, de color rojo sangre…

Lo tercero que llamo mi atención, es que todas las escenas de la película exceptuando los números musicales, se resuelven a base de planos estáticos, sin movimiento de cámara, en los que transcurre la acción, se mueven los actores delante de ella y cambia de plano general o plano medio o corto pero no hay ni un movimiento de cámara ni siquiera para corregir el plano. Dejando aparte el hecho de que esto requiere una buena planificación, el punto de realidad que podría ofrecer contrasta, me repito, con la fantasía intercalada de los números musicales y con la elección de puntos de vistas arriesgados y sugerentes como puedan ser por ejemplo la entrepierna de una mujer. No me voy a detener en la interpretación de los actores, un casting excelente con una interpretación mas que correcta, contenida o exagerada cuando es necesario como el resto de la película, ni en la Banda Sonora, la elección de las canciones responde al plano humorístico-festivo, lúdico-original… o en el tratamiento por momentos asfixiante de la sequía en Taiwán ni en el hecho “metaforico”¿? que supone tener que sobrevivir a base de zumos de Sandia (que me pregunto yo como es posible que una planta de agua abunde en un lugar carente de ella, será esto, será que son rojas por dentro, y redondas por fuera o será una elección al azar -o no- como las latas de piña de Wong Kar-Wai ), y termino aquí, porque ya se hace larga la critica, si es que alguien la ha leído entera claro...

Calificación: 7 /10

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WONDERLAND ~ reseña de Jimmy Bahia

Wonderland o “el país de las maravillas” sigue la vida y andanzas de una familia londinense , conformada por tres hermanas, una divorciada con un hijo, una con pareja a punto de dar a luz y una hermana soltera que ejerce de hilo conductor de la película, sumémosle una padre bonachón, una madre insoportable, y un hermano que huyo hace tiempo, este con menor presencia física en el film.
Es por tanto una película de personajes cuyo guionista reconoce haberse inspirado en “Vidas Cruzadas” de Robert Altman, que trata el tema de la soledad en compañía, es decir rodeado de gente ya sea tu familia o aquellos que habitan en una urbe superpoblada y cosmopolita en que apenas se rozan unos con otros, en la que la hermana soltera ha de recurrir a un servicio de emparejamiento por teléfono para encontrar a alguien, si percatarse de que un chico negro introvertido, vecino de sus padres que escucha Massive Attack (tiene buen gusto) es al parecer su media naranja, este es otro de los personajes que vive en la película que como en el caso del hermano huido y en esto interviene el talento de Winterbottom, conforma con apenas unos metros de película, a base de detalles, bien es cierto que favorecido por una muy buena interpretación, como la de todos los actores que sin caer en excesos, logran hacer creíble la historia, no cabe aquí destacar a ninguno pues es una película coral.
A la soledad urbana hemos de sumarle la de una familia que en cierto modo permanece unida y en contacto pero en la que apenas hay afectividad, ellas visitan al padre que no a la madre, las hermanas hablan mal unas de otras, se ríen de la hermana preñada cuando a esta la deja su marido tras una especie de crisis “vital”… y hay un personaje ausente que amarga la monótona existencia de los padres, el hermano que escapo porque no aguantaba mas a la madre. A pesar de todo esto no es una película triste ni un dramón en absoluto, no van a pasar un mal rato viéndola, esta llena de luz, sonido, música e incluso fuegos artificiales.

Hay que destacar una fotografía esplendida que llena de matices la pantalla, rodada en 16 milímetros e hinchada a 35, lo que le da un aspecto muy característico, muy granulado y una excelente banda sonora a cargo de Michael Nyman, que acompaña a Winterbottom en todas sus películas. Se produce una simbiosis entre estos dos aspectos y el estilo cámara en mano semidocumental, atravesando la línea en ocasiones para mostrarnos la ciudad y los que en viven en ella, haciendo que el espectador perciba sin darse cuenta que en cada uno de los personajes de esa ciudad hay una historia que quizás merezca ser contada, esperamos que lo hagan narradores de la talla de Michael Winterbottom, al que si se le puede achacar algo, por ponernos puntillosos es precisamente el exceso de “camaraenmanoismo” me refiero a los movimientos bruscos y constantes en ocasiones, pero que nos ofrece aquí una gran película, que yo desde la tribuna que me brinda Tierra de Cinefagos por supuesto les recomiendo.

Calificación: 7,5 /10

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LA EDUCACIÓN DE LAS HADAS: Nunca educar a un hada fue tan aburrido

No voy a descubrir nada nuevo si digo que el cine español, acumula defectos que se repiten una y otra vez en muchas películas, uno con toda su buena fe y un poco coaccionado por su parienta, entra a ver “La Educación de las Hadas” era esta o “Las Colinas Tienen Ojos” y claro me equivoque, pero la otra era demasiado sangrienta y yo soy un tío sensible. Bueno a lo que iba el cine español acumula defectos, y los mismos se repiten una y otra vez en la mayoría de las producciones patrias, esto resulta aun mas sangrante cuando el que nos presenta la película es José Luis Cuerda que te produce cierta simpatia, no se si por esa imagen de Papa Noel o porque es buen dialogador, creo recordarlo bastante coherente en alguna entrevista y con una obra en su haber entretenida y curiosa, como es “Amanece Que No es Poco” un tío con un cierto reconocimiento, su ultima película es “La Lengua de las Mariposas” al que bien se le puede achacar, o no, el descubrimiento de Alejandro el “niño genio” Amenabar, del que no es el momento de hablar pero que en mi humilde opinión de genio tiene poco, mu apañao pero poco muy poco original, rozando el plagio en ocasiones y que podríamos calificar como buen artesano con pretensiones de autor. Lo siento pero “Mar Adentro” la calificada por algunos como la mejor película española de la historia es para mi insoportable. Tras esta reflexión, rajada y desahogo procedemos a lo que corresponde, que es el análisis siempre subjetivo de la película, es bien cortito no les dolerá.

La película que nos plantea Don José Luis que aparece en la misma haciendo de alcalde que casa a los protagonistas, es muy aburrida, con ciertas pretensiones que no logra alcanzar, se supone que es una película de personajes, personajes que uno no se cree en ningún momento de la película, es este el mayor defecto del film y que se repite de forma constante en el cine español, otro de los defectos del que adolece no solo La Educación de las Hadas sino gran parte del cine español es confundir el cine con literatura, el cine es cine y la literatura es literatura, se pueden retroalimentar pero no sustituir, los recursos narrativos no son , no deben ser los mismos, esto esta relacionado con el hecho de que no nos creamos a los personajes; los diálogos: ( otro gran carencia de “nuestro” cine) nadie habla tal y como lo hacen los protagonistas de la película, es flagrante lo del niño repelente, jamás hablará un niño de esa forma, su primera frase es - las hadas follan como todos nosotros… y uno empieza a pensar que eso no se lo diría un niño a su padre sea adoptado o no, después incide una y otra vez en diálogos que suenan ridículos, irreales, expresados además con una exagerada falta de naturalidad y los dice un niño de unos 7 años, pero no es el único que carece de naturalidad, ni el máximo culpable por supuesto, la gente no habla como en los malos libros Señor Cuerda usted como director de una escuela de cine, debería saber esto. A unos malos diálogos y a un guión pésimo le unimos unas terribles interpretaciones sobre todo la de Ricardo Darin, no se si no se creía los diálogos, su personaje, o simplemente es que es mal actor, tengo la impresión de que ocurre lo primero aunque bien pueden ser las dos cosas, tampoco parece creerse su personaje Irene Jacob, cuya profesión es investigadora del vuelo de las palomas o algo así, el otro es juguetero …claro… a pesar de contar con la estrella francesa, la mejor interpretación corre a cargo de la actriz reconvertida a cantante… o algo parecido, Bebé pero que aun así como los demás esta mal dirigida y es por eso que le doy cierto merito y la animo a que deje su carrera como cantante por su bien y el de lo demás, o al menos el mío propio.

Resumiendo: la película parte de un mal guión, se acopla con un mal montaje que va una y otra vez del presente al pasado y del pasado al futuro, si hay quien describe el montaje como un puzzle en este faltan piezas, sufre de una mala realización y unas interpretaciones aun peores. En ningún momento participa el espectador de lo que le quieren contar, no es solo mi caso sino que se escuchaban conversaciones totalmente ajenas a la película y si esto suele ser molesto, en esta ocasión era mas que entendible, yo mismo caí en ello recordándole a mi pareja una y otra vez que la película sangrienta de los mutantes caníbales hubiese sido una mejor opción, y que haber si se dan una vuelta por España y se comen a mas de uno.

Calificación: 4 /10

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FELIZ NAVIDAD ~ reseña de Jimmy Bahia

Feliz navidad (Joyeux Noël) es una película que narra un acto de confraternización espontáneo entre soldados en la Nochebuena de 1914 durante la Primera Gran Guerra, une en un mismo escenario a varios personajes e historias basados en la realidad y pasados por el filtro de los 35mm, uno de los protagonistas Nikolaus Sprink ( Benno Fürmann) basado en un tenor de la época es el punto de partida del desarrollo narrativo de la película. Christian Carion: “Walter Kirchhoff. Aunque no era soldado, actuaba para las tropas, pero nunca en primera línea. Salvo en la Nochebuena de 1914, en que vino a cantar a una trinchera alemana. A cien metros de allí, un oficial francés que le había visto en la Ópera de París, en 1912, reconoció su voz. Se subió al parapeto y se puso a aplaudirle. Y Kirchhoff, ajeno a toda preocupación bélica, cruzó la tierra de nadie para saludar a este admirador, lo que incitó a los hombres a salir y favoreció la fraternización.”

He creído necesario situar al que la lea, y no haya visto la película, aunque quería que la crítica fuese corta como contraposición a las ultimas que se han escrito para Tierra de Cinefagos.
Prefiero hacer las criticas cuando las películas están aun frescas, en mi cabeza las imágenes permanecen, cuatro o cinco planos especialmente, mas algunas resoluciones y diálogos siguen ahí tal y como son en realidad, ahora bien hay películas que van mas allá de los aspectos puramente técnicos, de maniobras con la cámara, de interpretaciones buenas malas o geniales, son películas llenas de buenas intenciones, que como esta pretenden mostrar una visión y lo consiguen, que no es fácil, haciendo a uno participe de ella, que entienda el trato que le proponen aceptándolo de forma tácita, incluso a pesar de fallas en la realización o en el montaje, en la narración al fin y al cabo, estas van desapareciendo a medida que uno comprende que el fragmento de Historia que nos presenta Christian Carion es real, que ocurrió, que la guerra es absurda, que condenaron a un gato por espía, que los Alemanes, los Franceses y los Británicos, sus soldados, no son tan diferentes entres si, que no hay mayor error que colocar un fusil en manos de alguien que no quiere o no sabe porque mata y que si acaso estos perciben que al que disparan es igual a el, que no quiere o no puede asesinarse a si mismo, se produce la empatia, y es que cuando se produce la empatia ya sea a través de, la pintura, la literatura la música, como en la película, o el cine es cuando el ser humano es mas humano, y la empatia se produjo entre los que asistíamos a la proyección de Feliz Navidad y los creadores de la misma que no son solo el director, el productor los actores o el guionista, ni siquiera el libro del que parte la película sino también los soldados que decidieron no aniquilarse sino conocerse y aceptarse.

Calificación: 6,5 /10

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UN FRANCO, 14 PESETAS ~ reseña de Jimmy Bahia

Pues ante la una vez mas ardua elección de que película ver y ante la escasez de opciones que me ofrecen tanto las distribuidoras, como el cine local, supongo que por las fechas en las que estamos, bueno pues el caso es que opte en esta ocasión por “Un Franco Catorce Pesetas” en lugar de “El Código…” visionado que aplazare cuanto pueda, no quiero darle dinero al (aquí irían dibujados un cuchillo y un cochinillo como en los comics…) de Dan Brown.
Promete el cartel y promete el hecho de que el actor y director y guionista de la misma Carlos Iglesias, provenga de un registro totalmente diferente al que parecen plantearnos en la película, a los que encuentren esto contradictorio tal vez debiera recordarles de donde vienen Takeshi Kitano, Woody Allen y un largo etc.
La película comienza en el Madrid de los sesenta, una familia de clase media que pretende comprarse un piso, y un marido (Martín) al que despiden de la fabrica en la que trabaja, al que le ofrecen la posibilidad de emigrar a Suiza, una vez allí se alojan en una Pensión de un pequeño pueblo Suizo en las montañas, todo ello muy excelso en comparación con la España triste y oscura del Franquismo, tienen incluso agua caliente y papel en el cuarto de baño en vez de periódicos.
No voy aquí a desvelar la trama, si las que son a mi parecer virtudes y carencias de la cinta, nos encontramos ante un estilo de dirección torpe en ocasiones, tal vez escaso de recursos técnicos, que podríamos perdonar por el hecho de ser esta la primera película de Carlos Iglesias, algunas elipsis poco brillantes, poca profundización en cuanto a algunos personajes el compañero emigrante de Martín podría haber dado mas juego, algún que otro dialogo no muy natural y poco mas, en cuanto a lo positivo pues unas interpretaciones muy por encima de la media del cine patrio, excelentes los secundarios Isabel Blanco(Hannah), Javier Gutiérrez(Marcos), así como el propio Carlos Iglesias – aunque me quedo con la impresión de que puede dar mucho mas de si mismo dirigido por otro- y en general todos los que aparecen en la película Nieve de Medina (Pilar) … . Aparte de los actores, una buena utilización de el escenario en que sitúa la historia, una magnifica fotografía a cargo de Tote Trenas.
Una historia agradable y real que cuenta una emigración distinta, vivida por el propio Iglesias que gozó de la hospitalidad de una cultura ajena a la nuestra. En cuanto a aquellos que dicen que suaviza la situación de los inmigrantes yo les digo que nos esta película nos da una lección de civismo y que es una historia real ¿ porque habría de modificarse?, aquí Carlos Iglesias no hace cine protesta nos ofrece un trozo de realidad de su realidad. Una película sin pretensiones y muy superior a la media Nacional, que no es de extrañar que triunfase en el Festival de Cine de Málaga.

Calificación: 6,5 /10

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CACHÉ ~ reseña de Jimmy Bahia

Nos encontramos de nuevo ante una muestra del personalísimo cine del director Michael Haneke, una película arriesgada, no solo para Haneke, sino incluso para el espectador y mas aun para el que se decide a hacer una critica de la misma ;-) … aunque con retraso…

Primero he de añadir una pequeña pero necesaria sinopsis de la película, la familia del protagonista Georges un periodista de clase media-alta, comienza recibir una serie que inquietantes cintas de video en las que se les filma a escondidas. Según Michael, (permítanme llamarle así, es por la amistad que nos une) , la frase clave de la película es esta “Haríamos cualquier cosa por no perder nada”, en cierto modo refleja que la angustia que siente el protagonista es mas por la posibilidad de escapar de una cómoda rutina, que la de averiguar el porque, que induce al que lo hace a llevar a cabo semejante desvarió, una vez que cree averiguar quien es el que se encuentra detrás de las cintas, transforma su desconcierto en agresividad, todo ello provoca un crisis matrimonial con su mujer la actriz de cutis perfecto (Juliette Binoche) nos encontramos ante una serie de metáforas planteadas por Haneke y que sumadas provocan la incomodidad del espectador de cine, al que se le plantean preguntas y mas preguntas obligándolo a pensar, es una película cruda que nos plantea la realidad de forma directa, por el modo de filiación digamos “verista” , que pocas veces se deleita en la belleza de la imagen salvo en las escenas que ocurren en la granja, y a trabes del guión, girando en torno a el argumento principal caen cuestiones….¿se ha de culpar realmente al protagonista por algo que hizo cuando tenia apenas 6 años?, ¿aunque fuese de forma consciente, debería disculpar su actitud de entonces?, ¿el niño marroquí que sufrió las consecuencias esta en su derecho de reaccionar de esta forma?, ¿es el o es su hijo el que lleva a cabo esta especie de venganza?, ¿la elección de la nacionalidad del que se inmiscuye en la vida privada de Georges es azarosa?...

Otra frase de Haneke en cuanto a la película “El papel del cineasta es rascar donde duele, desvelar lo que no se quiere saber ni ver.” De eso trata la película de la comodidad en la que vivimos la clase media del mundo occidental, y de lo que nos incomoda tan solo ver de que modo viven por ejemplo en África, aceptamos la inmigración pero no cuando nos afecta, no somos racistas pero porque recibimos interferencias en pequeñas dosis y en la periferia, visto de otro modo incluso justificamos ataques terroristas porque pensar que son aleatorios o aceptar que son injustificados o intentar comprender el porque es demasiado incomodo, porque salir de nuestra rutina es algo que no podemos ni imaginar, a no ser que veamos una de las películas de Michael Haneke.

Calificación: 8 /10

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Fdo: Jimmy Bahia

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