EL VUELO DEL FENIX, vivir o morir... esa es la cuestión

No hace mucho (en el 2004 para ser exactos) se estrenó en los cines un nuevo remake, costumbre que se está convertiendo en manía, americano del Vuelo del Phoenix que llevó el mismo título. Este clásico del director Robert Aldrich tiene por protagonistas a James Stewart, Richard Attenborough y Hardy Krüger. No puedo hablarles del remake ni hacer una comparativa entre ambas versiones pues no he visto la última. Sin embargo puedo hacerme una idea de lo que la industria americana ha hecho. Posiblemente el remake guarde muchas semejanzas con la historia original, de eso no cabe duda pues la historia es simple y la virtud del film se traslada a los propios actores... Sin embargo, y se trata de una suposición, se habrán acentuado o más bien creado mayores situaciones de peligro que el desierto mismo. Pero bueno... hablar sobre el remake no es de lo que se trata.

Directamente voy a contar aquellos aspectos que han sido de mi agrado durante el visionado. Una de estos aspectos que más me llamó la atención fue el principio de la película. No hay largas presentaciones ni escenas previas... no asistimos a un preámbulo en el cual veamos a cada personaje llegar al aeropuerto o subiendo al avión, la película comienza con el avión en pleno vuelo y los personajes son presentados de forma rápida con apenas un par de frases al tiempo que vemos los títulos de crédito. Tras esos escaso minutos en los cuales directamente estás dentro de la acción de la película ocurre el accidente ocasionado por un fallo en el motor que obliga a un aterrizaje forzado y peligroso en las ardientes arenas del desierto.

A partir de aquí la historia toma un solo rumbo... la supervivencia. Sin embargo lo que en principio fue un racionamiento para subsistir mientras llegaba el rescate con el paso de los días la supervivencia se convirtió en acción, en hacer algo para poder salir de allí con vida. Como dije anteriormente la película se basa sobre todo en sus personajes, ellos son los que llevan el peso del film. No hay más localizaciones, no hay más posibilidades de las que sobrevivir en el desierto. Así pues serán las relaciones personales y el desgaste del desierto en los propios personajes los que conduzcan los acontecimientos.

Así pues veamos algunos de éstos personajes: El primero, como no, es James Stewart que interpreta al capitán Frank Towns, piloto del avión siniestrado. Hombre de carrera y con suma experiencia es de esos pilotos de antaño que creen en la astucia y habilidad del piloto por encima de los medios tecnológicos. Este personaje sufre una evolución y no es el mismo que al inicio de la película. James Stewart se hace único responsable del accidente y de los caídos en el mismo. Pero si algo le hará cambiar será su relación con uno de los pasajeros, un diseñador de aviones llamado Heinrich Dorfmann e interpretado por Hardy Krüger Es ésta relación el tema central del film. La disputa entre dos hombres de vidas diferentes, de pensamientos diferentes unidos y obligados a entenderse en una situación crítica y fatal donde están en juego sus vidas.

Hardy Krüger interpreta a Hionrich Dorfmann. Ya saben de quien se trata. Al principio era el típico personaje del que todos ríen y no toman en serio. Debido a sus circunstancias familiares y ese aire intelectual que se marcaba entre personal de características militares y físicas antes que intelectuales. Como dije en el párrafo anterior entabla una pequeña lucha por el poder con James Stewart y como se suponen al final gana el respeto de sus compañeros. De este personaje será la idea de transformar los restos del avión siniestrado en un nuevo modelo con el que salir de allí.

El tercer protagonista de esta historia es Richard Attenborough. Copiloto o ayudante de Stewart y fiel a su amigo de muchos años estará siempre a su lado y actuará en ocasiones como "pepito grillo" haciendo de su conciencia. Ambos amigos demuestran que en los momentos más difíciles es siempre mejor escuchar a tu mejor amigo que encerrarte en tus propias obsesiones.

Del resto de personajes hay claroscuros. Por una parte hay personajes típicos que se suelen repetir en este tipo de historias. Por supuesto hay un médico... o hay un hombre que tiene "agotamiento psicológico", es decir, el calor y el exceso de trabajo le había llevado a un trastorno denominado de aquella forma... pero vamos, sencillamente estaba un poco loco. Igualmente hay una pareja de militares que también tratan el asunto del mando y la obediencia. El soldado de inferior rango acabará pensando en sí mismo y en su supervivencia por encima de cualquier orden dictado por su superior.

En definitiva y para concluir solo un par de cosas más. El mayor defecto que, personalmente, le encuentro es una falta, y no hablo de ausencia, de tensión o dramatismo en la película. Sin embargo este hecho puede considerarse al mismo tiempo como una virtud, es decir, la sobriedad de las escenas, el vacío y el silencio del desierto.... el director en cierta manera plasma de forma real una situación no solo agobiante y desesperada sino de total y absoluta soledad. Quiero decir con esto que aun siendo para mí un defecto.... pequeño defecto.... la dirección del director logra a buenas maneras mostrar esa dureza y desesperación del ver pasar el tiempo solo esperando la muerte. Por cierto, eso sí, el único pseudo-espejismo de uno de ellos en medio del desierto es extraño y tiene sentido. Bueno, en conclusión "El Vuelo del Phoenix" es un drama de superación personal, un film seco y duro donde la monotonía y la soledad se convierten en compañeros de viaje de un grupo de hombres que solo les queda luchar contra el tiempo para vencer a la muerte.

Lo Mejor: El momento de la conversación entre los dos protagonistas, momento del segundo giro de la trama. Es aplastante.
Lo Peor: Para mi gusto... falta de tensión.

Calificación: 7,5 /10

(Ver Ficha)

Fdo: Kitano

servido por cinefagos 4 comentarios compártelo favorito

LOS CANALLAS DUERMEN EN PAZ... cine negro en estado puro

En esta ocasión el maestro Kurosawa deja de lado la katana y al samurai para entrar en el género del cine negro. Claro está, su inseparable cuadrilla de actores seguirá bajo su batuta una vez más. En "Los Canallas Duermen en Paz" asistirán a una nueva lección de cine de la mano del maestro Kurosawa. De la historia es mejor no desvelar nada, pues uno de los grandes atractivos del film radica en su concepción y montaje, es decir, esta hecha de tal modo que los sucesos y la historia es algo constructivo que el espectador puede ir montando al tiempo que salen a la luz nuevos datos.

De esa "cuadrilla" de actores que acompaña a Kurosawa destacan las interpretaciones de Takashi Shimura y de Toshiro Mifune. Sobre todo si hubiera que encumbrar a alguien de esta película sería sin lugar a dudas a Toshiro Mifune. Un actor que ha demostrado sobradamente su capacidad para meterse en la piel de diversos personajes sin embargo, sea cual sea éste, Mifune emana tal fuerza y convicción en sus interpretaciones que es imposible que pase desapercibido. En esta ocasión, Mifune será el esposo de la hija de su jefe en una importante empresa japonesa (esto que acabo de desvelar no entra en conflicto con lo que dije en el párrafo anterior pues me sirve para enlazar con el siguiente).

Dejando de lado solo momentáneamente la reflexión sobre lo actores hay que decir un par de cosas sobre la película. El primero es su comienzo. La película empieza en la boda del Mifune con la hija del jefe, concretamente con el inicio del banquete de bodas. En el banquete aparece una avalancha de periodistas que lejos de tratar el tema de la boda se interesan por los posibles casos de corrupción en la empresa. Seguidamente se asiste a una magistral presentación de los personajes y de la historia. Los personajes son presentados por el maestro de ceremonias para que intervengan en el banquete (a modo de discurso y felicitaciones), por otra parte los reporteros y sus cábalas y por último la llegada de sorpresas que disgustan a unos y confeccionan una presentación para enmarcar. El único inconveniente que se puede comentar a esta presentación es el hecho de que la cantidad de nombres de personajes, empresas y sus respectivos cargos hacen que de primera uno se pierda entre tal cantidad... un segundo visionado ayuda bastante sin embargo es cierto que a lo largo de la película el hecho de no captar toda la información no supone un inconveniente para seguirla. Por supuesto del final no pienso soltar prenda... como toda la película es genial y no deja de sorprender, en realidad uno desea ver más que no acabe la historia porque a pesar de las dos horas y media que dura el film uno no quiere que acabe. Resumiendo... perfecta de principio a fin.

Volviendo al tema de los actores la película gozan de una multitud de caras, cada cual parece desubicada dentro de un puzzle complejo... sin embargo a medida que avanza el film éstos personajes desdibujados al principio toman cuerpo y color encajando entre las piezas de la historia. Tal y como dije anteriormente de todas éstas piezas destaca Mifune... glorioso y espectacular Toshiro Mifune se convierte en la pieza fundamental de todo, un personaje perfecto en la piel de un actor prodigioso. Del resto de personajes destaca Takashi Shimura que tiene varias escenas geniales; el padre y jefe de la empresa... el hermano de la mujer de Mifune (Tatsuya Mihashi).

Una cosa esta clara, la creación de los personajes esta calculada al detalle. En una trama donde tantos nombres figuran las relaciones de poder se pueden palpar en el ambiente, la frialdad del poder se saborea en varias de sus escenas. Por ejemplo hay una en la parte final en la cuál los personajes hablan de ello, la misma se desarrolla en un entorno familiar, una comida típica de domingo en familia. Por lo tanto, en mi opinión, pienso que uno de los fuertes sin duda alguna de este film es la alta gama de personajes de los que podemos disfrutar. Pero entre ellos, lo mejor se lo lleva Mifune. Su personaje silba una cancioncita, detalle que se convierte el genialidad en manos de Mifune.

En definitiva y, en mi humilde opinión, nos encontramos ante una de las joyas legadas por el maestro Kurosawa. "Los Canallas Durermen en Paz" es una proeza creada en 1960 que goza de todos los atractivos que cualquier amante del género puede esperar. Dirigida por Kurosawa y comandada por Toshiro Mifune nos adentramos en el lado oscuro de los negocios, de la corrupción y de la falta de ética mostrándonos cual es el precio del poder. Vean y disfruten porque están ante el cine negro en estado puro.

Lo Mejor: Toshiro Mifune destacando la escena en la que acompañado en el coche comienza a silbar... brillante.
Lo Peor: Que tuvo que terminar.

Calificación: 10 /10

(Ver Ficha)

Fdo: Kitano

servido por cinefagos sin comentarios compártelo favorito

EL ARCO, la religión y el cine a través de Kim Ki-Duk

Tras la conmovedora y sorprendente Hierro 3, el director Coreano Kim Ki-Duk nos muestra en su siguiente trabajo una historia que no se desvía mucho de los temas y formas ofrecidos en algunos de sus anteriores trabajos. En "EL ARCO" Kim Ki-Duk narra la historia de un viejo quien enamorado de una joven adolescente espera la llegada de su décimo-sexto cumpleaños para poder casarse con ella. La pareja vive junta en un pequeño barco que al mismo tiempo es el negocio del viejo. El protagonista utiliza su barco a modo de plataforma para los pescadores. La relación entre la pareja protagonista por supuesto no pasa desapercibida entre los pescadores y el tema de la futura boda está en boca de todos. La llegada de un joven quien acompaña a su padre a pescar dará un giro importante a la historia.

Lo cierto es que sería interesante e instructivo el hecho de acompañar con la entrada un pequeño libreto en el cual se expliquen la multitud de símbolos que el director coreano dedica a sus obras. Ya en "Primavera, Verano, Otoño, Invierno... Primavera" el director copaba de simbología el film y así ha sido constante sobre todo en la última parte de su carrera como director. Símbolos que en algunas ocasiones se repiten. Por ejemplo, el agua. Uno de los cinco elementos y a quien todos asocian con la vida es uno de los elementos que se repiten en varios de sus títulos. Véase de esta forma títulos como "La Isla", "Primavera, Verano, Otoño..." o "Wild Animals". El agua como medio que rodea a sus personajes es algo que podemos ver en otras obras, es más en "La Isla" también había clientes que iban a pescar en medio de un lago utilizando unas diminutas casas flotantes y cuyo negocio regentaba en esa ocasión la protagonista. Igualmente es común observar el tratamiento que el director da a sus protagonistas, en muchas de ellas parejas inusuales que viven de forma apasionada y casi místico el amor.

Por supuesto el arco, que en esta película se convierte en arma e instrumento musical tiene una función más y posiblemente la más particular. El viejo utiliza el arco para predecir el futuro de quien se lo pide, disparando las flechas al casco del barco mientras la chica se balancea sobre el agua cerca de las flechas. Como ya he dicho los símbolos, las metáforas y demás son parte esencial de la película y se podría decir que cada uno puede sacar sus propias conclusiones.

No solo hay elementos que podemos identificar como similares en su obra sino que en esta ocasión repite incluso la forma o la técnica utilizada en su última y esplendorosa película "Hierro 3". Tal y como ocurría en aquella en ésta los protagonistas no hablan durante la película, sus pensamientos y sentimientos son mostrados a través de sus gestos y miradas sustituyendo el leguaje verbal por el corporal. Sin embargo en esta ocasión, pienso, no ha tenido tanta fortuna. Toda la acción transcurre en el barco y la acción es repetitiva, lo que da poco margen para ampliar el abanico de posibilidades además, en esta ocasión, salvo el actor que hace del viejo, la chica no es todo lo expresiva que cabría esperar de un personaje que necesita de dicha expresión corporal para transmitir a los espectadores el mensaje.

Eso si, este recurso utilizado por Kim Ki-Duk no deja de ser sorprendente y en ocasiones de muy buena factura. Con la ausencia del diálogo las expresiones y sobre todo las repeticiones toman un significado especial y marcan el ritmo de la película. Me explico, la película transcurre con una plantilla de fondo, el viejo y la adolescente que viven juntos en el barco y esperan el día del cumpleaños de ésta para poder casarse. Sobre este fondo los personajes nos muestran a través de su rutina diaria sus sentimientos, así a través de las repeticiones podemos averiguar el estado emocional de cada uno de ellos en cada momento de la película. Es una cuestión muy simple pero que hace más real, cotidiana y, a veces hermosa, que una escena ausente de voz transmita sin la necesidad del diálogo que, posiblemente, no hubiera tenido el mismo efecto con un diálogo.

Por lo tanto, en "El Arco" lo que en ocasiones es una virtud en el cineasta se convierte al mismo tiempo en uno de sus defectos. No entiendo el porque de volver a repetir recursos pero al mismo tiempo me agrada su modo de hacer las cosas y de querer expresarlos. Algunas escenas están bien y en otras el tiempo pasa excesivamente lento y no dicen nada. En mi opinión no ha conseguido el mismo efecto que con su antecesora Hierro 3. En esta ocasión con "El Arco" le ha faltado bastante para llegar al nivel ofrecido en aquella y ni sus personajes y ni la historia son comparables. Es más, en esta ocasión Kim Ki-Duk riza más aún el rizo y nos deja un final envuelto en la mística y la religión... uno de esos finales que te dejan pegado en el asiento con cara de no saber que esta pasando, de esas veces que piensas si quizás te has quedado dormido y ahora estás en otra película... El final a pesar de tener cierto significado y de entender en cierta forma lo que sucede no deja de ser una final demasiado extraño para una película tan sencilla en argumento.

Virtudes y defectos... Siendo "El Arco" no de las mejores de las últimas que he podido ver de este peculiar director y a pesar de la falta de tensión y ritmo, Kim Ki-Duk consigue llenar el silencio con multitud de palabras y sentimientos, emociones y mensajes sin necesidad de utilizar la voz. Las imágenes, la música y una mirada hacen más que dos páginas de guión. Como dije al principio de éste último párrafo, virtudes y defectos, porque en esta película el resultado, para mí, no ha sido el esperado.

Lo Mejor: La escena del viejo previa al desenlace de la historia.
Lo Peor: Las escenas del arco en "modo instrumento de música".

Calificación: 6,5 /10

(Ver Ficha)

Fdo: Kitano

servido por cinefagos sin comentarios compártelo favorito

BATTLE ROYALE... sólo puede quedar uno

Película de uno de los grandes del cine asiático "Battle Royale" puede definirse como una de las citas importantes para entrar en contacto con el género. Su director, Kinji Fukasaku, es uno de los grandes directores japoneses que han sido fuente de inspiración para muchos otros. Desgraciadamente, en 2003, el señor Fukasaku nos dejó.
Battle Royale es posiblemente la obra más conocida del director en España, sin embargo, Kinyi Fukasaku, director experto en el género de yakuzas cuenta con una de las obras más alabadas dentro del género, en esta ocasión no se trata de un título ni de una trilogía... es una pentalogía conocida como "Yakuza Papers". Una obra dedicada a la crisis de post-guerra y el mundo yakuza.
Pero bueno... ¿qué es "Battle Royale"? Posiblemente podemos definir esta cinta como la pesadilla, o más bien, el sueño que algunos hemos tenido en alguna ocasión... Claro que no exactamente como la película pero si que alguna vez un pensamiento parecido es posible que se haya dejado caer. La situación es sencilla: Una clase del instituto encerrados en una isla. La Regla del juego es clara, solo puede quedar uno. ¿Qué significa eso? Pues que para sobrevivir y salir de la isla debes de matar al resto de tus compañeros hasta quedar solo uno mismo.

El por qué de esta situación se explica en un pequeño prólogo al inicio de la cinta. La superoblación de la tierra y los problemas sociales que ello trae consigo hacen que el gobierno japonés apruebe la Ley BR. La peor clase a nivel académico y educacional de Japón se entiende como un hervidero de futuros delincuentes y problemas diversos para el funcionamiento de una sociedad de por sí inestable. Esa clase seleccionada es la encerrada en la isla donde mutuamente se asesinarán por salir de la misma. No pueden negarse porque transcurrido el tiempo de juego si quedan vivos más de uno todos morirán. Para asegurarse de que cumplen cada mañana a los alumnos se les anuncia la lista de bajas así como los sectores de la isla que están prohibidos, así poco a poco los obliga a encontrarse.

Mi asesina favorita

El argumento es sencillamente espeluznante, ¿matarías a tu mejor amigo? ¿a tus compañeros del instituto? Bueno.... seguro que estarias encantado de cargarte a un par de ellos. Sin embargo la fuerza de la película radica en ver como compañeros y amigos por distintas razones acaban los unos con los otros. Fukasaku en este film representa todo perfil posible, es decir, cada una de las personalidades y respuestas ante tal situación de crisis aparece en la cinta. Aquellos que esperan ser rescatados, aquellos que buscan una solución sin tener que matar, los que se vuelven locos, los que utilizan estrategias, los que se vuelven asesinos irracionales, los que solo buscan compartir el tiempo que les queda, los que utilizan esos últimos días para confesarse.... En este sentido la película no tiene desperdicio.
Si hablamos de los actores lo único destacable son dos cosas: la primera es una de las actrices que con un método inteligente va acabando con sus compañeros (que conste que ella me hubiera matado si yo hubiera estado allí); la otra es la aparición entre el reparto de Chiaki Kuriyama (más conocida por su papel de asesina colegiala en Kill Bill, precisamente a tenor de esta película). Del resto el actor principal no es muy convincente y la aparición de dos nuevos participantes de forma "voluntaria" a pesar de introducir un nuevo punto de vista no creo que encajaran en la filosofía de la película.
A pesar de todo lo dicho hay algo que engrandece a la película. Como no me refiero a la participación del gran Takeshi Kitano, como tutor y maestro de ceremonias. Sencillamente impresionante su intervención en la parte primera de la película y no menos imponente en cada parte en la que aparece de forma intermitente dando la lista de las bajas entre el alumnado. A esto hay que añadirle la banda sonora... en serio... increíble.

La actriz "Chiaki Kuriyama"

Claro está no todo será asesinatos y sangre... lo es casi todo, porque durante la película y a modo de salvavidas para no homogeneizarla se basa en una serie de personajes enseñando su pasado y mostrándolos posiblemente como verdaderas víctimas de un sistema imperfecto. Además Kitano guarda cierta atención sobre una de las chicas (no piensen mal) todo se debe a una situación personal del propio Kitano. Todo se desvelará en un final que, por desgracia, es el pero que se le puede poner a esta película. Personalmente no fue de mi total satisfacción. A pesar de ello, Battle Royale es y será uno de los títulos recomendables para aquellos que busquen algo fuera de lo común.

Lo Mejor: Sobre todo Kitano y la música
Lo Peor: Un final no acorde con mis expectativas

Calificación: 9 /10

(Ver Ficha)

Fdo: Kitano

servido por cinefagos 6 comentarios compártelo favorito

TIEMPO DE VALIENTES, la gran comedia argentina

"Tiempo de Valientes" se trata de una de esas gratas sorpresas que llevo de este año. Es cierto que la película argentina, en principio, no estaba entre mis primeras opciones. En realidad "Tiempo de Valientes" quedaba relegada a esa segunda lista que siempre suele dejarse para las ocasiones en las que no haya nada interesante o más bien de obligado visionado; afortunadamente ese día llego y decidimos verla. Fue todo un acierto y con casi toda seguridad podría asegurar risas y entretenimiento para todos los que decidan verla.

La comedia Argentina gana enteros con este títulos y sobre todo no se puede hablar de esta película sin hacer mención especial a uno de sus protagonistas. El actor Diego Peretti esta sencillamente "sembrado" consiguiendo hacer una gran interpretación demostrando sus dotes para la comedia. Tiempo de valientes es una "comedia humana", donde valores como la amistad, la lealtad, la confianza o el compañerismo son los grandes abanderados de esta historia. El mencionado actor, Diego Peretti, es un psicólogo que en un programa de la policía (una especie de servicios sociales) para pagar su culpa pone su profesión a disposición de la policía. Es así como conoce a Luis Luque (que interpreta a un inspector de policía). Este Inspector de policía resulta que ha tenido problemas con su matrimonio y deciden que para ayudarlo asista a unas terapias con el psicólogo. Lo curiosos es que la terapia se llevará a cabo durante la jornada de trabajo del agente de policía. A partir de este punto es cuando la situación se irá enredando cuando ambos se encuentren inmersos en una importante investigación policial.

Como ya dije anteriormente, serán estos dos protagonistas los que de una forma sencilla, cotidiana y singular lleven el peso y el ritmo de la película; y eso, en mi opinión, en esta cinta es una gran virtud, pues consiguen ni ralentizar ni cargar con su continúa presencia el ritmo de la historia. No se trata de una comedia clásica de broma fácil y risa tonta, lo más interesante de la película es que es la vida cotidiana, la realidad sin exageraciones (salvando la trama, necesaria) la que consigue divertir, agradar y hacer reír.

Desde mi punto de vista, el mejor es Diego Peretti, el psicólogo de la historia, un tal “Licenciado Mariano Silverstein”. Un hombre poco acostumbrado a la acción y más pendiente de su casa y su trabajo en una habitación cerrada si es posible. Este hombre se descontrola y crece como persona cuando saliendo de ese cascarón conoce al “Inspector Alfredo Díaz”, igualmente una gran interpretación a cabo del actor Luis Luque. Durante el transcurrir de la película asistiremos a intercambio de roles, encuentros con delincuentes, descubrimientos personales y familiares, acción y persecuciones.... la vida des estos hombres no tendrá desperdicio.

Alrededor de esta pareja el resto de personajes serán meras carabinas que aportan lo suficiente para poder avanzar en la trama. Poco tendrán pues de interesante éstos personajes, sucediendo lo mismo con las “malos “ de la película. Unos hombres que no llaman la atención y no consiguen transmitir la tensión que la trama debería de haber reflejado.

Sin embargo, como sucede, no todo es positivo. Unido a lo último que se ha dicho, el defecto, desde mi punto de vista, que más resalta es su final. Tiene de todo un poco... es algo extenso, no muy brillante, muy fácil... pero muchos de éstos inconvenientes se deben a que la trama que envuelve a los protagonistas, esa investigación, no es de lo mejor. Parece más bien una excusa cualquiera, hecha sin planteamiento para colocar a los dos protagonistas juntos alrededor de un hecho cualquiera. De hecho, incluso parece absurda o inverosímil la trama... lo importante son los protagonistas.

Salvando estos pequeños grandes inconvenientes la película es divertida y muy fácil de ver. Guarda momentos geniales donde no podrá evitar reír. La sensación final que le quedará viendo la película habrá merecido la pena el esfuerzo de ir a la sala del cine. En definitiva, una comedia para todos los públicos que da como resultado un film muy divertido y que hace ganar puntos al cine sudamericano, en concreto al cine argentino. Una película recomendable para cualquier momento y mejor en compañía, así se disfrutará mejor.

Lo Mejor: La parte del rescate.
Lo Peor: La trama que desemboca en un final flojo.

Calificación: 7 /10

(Ver Ficha)

Fdo: Kitano

servido por cinefagos 3 comentarios compártelo favorito

VIOLENT COP ~ El Debut de un Genio

Una de las primeras películas que pude disfrutar de este maestro del cine, "Violent Cop" es sencillamente espectacular en muchas de sus facetas, para disfrutarla de principio a fin sin desperdiciar ni un solo plano. "Violent Cop "significa el debut cinematográfico como director de Takeshi Kitano que se debió a circunstancias que hicieron que el director no continuase, tomando el proyecto como relevo el propio Takeshi Kitano.

La película podríamos definirla como un thriller policiaco pero mezclado tiene grandes dosis de drama. Takeshi Kitano interpreta a un policía, el detective Azuma, que se ve envuelto en una investigación de la que forma parte los yakuzas. La situación se complicará y todo acabará siendo algo totalmente personal entre los yakuzas y Takeshi Kitano, todo, en un final trepidante y magnífico. Un argumento que augura acción, lucha y sangre... y por supuesto lo tendrá.

La película permite ser analizada desde los dos lados de la cámara; podemos hacerlo del lado del Takeshi actor, firmando en éstos casos como "Beat Takeshi"; o desde su posición como director, en cuyo caso firmará como "Takeshi Kitano".

Como actor nos vamos a encontrar con un personaje cuya fuerte personalidad y carácter (sumado al éxito obtenido) marcará posiblemente la carrera de Kitano como actor, pues ese perfil del hombre con un pie en la justicia y otro fuera de ella será característico de sus personajes en varias de sus cintas. Fuerte y agresivo, así se muestra un hombre solitario cuyo único apoyo que lo mantiene unido a la realidad, la humanidad y la cordura es su hermana enferma. Es esta situación o perfil similar al que podemos encontrar en otras películas, todos los personajes de Kitano guardan esta extraña vinculación o soportan esa pesada cruz sobre sus espaldas. Son independientes pero atormentados por alguna razón. Ese hecho marca el frió carácter de sus personajes pero, al mismo tiempo, demuestra su bondad y ternura en un lado oculto e intimo. Por ejemplo, esto se repite en películas como "Blood ando Bones", "Hana Bi" o "Sonatine".

Los personajes que se mueven a su alrededor, los más íntimos, como hemos dicho antes, son su apoyo. El amor y la protección que procesa por su hermana será determinante para el transcurro de la película. Su relación con la ley y sobre todo con sus compañeros también marcarán el camino a seguir por este policía que se deja llevar por la pasión y los sentimientos.

Como actor por supuesto no tiene desperdicio. Es en esta película donde se fragua Takeshi Kitano como actor. El papel de policía serio, duro y sin contemplaciones que cruza la línea de la ley tantas veces que prácticamente vive en ese otro lado.

Por destacar algunas partes de esta película no nos tenemos que ir muy lejos, el principio es sencillamente demoledor. Con las primeras escenas consigue clarificar y allanar el resto del camino, en los primeros minutos ya sabes lo que vas a ver, lo que vas a disfrutar... a quién vas a ver. En estas escenas se muestran los siguiente: Unos jóvenes molestan, incordian, a un pobre transeúnte (vagabundo) de edad avanzada que iba por la calle. Lo siguiente que veremos será a el gran Takeshi entrar en la casa de uno de los jóvenes, presentarse e inmediatamente subir a una de las habitaciones donde está el joven... lo que sucede allí ya se lo podrán imaginar.

Entre las demás escenas que podría destacar esta una persecución por la noche, uno de los yakuzas detrás de Kitano... o el propio final... o la captura de un sospechoso.. los interrogatorios... Cada una de las escenas están impregnadas del espíritu de Kitano, se respira Kitano en cada una de las escenas.

Como director destaca esa frialdad y realismo con el que marca las escenas. No busca espectacularidad ni retorcer demasiado las cosas. La historia está bien clara desde un principio y no encontrarás sorpresas de giros arguméntales. Se centra en la figura del policía y la desarrolla al máximo siendo el mayor protagonista de cada parte de la película. Por supuesto la dosis de violencia es en algunos momentos amenizada con un par de escenas donde no puedes evitar reír, a pesar de lo mal que estén las cosas. Kitano conocido por el gran uso del recurso de la elipsis, por supuesto las utilizará favoreciendo el desarrollo y el ritmo de la película.

Kitano sorprende a este joven con su hermana... no me gustaria estar en su pellejo.

En definitiva “Violent Cop” es una película impresionante, donde no hay tiempo para el aburrimiento y en la cual un joven Takeshi Kitano nos ha dejado una de sus mayores interpretaciones. Quizás sea por mi devoción por tal director el que mis palabras suenen más a las de un fanático desbocado... Pero creo que si han tenido contacto con el género y el director y además han salido contentos, no se la pierdan. Si no es así, les invito a que le den otra oportunidad.

Lo Mejor: Takeshi Kitano y la escena presentación de la película.
Lo Peor: Nada reseñable.

Calificación: 10 /10

(Ver Ficha)

Fdo: Kitano

servido por cinefagos 2 comentarios compártelo favorito

RUMORES DE GUERRA... La verdad tiene dos caras

Generalmente conocemos lo que sucede en el mundo a través de las palabras de otra persona. Solo tenemos constancia verdadera de nuestras experiencias y ello solo se limita al pequeño círculo donde cada individuo vive y se desenvuelve. Tras terminar de ver el documental Rumores de Guerra, este fue el pensamiento que vino a mi mente... me pregunté si realmente éramos consciente de ello, si realmente estábamos educados para dar por cierto aquello que los libros, periódicos, analistas, políticos... dijeran como la verdad de los hechos.

En este documental, a modo de reflexión, se articulará en once lecciones sacadas de las palabras de Robert McNamara. Once pequeños capítulos donde revisará datos, recordará hechos y conversaciones con el presidente... Todo un análisis de su vida visionado en este documental que refleja presenta a una persona inteligente y comedida seguro de sus palabras pero que quizás, es muy probable, se haya guardado más de una cosa. El documental comenzará con la crisis de los mísiles de Cuba, el punto de partida es una de las épocas donde el mundo estuvo a punto de perecer bajo el fuego nuclear. ¿Tuvimos suerte?

"McNanamara: La combinación de posibilidad de fallo humano y armas nucleares destruye países. ¿Es de recibo que en la actualidad existan 7.500 cabezas nucleares estratégicas de las cuales 2.500 podrían dispararse en 15 minutos si lo decidiera un ser humano?"

Obviamente existen dos realidades dentro de la sociedad, la aparente realidad y la verdadera realidad.

Este documental es un ejemplo de ello, Rumores de Guerra una lectura histórica sobre los diferentes hechos vividos por el señor McNamara. Como el mismo anuncia al inicio del mismo:

"McNamara: En mi vida, he sido parte de varias guerras. Tres años durante la II Guerra Mundial en el ejército norteamericano, siete años como Secretario de Defensa durante la Guerra de Vietnam, trece años en el Banco Mundial. A mi edad de 85 años... estoy en una edad en la que puedo mirar atrás y sacar algunas conclusiones sobre mis actos".

Durante el desarrollo del documental asistimos a un ejercicio de rememorar diferentes acontecimientos del pasado. Habla de la Segunda Guerra Mundial, de la Guerra Fría, del conflicto de los mísiles de Cuba... de la Guerra de Vietnam.

"El calendario de plata que marca los trece días del conflicto de Cuba"

Lo más interesante son las grabaciones que aporta el propio documental donde escuchamos las palabras del presidente de los Estados Unidos J.F. Kennedy o su sucesor Johnson. Donde analizan el conflicto de Cuba y sobre todo la Guerra de Vietnam, conversaciones que mantuvieron con el señor McNamara.

Entre lo que podemos destacar de este documental sin duda son sus imágenes y la música que las acompaña. Exceptuando imágenes de formulas matemáticas y cálculos avanzados, de los cuales no tengo saber alguno, el documental no se aprovecha de imágenes directas sobre las consecuencias de una guerra. Acertadamente muestra "la guerra", en sus inicios , durante y, solo en alguna ocasión, te muestra las consecuencias pero al mismo tiempo no busca herir con las imágenes. La música y las imágenes ayudan encomiablemente a que el documental no sea un monólogo que acabes por sufrir.

Pero siempre los datos son los que más llama la atención, son los que abren los ojos de las gente... son los datos los que a mi me dejaron helado frente a la pantalla del televisor. ¿Era necesario arrojar dos bombas atómicas sobre un país reducido ya a cenizas? El protagonista del documental habla en más de una ocasión de un personaje al cual se refiere con admiración pero al mismo tiempo desde la preocupación. Es uno de esos personajes clásicos de las películas de género bélico. Se trataba del general Lemay. Por lo visto resultaba ser todo un hombre de guerra obsesionado con hondar la bandera americana en territorio enemigo, con la misión natural de acabar con los enemigos de la patria americana y al precio que fuera necesario.

"McNamara: ¿Para que lanzar la bomba atómica si Lemay estaba arrasando Japón? Después de Tokio bombardeó otras ciudades. El 58% de Yokohama. Yokohama es del tamaño de Cleveland. El 58% de Cleveland destruido. Tokio viene a ser como Nueva York, el 51% de Nueva York destruido. El 99% de Chattonooga, es decir, Toyoma. El 40% de Los Ángeles, es decir, Nagoya [...] (y la lista continúa)."

El documental en su primera parte es esperanzador sin embargo se apaga completamente y se desvía de su trayectoria para hablar de la vida y obra del protagonista desde su infancia hasta su llegada a la Casa Blanca de la mano de Kennedy... De acuerdo, es interesante y no del todo necesario pero interesante mostrar quien es y que camino a recorrido el señor McNamara, pero eso, desde mi punto de vista, tenia que haberlo hecho en un principio del documental y no es ese momento que ha detenido la progresión del mismo y se ha detenido por completo.
Tras ese paréntesis el documental prosigue y se centrará sobre todo en la Guerra de Vietnam, una de las mejores partes sin duda. De nuevo testimonios y datos hacen a uno plantearse si la política tiene sentido en este mundo.

A la declaración que trata de llegar el director del documental respecto a este tema es a la de ¿quien es el responsable de lo de Vietnam? ¿Si se sentía el señor McNamara responsable de la Guerra de Vietnam? Una herida difícil de cerrar para los americanos. La resolución del mismo no la voy a desvelar y si a alguien le interesa el tema, Rumores de Guerra es un documental que pueden analizar. ¿Qué conclusión podemos sacar de ello? Bueno... eso ya dependerá de cada uno.

Para finalizar, al comienzo de las reseña comenté que el documental a modo de estructura utiliza once lecciones aprendidas por Robert McNamara a lo largo de su vida. Para terminar les dejo ésas once lecciones del señor Robert MacNamara: 1. Tener empatía con el enemigo; 2. Ser racionales no nos va a salvar; 3. Hay algo más allá de uno mismo; 4. Maximizar la eficacia; 5. La proporcionalidad debería ser una máxima en la guerra; 6. Buscar información; 7. Muchas veces vemos lo que queremos ver y no lo es; 8. Estar preparados para reconsiderar ideas; 9. A veces el fin justifica los medios; 10. Nunca digas nunca jamás; 11. No se puede cambiar la naturaleza humana.

Lo Mejor: La gran aportación de datos.
Lo Peor: La parte biográfica de McNamara.

Calificación: 7 /10

(Ver Ficha)

Fdo: Kitano

servido por cinefagos 5 comentarios compártelo favorito

X-MEN 3: LA DECISIÓN "FATAL"

A modo de advertencia les comunico a aquellos que busquen elogios y palabras de admiración por la joya que Ratner ha concebido acudan a otras reseñas porque en la que a continuación les dejo no encontrarán piedad alguna.

Ángel: Sale poco y esta escena no es una de ellas.

Lo primero, aclarar un punto. En el título puede leerse X-MEN 3: LA DECISIÓN "FATAL". No se trata de un error de escritura, todo se debe a una conversación que no hace mucho tuve con nuestro compañero Chico Viejo. Por lo visto según se rumorea, Bryan Singer desde un principio tenía la intención de rodar la tercera parte de la trilogía. Sin embargo, como fan del personaje de Superman, cuando se presentó la oportunidad no quiso rechazarla. Es aquí cuando, actuando de buena fe, Singer le dijo a los productores que esperasen a que hiciera Superman para comenzar el rodaje de la última de la trilogía. Los productores no aceptaron y le dieron el proyecto al señor Ratner, quien en un principio iba a ser el director del proyecto antes que el propio Singer. Independientemente de que el rumor fuera cierto o no, lo cierto es que al final el director de la saga de Hora Punta tomo el relevo de Singer. UN ERROR FATAL, nada que ver con lo visto anteriormente, nada que ver Singer con Ratner... en X-Men 3 asistimos a la demolición cinematográfica de una saga.

Desde un principio la película parecía estar destinada a ser un fracaso absoluto... un comienzo tan infantil como absurdo, Xavier y Magneto con una intensa sesión de maquillaje en una breve conversación igualmente absurda en busca de una Jean Gray niña (flashback). La segunda parte de la introducción con el personaje de Ángel, aunque mejor conseguido no deja de ser infantil. Piensen, para que comprendan mis palabras, que X-MEN 3 se supone el fin de una trilogía, cuyas predecesoras fueron ganando en trama, inteligencia y complejidad... una segunda parte que dejo un final que anunciaba a gritos la tercera parte. Esta entrega de la trilogía no solo es para niños sino que carece de todas, absolutamente todas, las virtudes que han hecho grande a las dos anteriores de Singer.

Podríamos estar hablando largo y tendido sobre cada paso fatal que da el señor Ratner. Desde la caída impresionante de los personajes, los cuales parecen más vacíos y fríos; o como nos venden por la cara supuestos nuevos personajes que luego son meras carabinas amariconadas que no sirven para nada. Véase el personaje de Ángel. Oooh... sale en la introducción, al igual que Jean Gray, será importante... pues no, solo sale tres veces y tiene un par de frases, por cierto, que no le engañen los carteles, no sale vestido con el traje oficial de los X-MEN. ¿Quieren más personajes? La bestia o el peluche azul (muy acertado porque el traje parece de los de la época de espinete). El presidente y su consejero... ¡Por Dios! que Bush sea un verdadero capullo y gilipollas no significa que ahora todos los presidentes cinematográficos deban seguirle los pasos. Y aquel malo que rescatan del camión, el que se multiplicaba... ¿era necesario mostrarlo en el rescate de Mística? ¿Por qué no le dispararon al capullo en vez de Magneto? Pero como les digo podría citar a cada uno de esos que solo tienen dos frases (o algunas más) y Ratner los presenta como personajes.

Mutantes nuevos... "Transexual", Calipso marcando diferencia y una que solo pone la cara que, por cierto, esta de muy buen ver, miren sino el colega de atrás que en vez de estar atento a la conversación prefiere fijarse en otra cosa más "interesante" (solo falta en la foto el "hombre erizo")

Dejando atrás el tema de los personajes un análisis de la película. Para empezar carece de un argumento sólido, no tiene línea de acción y muchas veces todo parece surgir a decisión propia de cada personaje y a su antojo. Por supuesto no hay nada peor que la decisión de Ratner de acabar con los protagonistas en la primera parte de la película. Cíclope dura cinco minutos, y lo mismo con Mística y Xavier. Lo de Mística si que fue una estupidez enorme, ¿qué razón tendría? Quizás no quiso tirar de mutantes ajenos para dar protagonismo a sus mutantes ridículos. Luego el tema de la supuesta batalla entre mutantes y esa guerra anunciada por Magneto y el gobierno americano se queda en una lucha de bandas callejeras. Así pues, que tiene de interés el guión o la historia... A decir verdad, la muerte de Xavier fue lo más impactante y lo único que se puede salvar de la película al igual que la historia personal de Jean Gray (pero solo son aceptables). Sin embargo el resto es todo excusas para poner la cara de un mutante nuevo y muchos efectos especiales.

Es una lástima que una trilogía acabe de esta manera. Las últimas entregas pueden llegar a ser cruciales y las más importantes pues se trata del fin de toda una aventura, el fin de una historia que comenzara mucho tiempo atrás. No hace mucho vi solo treinta minutos de la segunda parte y encontré en solo esos treinta minutos la acción, trama, profundidad y calidad tanto cinematográfica como de personajes que no puede ver en las dos horas de Ratner, nada que ver. Y ese es otro gran error, si hay una línea marcada en las anteriores, al menos intenta no desviarte demasiado sin tener que abandonar tu personalidad como director. En este caso, la historia debió estar por encima de la personalidad y el cine de Ratner. En definitiva, triste y melancólico solo en una par de ocasiones pude disfrutar de X-Men, por lo demás, acción sin sentido y muchos mutantes que debutan en la saga.

Lo mejor: Halle Berry y Famke Janssen. La primera, por sus curvas y escote; la segunda porque me demuestra que las chicas malas tiene un atractivo especial.

Lo peor: La facilidad con la que Brett Ratner a demolido una saga.

Calificación: 2,5 /10

(Ver Ficha)

Fdo: Kitano

servido por cinefagos 17 comentarios compártelo favorito