Dirección: Steven Spielberg.
Interpretación: Harrison Ford (Indiana Jones), Cate Blanchett (Irina Spalko), Karen Allen (Marion Ravenwood), Ray Winstone (Mac), John Hurt (profesor Oxley), Jim Broadbent (Dean Charles Stanforth), Shia LaBeouf (Mutt Williams).
Guión: David Koepp; basado en un argumento de George Lucas y Jeff Nathanson.
Producción: Frank Marshall.
Música: John Williams.
Fotografía: Janusz Kaminski.
Montaje: Michael Kahn.
País: USA.
Año: 2008.
Duración: 124 min.
Un guión resultón, una banda sonora que no hace honor a su compositor y un montón de efectos especiales son los componentes que nutren a Indiana Jones y el Reino de la Calavera de Cristal. La última película de Steven Spielberg destila las mismas aventuras de siempre sin conseguir ejercer en el espectador un buen bouquet.
Tras tantos años de adormecimiento"aventuril", este director conocido por sus grandes éxitos de taquilla (ET, Tiburón, Encuentros en la tercera fase, Parque Jurásico, Salvar al soldado Ryan, Los Goonies...) hace un kit-kat de su trabajo como productor, tarea que últimamente realiza con mayor frecuencia que la de dirección, para regalarnos, a petición del público, una historia que no tiene pies ni cabeza.
Ayudándose de su amigo George Lucas (otro mastodonte del cine de la decada de los 80) que ya colaboró en el guión en "Indiana Jones y el templo maldito (1984)" y "En busca del arca perdida (1981)" , juntando a David Koepp ( un guionista de estos de Hollywood que no escribe nada que no sea comercial, ya no sé ni si escribe algo original, porque...: "La ventana secreta" (basada en una historia de Stephen King), "Parque Jurásico" (basada en una novela de Michael Crichton), "Spiderman" (basado en el comic),etc...) y sumando a tan, debiera ser, opulenta obra, a Jeff Nathanson (otro guionista con titulos comerciales a sus espaldas sin ningún transfondo serio o transcedental) para parir este hijo bastardo, que solo ofrece diversión a niños o espectadores poco exigentes. El guión adolece de falta de originalidad, frescura o gracia y por no escribir "spoilers" renuncio a explicar el porqué, comprobadlo vosotros mismos. Eso sí, el final es inmejorable, podría ser peor, pero creo que es dificil superar tanta prisa por acabar una historia, se ve que esta gente de Hollywood sólo sabe hacer "productos" de 120 minutos de metraje y les da igual si el trasiego de la acción durante toda la película obliga a un final con más ambición y con más minutos. La resolución de la historia es de risa y el gag final produce unas ganas enormes de coger una katana y rasgar toda la pantalla de cine. En fin, nos gusta Indiana Jones, sí, pero no nos tomen más el pelo con películas así, por favor.
Lo mejor: Harrison Ford, con su cara de cartón, su media sonrisa de Indy, su fobia a las serpientes y sus 64 añazos (no me extraña que use doble para las escenas de acción).
Lo peor: - El guión.
- La banda sonora.
- Tanto efecto especial.
- Que la industria americana esté tan vacía de guiones originales y de aspectos innovadores.
Es una de las mejores series de TV que he visto en mis 30 años. Sólo comparable con la grandiosa "Twin Peaks" de David Lynch y David Foster.
Se centra en una familia llena de historias oscuras y geniales dueña de una funeraria en Los Ángeles.
Esta serie irrumpió en la pequeña pantalla dejando una estela de buenas críticas, especialmente por la audacia de abordar el tema de la muerte y el duelo de una forma tan real y al mismo tiempo con una justa dosis de humor negro.
Cada capítulo comienza con la lectura macabra, a veces divertida y muchas veces absurda, de los últimos minutos de la vida de un futuro cliente de la familia Fisher.
Con ’Six feet under’, la HBO no hizo más que consolidarse como la cadena que en los últimos años ha ganado la reputación de producir las series más innovadoras de la televisión estadounidense, especialmente por ’Sexo en Nueva York’ (’Sex and the city’) o ’Los Soprano’.
La expresión artística que se sucede a través de sus imágenes transciende más allá del espectador, sin saber cómo, éste se siente identificado con alguna situación y/o personaje, ya que su narración ahonda de una manera extensa sobre el desarrollo del perfil psicológico. En esta serie se muestra como nunca antes se había hecho en TV, una profundización interior de las maneras que tenemos los individuos de actuar ante los problemas cotidianos,ante las situaciones comprometidas más habituales, pero de un modo que se convierten en bellísimas metáforas, mostrando ante todo el respeto al sentido común y haciéndolo siempre con mucha medida, sin crear connotaciones morales.
Allan Ball, su director y el creador de "American Beauty", ofrece a través de 5 temporadas (con algún que otro altibajo, 5ó 6 caps. flojos como mucho) una profundidad de los personajes enorme, mostrando incluso los pensamientos y los recuerdos de losprotagonistas a través de fotogramas realmente impactantes. La creación de personajes es magistral.
"A dos metros bajo tierra" es irreverente, atrevida, politicamente incorrecta,transgresora, inteligente, permanecerá en la memoria de todos aquellos que la vean de principio a fin al despertar tantos sentimientos: tristeza, amor, desamparo, complicidad...
Ácida, anormal, cáustica, conmovedora, enriquecedora, excepcional, excitante, fresca, hilarante, inconmensurable, inolvidable, inquietante, intensa, irrepetible, imprescindible, irónica, literaria, mágica, maravillosa, original, perturbadora, perfecta, provocadora, única, eterna…
¿Aún tienes dudas de que vale la pena verla? Lo peor de la serie es haberla visto entera y tener que vivir echando de menosa lafamilia Fisher.
Mario Benedetti , Juan Gelman, Oliverio Girondo (poemas)yEliseo subiela.
Fecha de realización: 26 Mayo 1993 (Argentina y Canadá)
Género: Comedia / Romance / Drama
Premios: - Festival de Montréal, Canadá (1992): Gran Premio de las Américas, Sol de Oro a la Mejor Actriz Protagonista, y al Mejor Actor Protagonista.
- Festival Internacional de Cine de La Habana, Cuba (1992): Segundo Premio Coral a la Mejor Película, Premio Coral al Mejor Actor Protagonista, Premio FIPRESCI.
- Festival de Huelva, Andalucía, España (1992): Premio Carabela de Plata, Premio de la Crítica.
- Premios INCAA, Argentina (1992): Premios Sur al Mejor Director, a la Mejor Dirección de Arte, a la Mejor Fotografía y al Mejor Montaje/Edición.
- Festival Internacional de Cine de Berlín, Alemania (1993): Premio al Mejor Director, a la Mejor Fotografía y Premio de la Crítica.
Crítica:
Eliseo Subiela es un director de cine argentino capaz de fundir la magia de la poesía con el cine.
Son temas fundamentales en sus películas la búsqueda del padre y el amor en contraposición a la muerte.
Nacido en Buenos Aires, comenzó estudios de Filosofía y Letras y de Dirección en la Escuela de Cine de La Plata, pero pronto los abandonó para filmar su primer corto, Un largo silencio (1963). Con su segundo corto, Sobre todas las estrellas (1965), obtuvo el premio del Instituto de Cinematografía Argentino.
La conquista del paraíso (1980), su primer largometraje, fue bien recibido por la crítica pero resultó un fracaso de taquilla. Su filmografía incluye:
Hombre mirando al sureste (1986)
El lado oscuro del corazón (1992)
No te mueras sin decirme a dónde vas (1995)
Despabílate amor (1996)
El lado oscuro del corazón II(2002).
Esta película de bajo presupuesto consigue arrebatar lágrimas y pasión en el espectador. Su ferocidad y filosofía poética de la vida hace sentir por igual tanto el ardor de un amor como el dolor que a veces ofrece ese lado oscuro del corazón, donde se albergan la muerte y todas las personas que tienen miedo a soñar.
Sus planos destacan en el encuadre convirtiendo , con muy pocos medios, a la imagen en poesía, sin llegar al aspecto visual de otros directores como Wong Kar-Wai en 2046, por poner un ejemplo, pero consiguiendo una atmósfera que arrebata los sentimientos del espectador.
"El lado oscuro del corazón" retrotrae al cine de los nuevaolistas (Truffaut y los demás) en su ímpetu por construir otro concepto de cine, otro uso, el de sentir y escarbar en las sensaciones usando lenguajes distintos no utilizados usualmente en largometrajes. En este caso es el guión el que destaca y cumple su función con creces, basándose en la poesía construye un universo propio de intenso lirismo que no pasa desapercibido. Así pues,estamos ante una película que se ha convertido en una de esas joyas inmortales del cine por la que nunca pasarán los años.
«Entiendo que el cine es un lenguaje esencialmente poético, más allá, por supuesto, de que en este caso el tema específico sea la poesía, y por lo tanto, es un medio extraordinario para masificar la poesía, para dársela a conocer a mucha gente» (Eliseo Subiela).
Magnífica opera de Julio Médem, donde establece su corpus magnus mágico a la hora de contar historias, este guión en manos de otro director no hubiera pasado de ser una historia sensiblera más del cine, pero nuestro querido director Médem la transforma y le da ese sello suyo tan característico y personal que lo define, convirtiéndose en un gran flm con pretensiones universales.
El guión, los silencios, la fotografía, las interpretaciones y la banda sonora son inmejorables.
La técnica de edición y el acabado final de todas las tomas sorprenden al ver como sí es posible hacer buen cine en España.
La historia de amor que se desarrolla esconde toda la pasión que existe dentro de esos amores que son dificiles de llevarse a cabo por las circunstancias de la vida en la que cada uno se encuentra y aunque ambos protagonistas deseen arribar a formalizar tal pasión, las leyes del destino, a veces, marcan su firma. Final inmejorable.
Dirección y guión: Wong Kar-Wai. País: China. Año: 2004. Duración: 120 min. Género: Drama romántico. Interpretación: Tony Leung (Chow Mo Wan), Gong Li (Su Li Zhen), Takuya (Tak Kimura), Faye Wong (Wang Jing Wen), Zhang Ziyi (Bai Ling), Carina Lau (Lulu/Mimi), Chang Chen (CC 1966), Wang Sum (Sr. Wang/Jefe del tren), Siu Ping Lam (Ah Ping), Maggie Cheung (SLZ 1960), Dong Jie (Wang Jie Wen). Producción:Wong Kar-Wai. Música:Peer Raben y Shigeru Umebayashi. Fotografía:Christopher Doyle, Lai Yiu Fai y Kwan Pun Leung. Montaje: William Chang Suk-Ping. Diseño de producción:William Chang Suk-Ping. Dirección artística:Alfred Yau Wai Ming. Vestuario:William Chang Suk-Ping.
Estreno en España: 26 Noviembre 2004.
Siguiendo con el espíritu de "Deseando amar", el director chino Wong Kar-Wai De estética propia e intimista, establece un tiempo narrativo magistral en esta obra de arte fílmica, donde los personajes caen en el círculo del amor y sufren los mismos desengaños una y otra vez sin aprender nada de las experiencias anteriores.
En 2046 abunda el rojo, los tonos pastel y los planos estáticos donde se ensalza una magnífica banda sonora que seamalgama a través de la imagen y dota de sensaciones únicas. Yendodesde Xavier Cugat hasta la "Casta Diva", pasando por Dean Martin. Nunca he visto mejor elegida la fusión entre imágenes y la música (salvando excepciones como Blade runner/Vangelis u otras pocas obras) donde los boleros al igual que el amor permanecen inmutables en su significado incluso con el paso del tiempo.
Una visión dramática y pesimista de la existencia al acariciar la suave piel del amor que tras los años, se convierte en desamor, al igual que una rosa se marchita y deshoja a través del tiempo dentro de las páginas de un libro o como si el poema “se deja de querer…”de José Ángel Buesa alcanzara su afirmación a través de las 2 horas de metraje.
Su fotografía evoca pasión, melancolía y dureza.
El estilo narrativo, con distintos personajes e historias entrando y saliendo del área de visión, ofrece la posibilidad de que el espectador use su propia inteligencia y defina su adecuada conclusión del mensaje de Kar-Wai, siempre abocando a la desesperanza de un amor perfecto aún cuando se ensalce la pasión y el furor del amor donde los personajes son víctimas una y otra vez de éste.
La idea desesperanzadora que muestra el guión sobre las relaciones amorosas no influye en el hacer sentir el ímpetu y el ardor de las mismas.
Tony Leung realiza una interpretación magistral y encarna un periodista/escritor que en el Hong-Kong de los años 60 se gana la vida escribiendo novela rosa, lo que no sabemos es si su habilidad con la palabra y la temática de éstas son la que lo convierten en un playboy frío y áspero o es realmente la vida la que siempre ofrece este plato difícil de digerir, invito a que lo descubráis por vosotros mismos.
Una película queregala la esperanza de que aún existen muchas cosas por decir en el séptimo arte y sobre todo muchas maneras de hacerlo.
De elegancia sublime y gran belleza.
Ganadora del premio de la crítica en el año 2004 dentro del festival de Cannes.
Premio a la mejor fotografía y premio de la prensa internacional en la 49ª Seminci (Semana Internacional de Cine de Valladolid).
Una verdadera basura cinematográfica basando su estilo artístico en el film noir con muchas tonalidades oscuras, complejas y planos confusos.
Una edición que incita a la hilaridad más que al goce, con continuos desenfoques y esa necesidad del director de hacer sentir una atmósfera opresiva, asfixiante y decadente no ayudan a entretener si no más bien a abandonar la película a mitad del visionado.
Joel Schumacher construye una historia retorcida donde el espectador puede sentirse confuso ante tantos giros bruscos del guión.
Trata de un individuo que recibe como regalo de su esposa un libro donde el contenido le apresa, viéndose cada vez más atrapado por él y sientiendo la historia como suya.
El número 23 es el significado de toda su existencia, de fechas de nacimiento, de su boda, de nombres, del número de la vivienda en la que reside, etc…
Walter Sparrow (Jim Carrey, que realiza de nuevo una sobria y digna interpretación, suele ser bastante patético actuando, recordando a la magnífica “Olvídate de mí”Michel Gondry, 2004) se obsesiona sintiendo la historia que narra el libro como parte principal de su vida, como relato propio, atropellándose a sí mismo con una neurosis auto-sugestiva haciendo de su día a día un camino hacia el asesinato.
Banda sonora apenas apreciable, fotografía detestable. Interpretaciones correctas pero desgraciadamente sin llegar a servir de mucho.
Un intento de crítica por derribar la seguridad a la que casi todo ser social aspira, como la familia o la cotidianidad y el control, que se derrumba como tentativa a causa de la bastante burda, irrisoria y mala capacidad de narración,viéndose, por si fuera poco, sesgada por una edición que aparta al espectador de un razonamiento lógico.
Si bien, debo añadir que cualquier número o cualquier símbolo puede ser supuesto como base de nuestra vida ya que la paranoia, de la que se alimenta sin parar este film, ofrece un estado de autocomplacencia hacia el intento de una comprensión del todo.
La distribuidora ISAAN ofrece esta película etiquetada por ellos mismos dentro del fenómeno del “cine de la consciencia” o “cine con mensaje”, en su afán de entretener y al mismo tiempo hacer reflexionar al espectador sobre cuestiones filosóficas tales como <<¿Qué es la materia?>>, <<¿Qué sentido tiene la vida?>> o <<¿Existe la divinidad?>>.
Todos estos conceptos y preguntas son muchas veces, por no decir siempre, inexplicables y varían dependiendo de las experiencias y el entorno que cada uno posea respecto a su pensamiento.
Realizada en el año 2004 como una producción independiente (se estrenó tan sólo en dos salas de cine), ha alcanzado bastante notoriedad entre el público norteamericano ya que halaga el oído de un gran público que simpatiza con el new-age y ciertas prácticas terapéuticas alternativas. La controversia suscitada (ni la crítica, ni la comunidad científica han respondido de manera demasiado entusiasta) parece haber favorecido su propagación y la ha convertido en cinta de culto entre determinado público con un sentido de la credulidad bastante desarrollado.
La película pretende dar un mensaje globalitario y unitario de todo ser, siendo todos parte de un mismo punto, de una misma energía, el “big-bang”. Para ello usa la bioquímica y la mecánica cuántica como solución a las preguntas de nuestra vida, sin aportar realmente un contenido axiomático o ecuacional, sólo dando por certeras interpretaciones subjetivas.
Muestra de manera bastante confusa, debido a las continuas y repetitivas afirmaciones filosóficas que se suceden sin descanso y mediante animaciones bastante pobres, el poder de la voluntad individual y su influencia sobre nuestro entorno más próximo y a su vez sobre todo el universo.
El mensaje es atrevido y relevante y cada persona debería plantearse su crítica y opinión pero éste se ve desmerecido en cierto modo cuando en su misma página web anuncian diversos productos relacionados con la película para próxima venta, comolos Mensajes del Agua del Dr. Masaru Emoto, donde se fotografian moléculas de agua, de cantidad idéntica de peso, sometidas a una congelación de -4ºC y se observan las diferencias en sus dibujos a partir de las emociones volcadas en ellas. ¿Metaciencia? ¿una nueva religión? ¿o un nuevo modo de ver el mundo? Tal vez sea todo eso y al mismo tiempo un negocio. Tal vez no sea nada o lo sea todo, pero su aspecto hermético a través de supuestos investigadores y científicos le dota de cierta duda. Cierto es que alimenta y nutre muchas de las preguntas que la razón nos plantea, pero ¿donde empieza el mensaje y acaba el negocio? Este aspecto no pienso discutirlo ya que al menos se ha usado al cine para algo más que entretener y eso ya merece mis respetos, pues el cine no es más que un medio distinto de comunicación, y no sólo una industria de satisfacción social, aún así prefiero el uso artístico subjetivo que estos mensajes globalizadores, pues este film es una libre interpretación de los datos, que por mucho que se apoye en fundamentos físicos y bioquímicos, el ser humano nunca podrá juzgarse a sí mismo o analizar su entorno con total veracidad, porque está dentro de ese mismo sistema y no conocemos aún la capacidad de abstracción suficiente como para separarnos de él.
Hoy día la ciencia ha sustituido o anulado en muchos casos los miedos ocasionados por las religiones, pero a veces los receptores realizamos una mala praxis con ésta, obligándonos a dar por bueno y únicamente valioso aquellas soluciones que ésta nos atisba sin una experimentación personal previa. Esto es un gran error. También es cierto que es casi imposible experimentar todos los procesos biológicos y físicos que hacen de este mundo nuestra existencia y es fácil abocar en hacer propias las teorías que nunca se nos han demostrado realmente, convirtiéndolo en la gran mayoría de los casos en un dogma de fe más.
Aplaudo algunos pensamientos que se transmiten en la película, pues mi experiencia me ha hecho aprender que cada día que nos despertamos, nos encontramos, y es muy satisfactorio pensarlo así, ante una inmensa red de oportunidades y posibilidades, donde nuestro yo, nuestro estado de ánimo, nuestra predisposición, ejerce una acción directa sobre los estímulos que nos acontecen tras ser interpretados por nosotros mismos.
Pero ¿no es todo esto el resultado de la sociedad en la que vivimos que está ansiosa por una renovación espiritual, después de haberse caído varios pilares del pensamiento y la fe? ¿Dejamos de sentir miedo tras conocer estos mensajes? ¿Es bueno dejar de sentir miedo? ¿Necesitamos verdaderamente una ortodoxia al margen de las religiones tradicionales?
La película no entretiene, pues su narración es bastante burda y sus medios de animación bastante diáfanos. Las mismas afirmaciones de científicos serios que intervienen son sacadas de su contexto y presentadas como verdades infalibles, cuando en realidad no son más que hipótesis de trabajo. Por ejemplo, se afirma que los indígenas americanos no pudieron ver llegar las carabelas de Colón porque sus mentes 'no estaban programadas para ello' ya que eran unos objetos que su cognosciencia no había aprendido. Y ahí está el gran error de esta película o documental, el querer y no poder. El desear mostrar una conclusión con valores hipotéticos, ya que ni el big-bang es la única teoría de creación del universo ni ningún pensamiento humano puede conocer tales objetivos por, como ya he dicho anteriormente, formar parte de él.
En definitiva, lo que pretendía ser una reflexión sobre conceptos filosóficos acaba siendo un objeto más de negocio a través del pensamiento, como la cienciología o Nueva Acrópolis.
Director: Billy Wilder
Año: 1944
Reparto: Fred MacMurray .... Walter Neff
Barbara Stanwyck .... Phyllis Dietrichson
Edward G. Robinson .... Barton Keyes
Porter Hall .... Mr. Jackson
Jean Heather .... Lola Dietrichson
Tom Powers .... Mr. Dietrichson
Byron Barr .... Nino Zachetti
Richard Gaines .... Edward S. Norton, Jr.
Fortunio Bonanova .... Sam Garlopis
John Philliber .... Joe Peters
Cuando el cine negro aparece en la pantalla de esta manera tan magistral nacen adeptos al mismo.
Es un film que me impactó por su frescura fotográfica y sus grandes diálogos extraídos de una novela de James M. Cain y con un guión de mano del propio Billy Wilder yRaymond Chandler.
Lo recomiendo encarecidamente.
Nos vemos después de las vacaciones, seguro que sumo fuerzas para completar mi odisea personal, ese corto que ya está rodado y "sólo" queda editar.
Saludos y felices vacaciones.
Antonio Gil Medina. Valencia. Poeta, soñador, creativo y enfermero.Director de cine, guionista, compositor, bombero, masajista, "argentino" o mejor, ciudadano del mundo, tantrista, cocinero, barman, stripper, psicólogo, florista, decorador, etc..
Valencia, España.
El cine como aperitivo y la cultura como comida, entre otras cosas...
clasimexico
