Discos Míticos

Version 2.0 - Garbage

2008-08-21T12:37:05+00:00

El caso de la banda escocesa-norteamericana Garbage es cuando menos curioso. Concebido como original propuesta de dar un paso más allá en el grunge, asimilando en el novedoso estilo nacido en Seattle la utilización de la electrónica, resultó sin embargo un proyecto que, salvo el inquebrantable apoyo de sus fans, fue entre ninguneado y masacrado sin piedad por multitud de críticos con más bien pocas luces. La intención del influyente productor Brian "Butch" Vig (figura fundamental en el resurgir de la música estadounidense de los noventa como productor de discos capitales como Siamese Dream de The Smashing Pumpkins y sobre todo el Nevermind de Nirvana), junto con sus amigos Duke Erikson y Steve Marker (las otras dos patas de aquel banco que eran los ahora míticos estudios Smart) fue visto, en general, como un intento de laboratorio y no como una auténtica banda. Además, la inteligente inclusión de la electrónica, por medio además de una producción impecable, en el rock de los noventa, tampoco se aceptó con la naturalidad que merecía, sino que por el contrario fue muy protestada.

Lo cierto es que tras su impecable primer trabajo, Garbage dieron un paso más en su propuesta en su segundo álbum, Version 2.0, título que dejaba a las claras la pretensión de ir un poco más allá de lo conseguido hasta entonces. Y sin duda lo lograron, puesto que el siempre problemático segundo disco, el de la confirmación o de la decepción, resultó ser en este caso una obra maestra y uno de los más interesantes discos de unos años 90 a los que ya les faltaba poco para despedirse. y la personal vocalista escocesa Shirley Manson consiguieron presentar un disco impactante, una perfecta conjunción rock-electrónica con una producción de lujo y una magnífica colección de canciones, de lo que da fe la enorme calidad de los nada menos que cinco singles que se extrajeron para su promoción.

El arranque del disco es impecable. Temptation waits muestra, en su mezcla de estilos, imaginativa utilización de sonidos, distorsión de guitarras, y electrónica, lo que el grupo ofrece. Un magnífico arranque que se ve rápidamente superado por ese rock sucio con retazos electrónicos y potente y machacón estribillo que se ofrece en uno de sus mejores temas, la impecable desde su mismo inicio I think I'm paranoid, mientras que, por contra, un pop-rock más limpio y acelerado se muestra en When I grow up, una de esas canciones que funcionan como un reloj suizo en los directos por su capacidad para hacer bailar.
Medication pasa por ser la más genuina reconstrucción del grunge de la banda, un tema con unas estrofas lentas a modo de balada cortadas bruscamente por un estribillo dominado por guitarras distorsionadas. A continuación, Special, pegadizo pop-rock de enérgico estribillo, y Hammering in my head, uno de los temas más electrónico y experimentales del disco, un potente ejercicio de música de baile muy diferente de lo que solía escucharse en las pistas de baile.

La segunda parte del disco arranca con la célebre Push it, complicadísima conjunción de segmentos melódicos realizados con diferentes instrumentos, más de cien loops, y un sorprendentemente certero sample del tema Don't worry baby, de Beach Boys, apoyado además en un deslumbrante videoclip que recibió multitud de premios. Un temazo para la historia. Le sigue The trick is to keep breathing, un inteligente y compacto medio tiempo en el que se luce la voz de Shirley acompañada por variedad de instrumentos en segundo plano. Dumb recupera la parte más electrónica de la banda, aunque en esta ocasión las guitarras cobran mayor protagonismo, mientras que Sleep together regresa a la sonoridad típica de la banda y su mezcla de estilos.

Para finalizar, Wicked ways, con su curioso uso de secciones rítmicas y estribillo enérgico y brillante, y una sorprendente balada de gran delicadeza, You look so fine, una belleza con la que no puede acabar mejor el disco.

Considerados de forma harto injusta como una banda de artificio (sólo hay que escuchar con atención sus malévolas letras o ver alguno de sus impactantes directos para darse cuenta de hasta qué punto esa apreciación es un completo error), ni siquiera con la presentación de uno de los mejores álbumes de la década consiguió el respeto que merecían. Bastó un trabajo inferior (su siguiente disco, Beatiful -Garbage-) para aparecer un ruidoso coro de "ya te lo dije" que ni siquiera su último disco, el interesante Bleed like me, amén de su magnífica obra anterior, pudo apagar. Pero según mi parecer es de justicia recordar, por tanto, el trabajo de la banda, y en particular este magnífico álbum como una de las mejores puntas de lanza del rock electrónico, para encontrarse con un grupo tremendamente interesante y talentoso que nunca fue demasiado tomado en serio.

Version 2.0
Temptation waits (4:36)
I think I'm paranoid (3:38)
When I grow up (3:24)
Medication (4:08)
Special (3:43)
Hammering in my head (4:52)
Push it (4:02)
The trick is to keep breathing (4:11)
Dumb (3:50)
Sleep together (4:03)
Wicked ways (3:43)
You look so fine (5:22)

1998. Mushroom Records.
Compuesto por Garbage.
Producido por Garbabe.

Rhythm Nation 1814 - Janet Jackson

2008-07-21T17:45:20+00:00

Cuando se es parte de la familia de un mito de la música no es fácil labrarse una carrera musical propia; de hecho, resulta bastante inusual. El caso de Janet Jackson, la más pequeña de los hermanos Jackson es, en este sentido, especial. Los 80 eran, en lo que respecta a la nueva música negra alejada de los esteoripos de los guettos, de su hermano Michael (y de Prince, pero esa es otra historia). Como sucediese con el resto de los hermanos de la familia Jackson, Janet tenía bastantes tablas desde pequeña, aunque su carrera musical, en serio, comenzase en 1982. Después de dos álbumes irregulares y flojos, Janet contacta con los famosos productores Jimmy Jan y Terry Lewis, co-fundadores junto con su amigo Prince del sonido Minneapolis y de buena parte de la nueva música negra, y juntos realizan el excelente disco Control. Tres años después, en 1989, llega el momento de la verdad, el lanzamiento del álbum que consagre definitivamente a la artista, la aleje de la alargada sombra de su hermano, y le otorgue el merecido reconocimiento de la crítica y el público, comenzando una magnífica trilogía de álbumes poco conocida y valorada en Europa, pero que convertirá a Janet Jackson en una de las (pocas) artistas femeninas más importantes de la época.

Rhythm Nation 1814 es, como su título sugiere, una decidida apuesta por la música bailable en lo musical, recogiendo sabiamente los elementos más llamativos e interesantes del R&B para mezclarlos con la rotundidad de los nuevos ritmos de la música rock, de baile e incluso industrial, al tiempo que las letras hablan de temas comprometidos como el racismo, las injusticias sociales, la inutilidad de la violencia, a lo largo de un puñado de canciones magníficas (llegaron a extraerse siete singles, y Janet se convirtió en el primer artista -sin distinción de sexo- en encumbrar las siente canciones al numero 1 del Billboard americano en un lapso de tres años). Las más de doce millones de copias vendidas de este majestuoso trabajo repleto de energía y placer por el baile supusieron el espaldarazo final de la artista para ser aceptada como tal.

El disco se estructura a partir de unos cortos interludios que sirven de presentación entre los temas (y pese a su brevedad tienen su significado y están ahí por una razón) que trasladan al oyente a cada tema largo del disco. Unas campanas lejanas y Janet rezando nos conducen al arranque del disco, Rhythm Nation, y en un disco orientado al baile es la mejor forma de empezar. Un tema poderoso, profundamente rítmico, con estrofas enérgicas y estribillo cantando por un coro, que anuncia lo que va a ser casi una constante en el álbum. Un zapping televisivo lleva a State of the world, que utiliza recursos y producción similar para mantener la homogeneidad del disco, siendo de nuevo un tema bailable aunque de letra oscura. The knowledge vuelve a insistir en similares sonidos y producción, aunque la estructura del tema es más experimental, con una extraña sección rítmica y multitud de samples y efectos.
Llegamos al primer single extraído del disco, la imponente Miss you much. Una delicia bailable con un comienzo que despista un poco pero que pronto nos lleva a una machacona sección rítmica y la voz de Janet cantando unas estrofas pegadizas que llevan a un estribillo más pegadizo aún, conformando una de esas canciones que inevitablemente hacen bailar. Se continúa con un medio tiempo tremendamente pegadizo en la excelente Love will never do (without you), con una producción aparentemente invisible pero sobrecogedora, y tras más de veinte minutos de orientación hacia la danza, llega la balada Livin' in a world (they didn't make), aunque pronto se regresa al ritmo con un nuevo y aún mejor bloque bailable que comienza con Alright, en el que de nuevo destaca el ingenio de las numerosas secciones rítmicas dobladas para acompañar el canto de la norteamericana. Y se termina de concretar total y maravillosamente con una canción para la historia: Escapade. Compendio de todo lo escuchado en el disco, es uno de esos temas que lo tiene todo. Un ritmo perfectamente medido, producción de lujo, estrofas pegadizas, estribillo contagioso... un temazo.
Y aún no repuestos de la canción anterior, otro interludio y el momento más rockero del disco, Black Cat, una canción que recoge lo mejor del rock (su ritmo, su estructura, su energía) y lo lleva totalmente a su terreno para presentar otro tema magnífico dominado por una guitarra de nivel que lleva la voz cantante sobre un ritmo enérgico y a una Janet que canta demostrando la interesante variedad de registros de su voz.
El disco finaliza de forma más calmada, a través de tres temas más tranquilos y melódicos. En primer lugar, Lonely, un medio tiempo con una bonita guitarra española utilizada sin clichés. A continuación, Come back to me, R&B de primer nivel, y para finalizar la hermosa Someday is tonight, que parece un curioso cruce entre la música de Pet Shop Boys y una balada de música negra de siempre.
El disco se cierra en falso de una doble manera: Interlude: Livin'...In Complete Darkness es el interludio más largo del disco (más de un minuto), por lo que en cierto modo se convierte en una canción incompleta, al tiempo que finaliza con unas campañas lejanas... que son las del arranque del álbum, por lo que si se escucha en modo de repetición no se apreciará un final del álbum sino que éste es un bucle.

Era Rhythm Nation 1814 (referencia a un famoso poema, y en el que los números 18 y 14 corresponden con las letras R y N del alfabeto inglés), un disco que Janet Jackson necesitaba para ser valorada por sí misma. Ya con su anterior trabajo, Control, había demostrado que podía labrar una carrera más que interesante sin ser comparada con su hermano Michael. Asimismo, supuso el punto de arranque de unos años realmente buenos, en los que presentaría otro par de álbumes que conformarán una trilogía envidiable: Janet, y sobre todo The Velvet Rope. Más introspectivos y personales, con un punto menor de comercialidad. Pero RN 1814 consiguió el punto justo de comercialidad y calidad, convirtiéndose por méritos propios en uno de los mejores álbumes de la década. Y hoy en día suena bastante más novedoso que muchas pretendidas obras que presumen de haber inventado algo.

Rhythm Nation 1814
-Interlude: pledge (0:47)
-Rhythm nation (5:31)
-Interlude: T.V. (0:22)
-State of the world (4:48)
-Interlude: race (0:05)
-The knowledge (3:54)
-Interlude: Let's dance (0:03)
-Miss you much (4:12)
-Interlude: come back (0:21)
-Love will never do (without you) (5:50)
-Livin' in a world (they didn't make) (4:41)
-Alright (6:26)
-Interlude: Hey Baby (0:10)
-Escapade (4:44)
-Interlude: No acid (0:05)
-Black Cat (4:50)
-Lonely (4:59)
-Come back to me (5:33)
-Someday Is Tonight (6:00)
Interlude: Livin'...In Complete Darkness (1:07)

1989. A&M Records.
Compuesto por Janet Jackson, Jimmy Jam y Terry Lewis, excepto The knowledge, Miss you much, Love Will Never Do (Without You), y Livin' in a World (They Didn't Make) (Jimmy Jan y Terry Lewis), y Black Cat (Janet Jackson).
Producido por Jimmy Jan y Terry Lewis, Janet Jackson, Jellybean Johnson, y John McClain.

The Doors - The Doors

2008-06-27T18:50:54+00:00

No hay muchos debuts en la historia del rock comparables al primer álbum publicado por The Doors, de homónimo (¿o simplemente inexistente?) título. Un trabajo que contiene no una, sino nada más y nada menos que tres de las mejores canciones de finales de siglo no tiene más remedio que convertirse en un disco histórico. Como así es.
Después de más de un año de presentar su música por distintos clubes californianos, la banda firma con Elektra Records en 1967, y para su primer álbum presentan sus canciones favoritas, las que mejor respuesta han tenido del público, las mejores, en definitiva. Una magnífica forma de tamizar lo mejor de su obra que redunda en la presentación de una serie de temas impresionantes redondeados con cotas insuperables. Además, el grupo recoge a la perfección las influencias del momento, de forma que en sus canciones se aúnan letras de gran fuerza poética (responsabilidad de ese icono del rock que es Jim Morrison) con un sonido original y único, al que de modo fundamental ayudan los alucinógenos teclados de Ray Manzarek, que tanto han hecho para ofrecer ese sello único e inimitable de la banda que tan inconfundibles los hace, sin olvidar la importantísima aportación de dos músicos a la sombra con una enorme profesionalidad, tanto la excelente guitarra de Robby Krieger como la batería de John Densmore.

¿Puede abrirse mejor el disco que con esa hipnótica línea de bajo que conduce a la inconfundible voz de Morrison que repite incesamente Break on trough (to the other side) acompañado por una sorprendente línea de órgano eléctrico? Seguramente no, si se presenta una canción para la historia, salvaje muestra de rock enérgico en estado puro.
Soul Kitchen es una muestra de pop-rock de la época, con mucho sabor hippie, en el que el medio tiempo de las estrofas se rompe con un estribillo rockero en el que se mezcla la voz de Morrison con teclados de complejas líneas. A continuación, The crystal ship, una balada de impecable factura, en la que la línea principal de piano es especialmente destacable, la polémica Twentieth Century Fox en la que Morrison no se refiere, precisamente, a la productora audiovisual, sino a las mujeres liberadas del momento con un apelativo políticamente muy incorrecto, y la excelente versión del tema Alabama song, con su estructura tan cabaretera, que se integra perfectamente en el disco.
Y entonces llega otra explosión: Light my fire, el segundo tema absolutamente mítico del álbum y seguramente el más reconocido de la banda. Compuesto por Robby Krieger, es una perfecta muestra del sonido Doors, con un Ray Manzarek en estado de gracia creando líneas de teclado apabullantes y en particular una sección instrumental para quitarse el sombrero, y un Morrison en su salsa jugando con su voz y con letras sexualmente evocadoras.
La segunda versión del álbum es Back door man, mostrando la clara deuda en las influencias del grupo con el rock de los 50. Le sigue I looked at you, pegadiza muestra del talento unificado de la banda, con sonidos de palmas y base rítmica para el lucimiento de Densmore, y la balada End of the night, ensoñadora y lisérgica. Nos acercamos al final, primero con la excelente Take it as it comes, de nuevo una excelente muestra del talento de los distintos componentes del grupo, un rock californiano rápido y pegadizo, y después... The End.

The End. Once minutos de minimalismo sonoro. Una letra repleta de delirantes imágenes y metáforas sobre el complejo de Edipo. Una primera línea de texto inolvidable. Apenas unas notas de guitarra y ritmo apagado de crótalos. Mitad cantada, mitad recitada. Con interludios instrumentales puramente sesenteros, en su mejor faceta. Y una estructura absolutamente impredecible. Hipnótica. Sobrecogedora. Imposible.

Jim Morrison, sin olvidar a sus imprescindibles compañeros de viaje, consigue comenzar la carrera de su banda de modo inmejorable, con un trabajo totémico y ejemplar. Un disco imprescindible, en el que The Doors recogieron variadas influencias para alumbrar un sonido único, totalmente reconocible e inimitable, convirtiéndose en puntales y referentes de toda una nueva forma de hacer música. Y que los lleva, de inmediato y con toda justicia, al olimpo del rock.

The Doors
-Break on through (to the other side) (2:29)
-Soul kitchen (3:34)
-The crystal ship (2:34)
-Twentieth Century Fox (2:33)
-Alabama song (whiskey bar) (3:19)
-Light my fire (7:07)
-Back door man (3:33)
-I looked at you (2:21)
-End of the night (2:52)
-Take it as it comes (2:16)
-The end (11:41)

1967. Elektra Records.
Compuesto por Jim Morrison, excepto Light my fire (Robby Krieger), Alabama Song (Bertolt Bretch y Kurt Weill) y Back door man (Willie Dixon).
Producido por Paul A, Rothchild.

Songs of sanctuary - Adiemus

2008-06-15T13:48:26+00:00

El músico galés Karl Jenkins tenía en 1995 una bien ganada reputación como músico, pero fue su proyecto Adiemus el que le otorgó fama mundial. Reclutado en los primeros 70 para formar parte de Soft Machine, del que se convertiría en puntal importante de los últimos discos oficiales de la banda, Jenkins, sin embargo, se alejaría de aquellas propuestas durante algunos años, realizando trabajos en los que su formación clásica, a la que añadió su curiosidad por otras sonoridades (celta, africana) darían como resultado un inesperado éxito con un jingle para una compañía aérea que fue recogido en varios recopilatorios de música new-age (etiqueta que aborrezco, por cierto). Dicho éxito animó a Jenkins a desarrollar el proyecto Adiemus, así que, ayudado por su amigo Mike Ratledge y la portentosa voz de Miriam Stockley, dio forma a un disco que sorprendió por su enorme calidad, y que por derecho propio se ganó el respeto de crítica y público desde el mismo momento de su lanzamiento.

El disco comienza con un tema que resume perfectamente gran parte de la propuesta de este proyecto. Recuperado a partir de la música de un spot publicitario realizado algún tiempo antes, la conjunción de melodías de instrumentación clásica y cinematográfica con otras como flautas y percusiones étnicas, con voces que sugieren estilos africanos, gospel, y coros orquestales, se reúne en Adiemus (el tema) de forma inmejorable. El repique de campanas seguido de una larga y hermosa introducción de cuerdas nos lleva a un medio tiempo en el que de nuevo se mezclan secciones de cuerda con las voces dobladas de Miriam Stockley en el tema más largo del disco, Tintinnabulum, en el que insiste en la onírica y original propuesta del proyecto con otro tema que, sin embargo, es totalmente distinto al anterior.
Cantus inaequalis le da aún mayor importancia a las voces, doblando la voz de Miriam en distintos tonos para un corto y curioso tema, mientras que Cantus insolitus hace lo propio pero dando mayor relevancia a las instrumentaciones, en un tema lento y majestuoso, más cercano a las propuesta de los clásicos. In caelum fero es un tormenta instrumental, un magnífico collage de enérgicas secciones de cuerda adornadas por llamativos coros femeninos que se convierte en uno de los mejores momentos del disco. Cantus iteratus se monta sobre una marcada sección rítmica sobre la que se deslizan dos secciones cantadas, una de estilo clásico y otra que recuerdas sonoridades africanas, y que se van repitiendo una y otra vez durante todo el desarrollo del tema.
Amate Adea vuelve a recuperar la sonoridad más clásica con su tratamiento en las cuerdas y las voces, mientras que por contra Kayama es el tema que más aire africano tiene desde los coros iniciales (sorprende que suenen a niños, cuando hay que recordar que todas las voces grabadas pertenecen a Miriam Stockley, y sin tratamientos electrónicos fuera de la mezcla final). El disco se cierra con la corta Hymn, un tema juguetón con varias líneas vocales y melódicas.

En retrospectiva, la propuesta de Jenkins era un caballo ganador. Su afortunada mezcolanza de música orquestal con toques variados étnicos, junto con un sistema similar al utilizado por Enya para su particular sello (una voz femenina espectacular grabada en multitud de tomas sin tratamientos artificiales para obtener como resultado una sonoridad especialmente llamativa), unido todo ello al talento para desarrollar temas de calidad, sólo podía dar como resultado un gran disco. Sería, sin embargo, ninguneado quizá precisamente por ser catalogado como new age, como mera moda del momento, y de hecho los posteriores trabajos publicados bajo el nombre de Adiemus son tan interesantes como el primero. Finalizada (por fortuna) la fiebre de aquellos años, discos que eran propuestas musicales de primer orden y que se vieron mezclados en las mismas estanterías con discos insustanciales destacan por méritos propios sin ningún esfuerzo. Este es uno de ellos.

Songs of sanctuary
-Adiemus (3:48)
-Tintinnabulum (10:57)
-Cantus Inaequalis (3:13)
-Cantus Insolitus (5:35)
-In Caelum Fero (7:45)
-Cantus Iteratus (6:36)
-Amaté Adea (5:12)
-Kayama (8:06)
-Hymn (2:38)

1995. Virgin Records.
Compuesto por Karl Jenkins.
Producido por Karl Jenkins y Mike Ratledge.

Homebrew - Neneh Cherry

2008-07-24T14:00:21+00:00

Tras su prometedor y enormemente interesante debut, Raw like sushi, la artista de origen sueco Neneh Cherry presenta en 1.992 su segundo trabajo de estudio, una pequeña y poco conocida joya titulada Homebrew que, por méritos propios, se convertirá en uno de los más interesantes discos de aquel año. Si la acertada fusión de R&B, rap y pop de su debut la convertirá, de hecho, en claro antecedente del sonido Bristol (no en vano supo rodearse de personajes fundamentales de lo que sería aquel movimiento, como Bomb the bass y sobre todo alguno de los miembros fundadores de Massive Attack), en su segundo álbum incluye un nuevo elemento en dicho movimiento: el jazz. Las obvias influencias de Neneh, hijastra del trompetista del jazz de vanguardia Don Cherry, hacían este paso inevitable desde el momento en el que la artista decidió que el inesperado éxito de su primer trabajo no la iba a convertir en un producto comercial al uso. Manteniendo sus letras combativas de mensajes feministas y comprometidos, una cuidada producción que no pretendía ser comercial, y un tempo en general sosegado y melódico, parecía evidente que el disco no sería un éxito. Pero quienes seguíamos a Neneh desde su debut no nos quedamos en absoluto defraudados: todo lo contrario, puesto que junto con su marido Cameron McVey aka Booga Gear nos entregó un álbum realmente magnífico tanto desde el punto de vista de su propuesta musical como por unas letras brillantes y llamativas.

El arranque de Homebrew es tan corto como intenso: Sassy ofrece en apenas dos minutos y medio la curiosa fusión de una arrebatadora base de piano puramente jazzistica, y el fraseo rap de la propia Neneh a la que le acompaña Guru, del dúo Gang Starr. Le sigue Money Love, el single de éxito del disco, acertada reunión de música urbana con un pegadizo riff de guitarra rockera a cargo de Jon Sharp, de Trout. Un arrebato de energía que se templa con la que para mí es la joya del disco, un medio tiempo pop-soul con arreglos de cuerda sintetizada realmente deliciosos para un tema realmente magnífico, Move with me.
I ain't gone under yet supone, por otro lado, el momento más atrevido del disco, en el que la base jazzística es aún más profunda y obvia, fusionada por el rapeo tranquilo de la artista. Con Twisted se recupera un tono más bailable, un medio tiempo soul muy agradable. Buddy X, el otro single extraído del álbum, es un tema bailable de música negra desde la base rítmica hasta los coros del estribillo. Otro momento memorable del disco llega con Somedays, un tema 100& trip-hop basado en una línea de piano que emula la famosa melodía de la sonata nº14 Claro de Luna, de Beethoven, sobre la que Neneh canta otro medio tiempo de forma muy expresiva.
Otra sopresa llega con los acordes iniciales de Trout, que desde el principio suenan a R.E.M. Intuición que se resuelve casi de inmediato, cuando la inimitable voz de Michael Stipe hace acto de presencia. En efecto, se trata de una curiosa colaboración entre el vocalista de la banda norteamericana y Cherry, y entre ambos firman una curiosa canción que tuvo bastante aceptación en los circuitos underground de la época.
El final del disco es aún más ambiental y sumamente interesante. Peace in mind es otro medio tiempo con sección de cuerdas sintetizadas medio ocultas por la percusión que se desarrolla calmosamente mientras Neneh canta de forma evocadora. Red paint cierra el disco de forma similar pero aún más deslumbrante, con unas estrofas cantadas especialmente brillantes y pegadizo estribillo de sabor pop-soul. Un temazo con el que se cierra de modo inmejorable un excelente disco.

En cierto modo, Neneh Cherry fue una adelantada a su tiempo. Su temprana y precursora contribución a uno de los movimientos musicales de los 90 que más han hecho hablar (el trip-hop) ha pasado injustamente desapercibida. Su acertada fusión de estilos la llevó, durante su corta pero excelente discografía, por caminos que muchos otros seguirían después recogiendo las mieles del éxito. Los exitosos temas de su primer álbum (como Buffalo Stance, una de las mejores canciones del año 1.989) y su imagen atractiva, hicieron pensar a más de uno que estábamos ante otro producto de moda lanzado por las discográficas. Tres años después, otro magnífico álbum que superaba un debut muy interesante y válido, no lograría desmentir aquella errónea percepción. Como siempre suele suceder, el tiempo ha servido para poner las cosas en su lugar, y Homebrew puede presumir de ser uno de los más interesantes trabajos, de largo además, de aquellos años.

Homebrew
-Sassy (2:33)
-Money Love (3:39)
- Move with me (5:18)
-I ain't gone under yet (4:03)
-Twisted (4:37)
-Buddy X (2:49)
-Somedays (3:35)
-Trout (5:03)
-Peace in mind (5:34)
-Red paint (5:28)

1992. Circa Records.
Compuesto por Neneh Cherry y Booga Gear, excepto Sassy y I ain't gone under yet (Neneh Cherry, Booga Gear y Gang Starr), Money Love (Neneh Cherry, Booga Gear y Jon Sharp) Trout (Neneh Cherry, Booga Gear, Michael Stipe y Jon Sharp), y Somedays (Neneh Cherry, Booga Gear y Geoof Barrow).
Producido por Johnny Dollar, Neneh Cherry y Booga Gear.

Travelogue - The Human League

2008-05-07T15:14:07+00:00

Antes de la escisión que llevaría a Philip Oakey por un lado (manteniendo el nombre de la banda y repartiendo las ganancias como contrapartida contractual) y a sus ex-compañeros Ian Craig Marsh y Martyn Ware por otro (B.E.F. como base compositiva y Heaven 17 como plataforma de sus temas menos experimentales), The Human League eran, en los últimos estertores de los años 70, los encargados de recoger las enseñanzas de Kraftwerk para cambiar la estructura del rock británico, convirtiéndose para ello en el primer grupo de las islas completamente electrónico. Aún más: incapaces de poder adquirir los magníficos sintetizadores analógicos de la época (con precios generalmente prohibitivos), construyeron sus propios instrumentos a partir componentes electrónicos básicos. Con el convencimiento (y la osadía de la juventud) de que la música de Kraftwerk era claramente superable y de que era posible componer canciones sin la frialdad de los alemanes, con más garra y calidez, compusieron un buen puñado de canciones repartidas en varios EPs y dos larga duración de enorme importancia por lo que supusieron para la historia de la música... aunque paradójicamente siempre pasan bastante desapercibidos: Reproduction, y Travelogue.

Travelogue es el segundo álbum del trío (cuarteto si se incluye a Adrian Wright, director visual de los originales, novedosos e influyentes planteamientos escénicos del grupo) y uno de los más importantes de la música electrónica del siglo XX. En él se conjuga a la perfección el ideal que nace en Alemania de realizar música exclusivamente con instrumentos electrónicos con la británica búsqueda de la melodía atrayente y dinámica. Arranca de modo inmejorable con la marcial The black hit of space, con un estilo muy industrial de ritmos marcados, marcando el camino que posteriormente recorrerían bandas electrónicas ajenas al synth-pop. A continuación, versionean el tema Only after dark de Mick Ronson utilizando bases electrónicas sobre las que juegan con voces superpuestas. Life kills, con su ritmo rápido y efectos de sonido, supone un acercamiento más melódico de su propuesta, acercamiento que se concreta totalmente en la excelente Dreams of leaving, casi desnuda en las partes cantadas e interrumpida por secciones instrumentales de altura.
Toyota city es un instrumental juguetón y evocador, mientras que Crown and a baby recupera el toque industrial para una canción sucia con hipnótico estribillo. The Touchables es uno de los momentos más melódicos del disco, aunque se atreven con unos curiosos compases que parecen dejar incompletas las melodías que acompañan a los cantos. Gordon's Gin es una curiosidad, una versión acelerada y enérgica de un jingle instrumental de la época con el que se anunciaba dicha ginebra que se integra perfectamente en el disco.
Una conjunción de ruidos y ritmos inicia Being Boiled, el primer sencillo de la banda que no fuera publicado en su primer larga duración Reproduction y que data de 1978. Ritmo sincopado, palmas regrabadas, estrofas hipnóticas para un tema imprescindible y mítico que tantas influencias provocó. El disco llega a su fin con WXJL tonight, de nuevo marcando el camino de lo que el synth-pop convenientemente trabajado sin convencionalismos podía ofrecer.

Después de dos discos tremendamente interesantes, el éxito no acababa de llegar. El choque entre Oakey, que se decantaba por una mayor accesibilidad en su sonido y Ware/Craig Marsh que no lo tenían tan claro provocó la ruptura de la formación. Oakey mantuvo el nombre de la banda (sacado del juego de mesa StarForce) y con una nueva formación publicó el sobresaliente Dare!, mientras sus ex-compañeros ponían en marcha el proyecto Heaven 17. En ambos casos comenzaron de forma memorable aunque poco a poco se fue bajando el listón. Siempre quedará la duda de hasta dónde podrían haber llegado de haberse mantenido en sus posiciones musicales iniciales. En cualquier caso, los dos primeros discos de la banda quedan como representantes e iniciadores de toda una forma de entender la música en las islas y por ello como dos de los más importantes trabajos de la época.

Travelogue
-The black hit of space (4:11)
-Only after dark (3:51)
-Life kills (3:08)
-Dreams of leaving (5:52)
-Toyota City (3:21)
-Crow and a baby (3:43)
-The Touchables (3:21)
-Gordon's Gin (2:59)
-Being boiled (4:22)
-WXJL tonight (4:46)

1980. Virgin Records
Compuesto por Martyn Ware, Ian Craig Marsh y Philip Oakey* excepto Only after dark, por Mick Ronson y Scott Richardson.
Producido por Richard Mainwaring.

*En los créditos también aparece Philip Adrian Wright, aunque su labor en el grupo se limitaba a la parte escénica de los conciertos, como director visual.

Like a prayer - Madonna

2008-05-06T11:26:05+00:00

En 1989, Madonna publica su cuarto trabajo de estudio: Like a Prayer, el cual supuso el radical cambio de jovencita pizpireta diseñada para la venta de discos a una de las artistas más importantes que ha dado la cultura pop. Era un cambio que ya se había comenzado a vislumbrar en su disco anterior, True Blue, aunque no se había concretado totalmente. Sin embargo, al publicar la que hoy en día se considera obra maestra de su carrera musical, quedó claro que la madurez artística de la ya por entonces reina del pop había llegado para quedarse. Por primera vez la artista es coautora de todas las canciones del disco, apoyada en el trabajo de su inseparable colaborador Pat Leonard, con el que en aquellos años se complementa a la perfección. Juntos elaboran casi todo el disco, desde las letras (maduras, personales) hasta la excelente producción que dota a cada tema de un aire diferenciado aunque logrando mantener la homogeneidad de todo el trabajo.

El disco se abre con una auténtica joya, la canción homónima Like a Prayer, pluscuamperfecto ejemplo del poderío de una gran canción pop con la virtud añadida de romper varias de sus reglas: la continua aparición del enérgico estribillo con sabores golpel que rompe la placidez de las estrofas termina por hacer desaparecer éstas para hacer que toda la sección final del tema se construya a partir de variaciones del estribillo. Continúa con Express yourself, otro excelente tema en el que se hace toda una declaración de intenciones a favor de la libertad de expresión y de la libertad de la mujer, lo que en su momento provocó más de un resquemor; musicalmente, se trata de un tema enérgico de acertadas estrofas cantadas con convicción. Le sigue la poco conocida colaboración con Prince (Love song), y que suena 100% a tema del de Minneapolis, y un ejemplo de ese pop burbujeante y alegre que Madonna tan bien sabe hacer y que resulta prácticamente una marca de la casa, Till death do us apart. La primera de un triplete de baladas impecables se presenta con Promise to try, con protagonismo de piano y cuerdas, y a continuación otro ejemplo de puro pop con la alegre Cherish y una pequeña maravilla en forma de alegre canción de cuna con curiosas metáforas infantiles, magníficos juegos con los arreglos orquestales, y obvio sabor "beatle": Dear Jessie. La sección orquestal del tema se funde con otra balada, Oh father, una maravilla de tema con arreglos de cuerda impecables.
Con Keep it together se hace un pequeño guiño a sus discos anteriores recuperando el sonido de su anterior disco, mientras que el excepcional trío de baladas se cierra con Pray por spanish eyes, con una destacable guitarra española muy contenida y nada obvia. El disco se termina con un pequeño juego, Act of contrition, en el que se samplean los coros gospel de Like a prayer mientras una guitarra muy heavy acompaña a una Madonna que parece rezar.

Es destacable que, demostrando la importante evolución de la artista, las canciones son en general personales y profundas; en ellas Madonna habla sobre la niñez, la muerte de su madre, la sinceridad y la libertad de expresión, o su difícil infancia. Un disco, pues, muy personal, sin ser pedante, y sin olvidar la necesaria calidad de las canciones que contiene. Un trabajo completo y atrayente, de los mejores que ha dado la siempre denostada cultura pop.

Que Madonna conozca como pocos los resortes del éxito, que haya sabido utilizar la controversia y la irreverencia para resultar polémica (a modo de ejemplo, el vídeo de Like a Prayer es el más censurado y prohibido de la historia), ha provocado que en muchas ocasiones se haya despreciado su valía como artista. Sin embargo, discos redondos como Ray of light, Confessions on a dance floor, y sobre todo el magnífico Like a Prayer, elogiados desde el momento de su lanzamiento y hoy en día clásicos del pop, han servido para probar que, por encima de todos esos detalles, y musicalmente hablando, Madonna es una artista con una carrera envidiable y sumamente respetable. Aunque, curiosamente, hayan tenido que pasar muchos años para que quienes se mofaban de ella ahora la encumbren para que se les considere "modernos".

Like a prayer
-Like a prayer (5:39)
-Express yourself (4:37)
-Love song (4:52)
-Till death do us apart (5:16)
-Promise to try (3:36)
-Cherish (5:03)
-Dear Jessie (4:20)
-Oh father (4:57)
-Keep it together (5:03)
-Pray for spanish eyes (5:15)
-Act of contrition (2:19)

1989. Sire Records
Compuesto por Madonna y Patrick Leonard, excepto Love song (Prince y Madonna), y Express yourself y Keep it together, por Madonna y Stephen Bray.
Producido por Madonna, Patrick Leonard y Stephen Bray (y Prince en el tema Love song).

Power, Corruption & Lies - New Order

2008-04-15T13:31:04+00:00

Con su segundo álbum de larga duración, la banda de Manchester termina por confirmar su nueva propuesta sonora tras la muerte de Ian Curtis y la consiguiente desaparición de Joy Division. Si su primer trabajo se muestra un tanto titubeante en cuanto a lo que algún día llegarán a ser por sí mismos, con Power, corruption & lies asientan totalmente su particular sonido, deudor tanto de la oscuridad lóbrega de sus obras con Curtis como de una acertada y particular utilización de las fuentes electrónicas para aportar un toque actual y específico a sus canciones. Tanto, que de hecho firman su primera obra maestra en una discografía particularmente perfecta, sin necesitar siquiera incluir dentro del álbum sus exitosos y magníficos singles. Toda una declaración de intenciones y una muestra de seguridad en sí mismos nada habitual que ya comienza en una sorprendente portada en la que no aparece el nombre de la banda ni el título por ningún lado (el diseño del habitual Peter Saville, reproduce un cuadro del pintor francés Henri Fantin-Latour).

Pero es que no es para menos. Cuando un disco se abre con una enérgica línea de guitarra que se repetirá obsesivamente durante toda la canción, a la que se unirá una excelente base rítmica a cargo de Stephen Morris, y que se apoya puntualmente en melodías de bajo y sintetizadores y una letra cantada por Bernard Sumner con sus habituales mensajes imaginativos y naif, se puede suponer que no se está ante un álbum cualquiera. Es Age of consent una impagable forma de comenzar, aunque el resto del disco no le irá a la zaga. Todo lo contrario, de hecho: tras un arranque musical movido y alegre, se abate la oscuridad con la valiente, difícil e hipnótica We all stand. Peter Hook se luce con un bajo retorcido y lóbrego adornado por etéreas notas de sintetizador a cargo de Gillian Gilbert, para una canción de atmósfera depresiva apoyada hasta en la forma de cantar, y que retrotrae al sonido Division de forma excelente.
Un nuevo cambio de ritmo llega con The village, uno de los primeros ejemplos de la conjunción rock-electrónica de los que New Order fueron tanto precursores como abanderados. Una compleja sección rítmica y unas guitarras excelentes sirven como cuerpo para una canción movida de letra intrascendente pero curiosa. Y a continuación, otro momento de especial brillantez llega con 5-8-6, que arranca con una sección instrumental en la que la banda juega con una caja de ritmos y repetitivas melodías de guitarra y bajo; la sección concluye y desde la lejanía nos llega la verdadera canción, un temazo de ritmo rápido con un bajo impresionante, guitarras que puntean con acierto, y momentos instrumentales entre las estrofas cantadas en las que juegan de diversos modos con batería, sintetizadores y guitarras. Especialmente destacable el impresionante riff de guitarra de la parte final, uno de los mejores de su carrera.
La segunda parte del trabajo se abre con Your silent face, un hermoso medio tiempo en el que la voz apesumbrada de Sumner se acompaña por una magnífica arquitectura de melodías de teclado a cargo de Gillian Gilbert, con diversos sintetizadores que remedan cuerdas y secciones de viento. Y el bajo y guitarras dando la réplica a las estrofas cantadas es toda una maravilla. A continuación, regresan a su particular mezcla de rock y electrónica con Ultraviolence, dominada de nuevo por un ritmo rápido, y variadas melodías de bajo y guitarras. Repiten con Ecstasy, aunque en este caso domine más la electrónica que en el tema anterior. En el tema utilizan con profusión un vocoder que desgrana una letra prácticamente ininteligible, y cada músico vuelve a desarrollar diversas melodías con sus instrumentos preferidos.
Y si el arranque de este gran álbum era impresionante, el final lo es aún más. Y es que Leave me alone es una canción absolutamente arrebatadora, desde los acordes iniciales de un bajo inmenso, una guitarra asombrosa que se lucirá de forma especialmente brillante a lo largo del desarrollo del tema, y un ritmo obsesivo para una canción paradójicamente triste en la que Bernard canta de modo melancólico una de sus mejores y más certeras letras. Una canción mítica, que se adelanta en más de veinte años a cualquier intento posterior de dignificación del pop-rock como estilo capaz de construir joyas musicales. Una de las muchas canciones que han hecho justamente grandes al cuarteto británico.

Con Power, Corruption & Lies, New Order demostraron que habían conseguido algo tan sumamente difícil como despojarse del fantasma de Ian Curtis y Joy Division y que, sin renegar de haber sido parte de uno de los mitos más incorruptibles de la música británica, podían evolucionar hacia nuevos caminos, manteniendo los elementos más interesantes de su obra pasada y absorbiendo las tendencias del momento para, de hecho, convertirse en pioneros de una nueva forma de hacer música que llegaría con los años. Entregando, en el camino, un puñado de álbumes míticos y de canciones de singular belleza y complejidad sonora.

Power, Corruption & Lies
Age of consent (5:15)
We all stand (5:14)
The village (4:37)
5 8 6 (7:31)
Your silent face (6:00)
Ultraviolence (4:52)
Ecstasy (4:25)
Leave me alone (4:41)

1983. Factory Records.
Compuesto por New Order.
Producido por New Order.

Thriller - Michael Jackson

2008-04-14T15:59:26+00:00

El sexto álbum como solista del artista norteamericano Michael Jackson (tras su etapa Motown, es el segundo de su fructífera colaboración con Quincy Jones, después del exitoso Off the wall) es, indudablemente, uno de los más importantes de la historia de la música. Editado en noviembre de 1982, pasó un tanto desapercibido al principio, en parte por la polémica y racista decisión de la cadena de televisión MTV de pasar el videoclip de su primer sencillo, Billie Jean, únicamente de madrugada. Pero el boca a boca obligó a la cadena a cambiar, y cuando poco después John Landis filmó el celebérrimo videoclip de Thriller, se hizo historia.
La importancia de este disco es capital en muchos sentidos: inauguró la época de los superventas masivos, abrió al mundo la presencia de la hasta entonces poco conocida música negra, y puso al videoclip como elemento fundamental de promoción y consumo de la música. Obviamente, nada de esto hubiera sucedido precisamente con Thriller si no se tratase de un disco grandioso. Que lo es.

El arranque de esta perfecta máquina de pop, soul y funk producida con exquisitez por Quincy Jones es rompedor: los seis minutos de la arrebatadoramente bailable Wanna be startin' somethin' ofrecen al oyente una más que prometedora pista de lo que se va a encontrar a lo largo del disco. Con una base rítmica irresistible, la voz de Michael arropada por coros canta una canción totalmente bailable con un ritmo que se apodera de tu cuerpo. Baby be mine recupera el mejor sonido motown con toques de modernidad, mientras que el dueto con Paul McCartney en The girl is mine se convierte en una modélica balada romántica.
Una puerta chirriante, pasos, truenos y al aulido de los lobos dan paso a una de esas canciones míticas por derecho propio. Thriller, puro funk con arreglos de primer orden y estribillo inolvidable, hubiera justificado por sí solo el disco que titula; todo es sublime en el tema, desde la melodía de bajo sintetizado que conduce toda la canción, las estrofas y su célebre estribillo, los efectos de sonido y la voz cavernosa y risa demoníaca de Vincent Price que le sientan como un guante.
Pero la artillería pesada no ha hecho sino comenzar: le sigue Beat it, puro rock bailable magníficamente acompañado por la guitarra de Eddie Van Halen, y el ritmo contagioso hasta límites insospechados que ofrece Billie Jean, acaso el mejor tema del disco, con un excelente Jackson en el tratamiento vocal para un dance-pop que hace batir palmas y bailar de forma casi irremediable.
Human nature es un tema soul muy bien producido, mientras que P.Y.T. (Pretty Young Thing) recoge, como buena composición de Quincy Jones, el sabor de la música negra más clásica. Para cerrar el disco, una nueva balada, The lady in my life, con sabor clásico y muy comercial.

Era Thriller un disco concebido para resultar un éxito. Off the wall había demostrado a Jackson y Jones que su propuesta podía alcanzar cotas insospechadas a nada que se abrieran a otros públicos. Había que lograr que todos los temas del disco tuvieran su peso y que se acercasen a distintos gustos. Y había que componer auténticos temazos que, recibiendo con los brazos abiertos multitud de influencias, sonasen totalmente nuevos. Sumando a todo ello la inmejorable publicidad que suponía utilizar el naciente mercado del videoclip para pergeñar un asombroso tour de force de 13 minutos de duración con coreografías y pasos de baile nunca vistos por un grupo de muertos vivientes, se puede llegar a entender que estemos ante el trabajo discográfico más vendido de la historia. No era para menos.

Thriller
Wanna be startin' somethin' (6:02)
Baby be mine (4:20)
The girl is mine (3:42)
Thriller (5:57)
Beat it (4:17)
Billie Jean (4:57)
Human nature (4:05)
P.Y.T. (Pretty Young Thing) (3:58)
The lady in my life (4:57)

1982. Epic Records.
Compuesto por Michael Jackson, excepto Baby be mine, Thriller, y The lady in my life, por Rod Temperton, Human Nature (John Bettis y Steve Porcaro) y P.Y.T. (James Ingram y Quincy Jones)
Producido por Quincy Jones.

Tales of mystery and imagination - The Alan Parsons Project

2008-05-29T19:28:52+00:00

El reputado ingeniero de sonido y productor Alan Parsons tenía muchas inquietudes musicales desde hacía años y decidió volcarlas finalmente en su propio proyecto musical, a mediados de los 70. Contó para ello con la inestimable ayuda de su compañero Eric Woolfson (que aportaría mucho de la labor compositiva al grupo) y el arreglista orquestal Andrew Powell, y para su primer trabajo tuvieron la osadía de crear un trabajo conceptual que buscaba musicalizar varias obras del gran escritor norteamericano Edgar Allan Poe. Aunque en mi modesta opinión no consiguen lo que quizá pretendían (darle a las oscuras obras de Poe un envoltorio musical) debido a la práctica imposibilidad de lograrlo, lo cierto es que consiguen, sin embargo, un disco magistral, uno de los mejores de su larga carrera, al tiempo que uno de los menos conocidos, una auténtica confluencia de talentos que dan como resultado un trabajo fantástico a descubrir.

El disco, lanzado originalmente en 1976, no pudo incluir algunos elementos que los miembros del grupo consideraban fundamentales, el principal la participación del gran Orson Wells. Elementos que se recuperarían en la reedición de 1987 en formato CD. Así, finalmente se pudo escuchar el disco como se habría pretendido en un principio. Por lo tanto, el arranque del álbum resulta finalmente un declamado de Wells que sirve como introducción lírica al instrumental A dream within a dream, un tema atmosférico en el que con sintetizadores y un bello fraseo de guitarra eléctrica crean un magnífico instrumental introductorio; un excelente bajo sirve de puente entre este tema y el siguiente, The Raven, que se apoya en el inolvidable poema de Poe y en la letra de éste cantada con un efecto de vocoder, en un tema espectacular de rock progresivo, con un juego de estrofas calmadas y enérgicas que se turnan según avanza el poema. Uno de los puntos álgidos del disco, sin duda, para la primera gran canción del Project.
Comentar, al respecto de este tema, que se suele indicar erróneamente que este es el primer tema musical que utiliza este deformador de voz, pero sin contar usos cinematográficos -aunque en temas musicales- a partir de los años 40, por ejemplo Wendy Carlos lo utilizó para su espectacular banda sonora de La naranja mecánica algunos años antes.

Otro tema enérgico y rompedor es The tell-tale heart, basado en uno de los mejores cuentos de terror escritos jamás, y que la banda recrea con unos gritos iniciales del vocalista Arthur Brown y una sección inicial y final muy rockera y movida, con un sorprendente interludio muy bien instrumentado y cantado por Jack Harris.
Por su parte, The cask of Amontillado recrea la historia original de Poe mediante una balada de acertadas estrofas y colchón de instrumentación de cuerda de gran calidad, que muta gracias a ambiciosos interludios con importante presencia de una poderosa sección de viento. Continúan con (The system of) Dr. Tarr and Professor Fether, otro tema de rock progresivo con profusión de voces tratadas en los coros que recrean los locos del cuento original.

A continuación, en el intento de musicalizar uno de los mejores y más conocidos cuentos de Poe, llega la larga suite orquestal The fall of the house of Usher,dividida en cinco partes. La primera y más larga, Prelude, comienza de nuevo con una introducción hablada a cargo de Wells, y un tema muy cinematográfico en su factura, con diversas melodías orquestadas a lo largo de su desarrollo.Arrival comienza con el sonido de una tormenta y un siempre impactante órgano en segundo plano, que se verá superado por un bucle de sintetizador muy acelerado y por una posterior orquestación acompañada esta vez de una batería muy marcada. El corto Intermezzo añade melodías tétricas y opresivas, que llevan a Pavane, la parte más melódica y recordada de la suite, con varios instrumentos del rock clásico enlazando diversas melodías que se van acumulando en un crescendo progresivo. Finalmente, los sonidos más opresivos, casi insoportables, de la orquesta manteniendo unas pocas notas, junto con efectos de sonido, narran, en Fall, el definitivo hundimiento de la casa Usher. Sin un corte, el disco llega a la balada final, la preciosista To one in paradise, cantada por Terry Sylvester acompañado a los coros por los propios Parsons y Woolfson junto a otro de voces blancas. Una magnífica forma de terminar un grandioso disco.

La portada del vinilo original. El re-lanzamiento en formato CD en 1987 incluiría la introducción inicial de Wells y otros cambios menores.

Tales of mystery and imagination, como el primer disco de The Alan Parsons Project, supone encontrarse con muchos de los elementos comunes que desarrollará la banda en su reconocida carrera posterior. Curiosamente, es quizá el más ambicioso de sus trabajos (yo diría que el que más hasta la colaboración de las dos cabezas pensantes del grupo en el proyecto Freudiana) y suele criticarse el haber dejado un tanto de lado los prometedores retazos de rock progresivo de este álbum para acercarse a un pop-rock más al uso. No me parece justo, teniendo en cuenta la calidad de la carrera de la banda posterior a este disco. También es cierto que, si bien la musicalización del especial universo de Poe supone su banalización, y por lo tanto era ésta una apuesta perdida, desde el punto de vista musical lo que queda es un atrevido trabajo musical, repleto de buenos momentos, con una producción magnífica, y que se escucha incluso con mayor agrado que otros trabajos más reconocidos como I Robot o Eve.

Tales of mystery and imagination
-A dream within a dream (4:14)
-The Raven (3:57)
-The Tell-Tale heart (4:38)
-The cask of Amontillado (4:33)
-(The system of) Dr. Tarr and Professor Fether (4:20)
-The fall of the house of Usher:
Prelude (7:02)
Arrival (2:39)
Intermezzo (1:00)
Pavane (4:36)
Fall (0:51)
-To one in paradise (4:46)

1976. Charisma Records.
Compuesto por Alan Parsons y Eric Woolfson. Instrumentales de The fall of the house of Usher por Andrew Powell.
Producido por Alan Parsons.

The head on the door - The Cure

2008-03-06T13:55:29+00:00

Es "The head on the door" el disco que siempre, y sin dudarlo, recomiendo a los recién llegados al sonido The Cure. No es el mejor de sus trabajos (aunque es realmente fantástico), ya que estaría un pasito por detrás de mitos como Pornography y Disintegration, pero me parece el más completo a la hora de dar a conocer la propuesta musical del grupo británico de la forma más homogénea y correcta. Porque The head on the door es un gran disco que incluye esos singles perfectos que Robert Smith y compañía creaban con envidiable sencillez, junto con una representación de los temas oscuros de su primera época, agradables retazos de experimentación sonora, y grandes canciones a descubrir de su repertorio de los 80. Es, pues, un disco muy completo, gusta al oyente prácticamente desde su primera escucha.

En algunas ocasiones, The Cure conseguían hacer canciones 100% New Order que sonaban tan bien o mejor que la banda de culto de Manchester. El fabuloso arranque del disco, In between days, es uno de esos casos. Un temazo memorable, de los mejores de una banda justamente famosa por la gran calidad de sus sencillos, con una apabullante conjunción de melodías de guitarra para acompañar la peculiar voz de Robert Smith; una canción para la historia.
A partir de aquí, el disco deriva por varias propuestas como Kyoto song, con su repetitivo estribillo instrumental y obvio aire oriental, o la sorprendente y comedida mezcla de guitarra española y sabores arábigos para la curiosa The blood. Unos Cure juguetones y vitalistas aparecen en los juegos instrumentales y vocales de la divertida Six different ways, mientras que el inmenso y sobrecogedor arranque instrumental de Push nos muestra a una banda en estado de gracia. Lo mismo sucede con la peculiar y efectiva forma de recoger los fundamentos del tecno-pop británico de los primeros 80 y deconstruirlos para llevarlos totalmente a su terreno ofreciendo en el proceso una canción maravillosa como es The baby screams.
Y en este momento llegamos al otro punto álgido del disco, con la celebérrima Close to me, engañosamente sencilla canción construida con una de las líneas de bajo más increíbles que recuerdo, sección rítmica a base de palmas y pequeñas melodías juguetonas y naif construidas con teclados, para un resultado arrebatador e insuperable. Otro tema absolutamente mítico.
Con A night like this, The Cure nos devuelve su sonido guitarrero tan inconfundible, presentando otra canción sobresaliente de oscura atmósfera y estribillo sobrecogedor. Screw, con su difícil conjunción de armonías atonales, pasa quizá por el momento más flojo del trabajo, aunque destaca el atrevimiento final de la canción en sí, mientras que para cerrar la obra eligen regresar a su sonido más clásico con la muy apreciable Sinking, dominada de nuevo por un excelente bajo y variedad de armonías que le aportan complejidad y belleza.

Banda de capital importancia en el devenir de la música británica desde los últimos años 70, The Cure tienen en su haber un buen número de canciones y discos de primerísimo nivel. A la hora de elegir una forma de entrar en su particular universo sonoro, quizás The head on the door, una excelente muestra de su trabajo, sea una de las más acertadas. Disco más optimista de lo habitual en la banda, con algunas canciones luminosas y de sonido alegre, junto con otras que recuperan su sonido más característico, temas históricos y algunos detalles juguetones, hacen de éste un trabajo de los mejores de su larga discografía y una buena puerta de entrada en su sonido.

The head on the door
-In between days (2:57)
-Kyoto song (4:16)
-The blood (3:43)
-Six different ways (3:18)
-Push (4:33)
-The baby screams (3:44)
-Close to me (3:24)
-A night like this (4:15)
-Screw (2:38)
-Sinking (4:54)

1985. Fiction / Elektra.
Compuesto por Robert Smith
Producido por Dave Allen, Howard Gray y Robert Smith.

Zoolook - Jean-Michel Jarre

2008-04-07T13:29:55+00:00

La idea de que la voz humana, convenientemente procesada, se convirtiera literalmente, en un instrumento más a la hora de ser utilizado en un tema musical, no era novedosa en 1984. Algunos trabajos, en especial el seminal "My life in the bush of ghosts" mostraban lo llamativo de tan original propuesta. Por esta razón en ocasiones se ha minimizado la importancia de Zoolook, el quinto trabajo de Jean-Michel Jarre, de forma quizá un tanto injusta. En primer lugar porque si bien es cierto que no es el primero en utilizar dicha técnica, tiene muchas papeletas para ser el mejor y más redondo de todos. Y en segundo lugar porque el trabajo de investigación y preparación del disco venían de más atrás, desde 1982, por lo que en todo caso, no sería justo acusar al francés meramente de copiar conceptos ajenos sin plantear algunas ideas propias.

Zoolook es el disco más experimental y arriesgado de Jarre. Su música, efectista y comercial, que tantos éxitos le ha dado y le daría en el futuro, se transforma aquí de modo sorprendente. La calidad final del sonido, la cuidada producción de los temas, se mantiene como siempre, pero las imaginativas formas de post-procesar voces humanas en multitud de idiomas, grabadas por el prestigioso antropólogo francés Xavier Bellenger, para insertarlas como secciones armónicas en los temas musicales propuestos, supone una forma sorprendente y original de presentarlos.

La propuesta queda definida de forma particularmente brillante en el primer corte del disco, Ethnicolor. Un tema fabuloso, para mí el mejor de cuantos ha compuesto el músico francés, que resulta particularmente difícil definir. Arranca con una especie de grito, aunque no lo sea, que da paso a una voz que aparentemente tararea una melodía que genera una gran tristeza, entre efectos varios y añadidos de variedad de voces tratadas. El tema, dispuesto en dos partes, se metamorfosea en su segunda sección al adquirir velocidad mediante una base rítmica montada de nuevo por sampleos de voces y con unas melodías de sintetizador de tono épico realmente inspiradas.
Tras semejante carta de presentación, que justifica por sí sola la compra del disco, se mantiene el nivel. Diva, otro de mis cortes favoritos, también está dividida en dos partes. Con la colaboración de la voz de Laurie Anderson, la primera parte es de nuevo calmada, con sampleos de voces y pequeñas secciones melódicas que acompañan el fraseo de la Anderson, misterioso y atrayente; con una impresionante base de ritmo montada con al menos tres procesados de voces distintos, la segunda parte, más rápida, vuelve a contar con Laurie fraseando con su particular estilo. De nuevo, un tema maravilloso y llamativo.
Jarre suele incluir en sus discos temas acelerados, comerciales, con melodías pegadizas, singles descarados. Podría pensarse que el corte Zoolook lo es, y de hecho lo es, pero se mantiene la propuesta del disco con una canción que vuelve a recurrir a las voces procesadas y a los diversos efectos tanto en la base rítmica como en la melódica, aportando así un toque distintivo y especial a una canción rápida y efectiva. Wooloomooloo es por su parte un corte de sonido misterioso, con un tono casi industrial basado en un sampleo muy grave y diversos efectos añadidos. Un tema extraño que entona perfectamente con el estilo del disco.
Zoolookologie es el otro tema extraído como sencillo, y de nuevo muestra la capacidad de Jarre para crear pequeñas joyas efectistas para todos los públicos, utilizando esta vez una voz procesada para tararear la pegadiza melodía, arropada por múltiples efectos sonoros. Para finalizar el disco, Blah Blah Cafe, con un ritmo muy marcado y melodía principal de sintetizador muy modificado, es un tema que ya utilizase, tal cual, en Music for the Supermarkets. Y un rumor lejano sobre el que unas etéreas líneas de sintetizador y unas notas de voz, acompañadas por cuerdas sampleadas, y de nuevo el tono triste, dan por concluido el disco con la breve Ethnicolor II.

No fue Zoolook un disco bien recibido. Jean-Michel Jarre era un músico de éxito que no tenía acostumbrados a sus fans a experimentos más complejos y atrevidos que la media de su obra, por lo general más efectista y grandilocuente (aunque, a mi juicio, eso no le resta un ápice de calidad). También recibió críticas negativas de la prensa especializada, que fue incapaz de escucharlo sin el incomprensible prejuicio de que "no era original". El propio Jarre ha declarado en más de una ocasión, sin embargo, que se trata de su disco favorito, y es normal que le tenga tanto cariño. Se trata de un disco especial, uno de esos trabajos que suenan distintos, originales y atemporales, en el que se volcó mucho empeño y trabajo, y que el tiempo, afortunadamente, ha colocado en su justo lugar.

Zoolook
-Ethnicolor (11:40)
-Diva (7:35)
-Zoolook (3:42)
-Wooloomooloo (3:18)
-Zoolookologie (3:50)
-Blah-Blah Cafe (3:20)
-Ethnicolor II (3:53)

1984. Disques Dreyfus
Compuesto por Jean-Michel Jarre.
Producido por Jean-Michel Jarre.

Stella - Yello

2008-02-27T15:32:42+00:00

El cuarto trabajo de estudio del dúo formado por Boris Blank y Dieter Meier (tras su segundo álbum el tercer componente, Carlos Perón, abandonó el proyecto para comenzar una carrera en solitario) es quizá la mejor puerta de entrada para conocer la original propuesta de Yello. Quizá por ser suizos recogen por igual los conceptos germano (más experimental) y británico (más melódico) de la música electrónica, mezclándolos en su original propuesta con los añadidos de un estilo muy cinematográfico y la inconfundible voz grave de Dieter Meier, tan semejante a la del maestro Leonard Cohen. Investigando las posibilidades de la variación en la voz humana, y buscando siempre originales bases rítmicas, la música de Yello se convierte en una de las más originales de la música electrónica de finales de los 70 y principios de los 80.

Stella se abre con el tema Desire, que concentra buena parte del típico sonido Yello, con una base rítmica sobre la que se van sumando efectos y la profunda voz de Meier, para una canción sobresaliente. Con Vicious Games, prefijan otra de sus señas de identidad, el de los temas que funcionan perfectamente como atmósferas; el tema, rápido y pegadizo, cuenta con el acertado acompañamiento solista de Rush Winters. A continuación, el tema más conocido del dúo, ese irónico Oh yeah basado en diversos ritmos de batería y caja de ritmos y voces pasadas por el vocoder que se ha convertido en una suerte de himno sexual de forma bastante sorprendente.
Aparentes ritmos y voces tribales, cortados por una guitarra muy tecnificada, dan comienzo a Desert Inn, de nuevo un complejo juego de voces y melodías sintetizadas, esta vez con el acompañamiento puntual de una guitarra muy rockera. Por su lado, Stalakdrama es un tema muy atmosférico, con unos sintetizadores muy marcados que le dan un acertado toque de misterio que se rompe en varias ocasiones con una fanfarria también sintetizada. Otro de los momentos más experimentales llega con Koladi-ola, en la que mezclan diversos efectos vocales y de sonido para acompañar una voz distorsionada hasta el punto de que simula el de un rockero glam. Arrancando con un acertado riff de guitarra, y con un impresionante fondo rítmico acelerado y una voz que semeja la de un predicador, llegamos a Domingo, uno de los más redondos temas del álbum. Sometimes (Dr. Hirsch) es otro tema típicamente Yello, con melodías atmosféricas y la voz de Meier con efectos de eco. Let me cry reincide en la combinación de base rítmica efectista y voz misteriosa, con interludios más atmosféricos. Ciel ouvert es un tema prácticamente instrumental, calmado y atrayente, muy en la línea de las enseñanzas alemanas. Para finalizar, Angel no resume la propuesta del dúo con su sorprendente mezcolanza de voces sintetizadas, efectos y armonías, concluyendo así un disco muy sorprendente e innovador.

Yello es un grupo de culto, con férreos seguidores pero poco conocido y valorado fuera de éstos. Los fans habituales de la música electrónica más clásica no aceptaban los conceptos casi bailables y en parte cinematográficos del dúo. Por su lado, los aficionados al tecno-pop en sus distintas variantes encontraban la propuesta de los suizos demasiado compleja y extraña para su gusto. Es indudable, sin embargo, la importancia que en su momento Yello tuvieron como adelantados en la investigación sonora, y cómo contribuyeron a la historia de la música electrónica con una serie de discos memorables. Resultan una propuesta más difícil que la media, pero resultan sumamente interesantes.

Stella
-Desire (3:42)
-Vicious games (4:20)
-Oh yeah (3:04)
-Desert Inn (3:30)
-Stalakdrama (3:06)
-Koladi-ola (2:57)
-Domingo (4:33)
-Sometimes (Dr. Hirsch) (3:35)
-Let me cry (3:30)
-Ciel ouvert (5:26)
-Angel no (3:07)

1985. Vertigo Records.
Compuesto por Yello.
Producido por Boris Blank.

Purple rain - Prince

2008-02-09T13:20:09+00:00

Prince era más que una promesa en 1984. Ya su anterior disco, el doble 1999, mostraba de lo que era capaz compositivamente hablando, al tiempo que permitía entrever que su atrevimiento a la hora de acercarse a la música implicaba el desprecio absoluto a las normas económicas de la industria. Aún así, su primera obra maestra resultó toda una sorpresa para casi todos. Con Purple Rain, el pequeño sátiro de Minneapolis rompió casi todas las barreras (si no contamos Thriller, el pelotazo de Michael Jackson), al componer una obra que conjuntaba a la perfección el rock americano más clásico con la mirada del músico, limpia de prejuicios, sobre las posibilidades tecnológicas a la hora de ofrecer un plus de originalidad sonora a sus temas musicales. Resumiendo lo mejor que había hecho hasta entonces, y mostrando algunas de las cosas que estaban por venir, Prince presentó un álbum, banda sonora de canciones de la película del mismo título, imprescindible y magistral, una de las cumbres de los años 80.

Ya el arranque del álbum resulta demoledor: con un órgano de iglesia sosteniendo las notas y Prince con efecto de eco en la voz, como un predicador, se abre el camino de Let's go crazy, con una rápida batería, rockeros riffs de guitarra y sección melódica de teclados y voz, un auténtico temazo 100% Prince. Es, por supuesto, el principio. Con curiosos arreglos de cuerda y estribillo inolvidable, el dueto de Prince con una de sus protegidas, Apollonia Kotero, Take me with U es un delicioso tema pop de impecable factura y enorme personalidad propia. A continuación, Prince entrega un cuidado tema soul, The beatiful ones, en el que canta en falsete con mesura al principio, para desmelenarse conforme se lleva al final. Acompañado por Wendy & Lisa, Computer Blue regresa al reconocible sonido de 1999, con un tema muy funky en el que Prince intercala impresionantes solos de guitarra. Darling Nikky es quizá la apuesta más arriesgada del disco, un medio tiempo de extraños arreglos y escabrosa letra sobre la masturbación femenina que levantó ampollas en su época.
Otro de los grandes caballos de batalla del disco es la célebre When doves cry, construida de forma poco ortodoxa con una pegadiza línea de teclados, sección de batería experimental, y ausencia total de bajo, para terminar presentando un tema único en su factura en el que se reconoce al mejor Prince, el que quiebra y sobrepasa lo que se entiende por comercial. I would die 4 U es otro tema excelentemente bien construido, un pop con toques de soul y estribillo de nivel, que continúa sin detenerse y en una transición pocas veces igualada con la más acelerada y alegre Baby I'm a star, de nuevo uno de esos temas con los que Prince te obliga a saltar de la silla y ponerte a bailar. Seguramente no existía mejor forma de concluir el disco que con la celebérrima balada Purple Rain, una joya compositiva con una producción impecable (y sin embargo nada efectista), en la que Prince da rienda suelta a su gusto por el canto y la creación de melodías con su inseparable guitarra para un tema mítico.

Con este disco, Prince inicia un tramo de su carrera al alcance de muy pocos en la historia de la música, en lo que se refiere a calidad compositiva y resultado final. Si no se incluyen 1999 ni Lovesexy (dos discos que para cualquier otro resultarían magistrales), a lo largo de los 80 Prince presenta nada más y nada menos que Purple Rain, Around the world in a day, Parade, Sign 'o' the times, y el Black Album. Un insuperable derroche de energía y talento que obviamente no podía ser superado en años venideros. Aunque en los años posteriores seguiría regalando a sus fans de cuando en cuando con discos a la altura de su leyenda.

Purple rain
-Let's go crazy (4:39)
-Take me with U (3:54)
-The beautiful ones (5:14)
-Computer blue (3:59)
-Darling Nikky (4:14)
-When doves cry (5:54)
-I would die 4 U (2:49)
-Baby I'm a star (4:24)
-Purple rain (8:41)

1984. Warner Bros Records.
Compuesto por Prince.
Producido por Prince.

Trans-Europe Express - Kraftwerk

2008-02-03T20:22:39+00:00

Tras sus dos éxitos previos, Autobahn y Radioactivity, la formación alemana Kraftwerk comienza la que a la larga se convertirá en trilogía fundamental para entender la música popular de finales del siglo XX con su álbum Trans-Europe Express. Quizá su álbum más totémico, aquel que ofrece el ejemplo más puro del concepto kraftwerkiano de la música. También uno de los más accesibles, y desde luego uno de los mejores. Cuando se lanza, en 1977, termina por concretar los elementos que ya existían en Radioactivity en lo que a novedad musical se refiere, pasando por ser el primer trabajo que realmente supuso una revolución para los jóvenes oyentes de la época y que poco después comenzarían a hacer su propia música.

El comienzo del álbum no puede ser mejor: el largo y fascinante himno melódico Europe Endless, conformado por una exquisita conjunción de secuencias armónicas sintetizadas, doble base rítmica, y cantos adornados con diversos efectos de vocoder, que musicaliza a la perfección el ya olvidado placer de un largo viaje en tren entre interminables paisajes fugaces. The hall of mirrors es un tema más rudo en su propuesta, con un texto más fraseado que cantado y unas pocas líneas de melodía en primer plano que se repiten incesantemente y varian calmosamente dando como resultado un corte minimalista e hipnótico. Los Kraftwerk precursores de la música sintética británica se muestran en Showroom Dummies, un tema más acelerado, obvio padre del synth-pop, con una curiosa letra acerca de unos maniquíes que escapan de su escaparate para irse a bailar a un club.
Con Trans-Europe Express, Kraftwerk construyen uno de sus temas más reconocibles y completos, una larga oda repleta de secuencias melódicas más o menos desarrolladas bajo una hipnótica base rítmica. Rizan el rizo con Metal on metal, que no es sino la continuación del tema anterior (sin corte alguno), el añadido de una base rítmica aún más pronunciada al comienzo, y diversas variaciones sobre las melodías durante todo su desarrollo. El doble tema finaliza con el sonido de la llegada del tren, aunque el viaje aún no ha terminado. Basándose en la parte de las secuencias armónicas de Europe Endless que servían como base rítmica, Franz Schubert construye un evocador tema en el que se añaden líneas de sintetizador imitando la entrada de instrumentos en la música clásica, con particular acierto y cuidada contención. Endless Endless es poco más que un efecto, un guiño con el que cerrar el viaje como comenzó, con la misma secuencia armónica y las voces pasadas por el vocoder que repiten "Endless" (sin fin) y que perfectamente servirían para que el disco comenzase de nuevo sin apenas notar que ha acabado.

Con Trans-Europe Express, el grupo alemán comienza una época de especial madurez estilística y termina de concretar su mito como padres de la música electrónica. Sin necesidad de autoafirmarse con experimentos de particular dificultad y tal vez un poco onanistas, Kraftwerk consigue su particular sonido y abre las puertas para toda una forma de entender la música fuera del ámbito del rock. Construye álbumes ajenos a cualquier moda, y que siguen sonando más modernos, audaces y valientes que prácticamente cualquier cosa que se edita hoy en día. Dentro de ellos, Trans-Europe Express es una de sus propuestas más interesantes y accesibles.

Trans-Europe Express
Europe Endless (9:40)
The hall of mirrors (7:54)
Showroom dummies (6:13)
Trans-Europe express (6:52)
Metal on metal (6:43)
Franz Schubert (4:26)
Endless endless (0:55)

1977. Capitol Records
Compuesto por Ralf Hütter, excepto Europe Endless/Endless endless, por Ralf Hütter y Florian Schneider, The hall of mirrors, por Ralf Hütter, Florian Schneider y Emil Schult, y Trans-Europe Express, por Ralf Hütter y Emil Schult.
Producido por Ralf Hütter y Florian Schneider.

Their Satanic Majesties request - The Rolling Stones

2008-02-03T20:11:54+00:00

El disco maldito de los Stones. En cierto modo, casi es necesario que una banda importante tenga uno de ellos, porque casi siempre, a la larga, se demuestra que sirve para otorgar un mayor punto de calidad y respetabilidad a una discografía. En 1967, con el grupo inmerso en multitud de problemas derivados de las drogas, se lanza lo que, desde la portada, se intuyó como una mera copia del por entonces totémico Sgt. Pepper's de los Beatles. Esto hizo que se convirtiera rápidamente en un disco rechazado tanto por los seguidores de la banda como por la crítica del momento. Lo curioso es que, en retrospectiva, se trata de un disco bastante ajeno al Pepper's, mucho más basado en el rock psicodélico, y quizá la mejor muestra de lo que la banda podía dar de sí en el trabajo en estudio. Sigue siendo hoy en día un disco controvertido, defendido con uñas y dientes por un correoso grupo de fans y vapuleado por el resto. Quizá la mejor forma de acercarse a él sea olvidando por un momento que se trata de un disco de The Rolling Stones, e intentando descubrir todo lo que lleva dentro sin ideas preconcebidas.

La apertura del disco sirve para descolocar al fan medio de la banda: Sing this all together es un tema bastante poppie de temática hippie que de inmediato aleja del sonido que hasta entonces practica el grupo. La primera diferencia obvia con el Sgt. Pepper's (por aquello de las comparaciones) la encontramos en Citadel, toda una enérgica muestra de rock psicodélico del que el Pepper's carece. A continuación el único tema del grupo firmado por Bill Wyman es la muy aceptable In another land, con la voz del bajista tratada con efectos de eco. Otra excelente canción es 2000 Man, de letra futurista, iniciales acordes folk y progresión psicodélica. El momento más incomprendido del álbum (también el más difícil y, por qué no decirlo, el menos acertado) llega con Sing this all together (see what happens), redefinición del tema de apertura en una suerte de jam session no apta para oídos no entrenados: un tema que quizá hubiera funcionado razonablemente bien en directo.
El tema más conocido y seguramente el mejor del álbum es She's a rainbow, preciosista balada psicodélica con una hermosa melodía de piano y exquisitos arreglos de cuerda de la que sólo se puede criticar por aquello de que es un sobresaliente caramelo pop que se supone los Stones no practicaban. Continúa con The lantern, otra muestra de rock psicodélico, y la extraña Gomper, con una larga parte instrumental final e interesantes instrumentaciones exóticas en el arranque. Uno de los momentos más atrevidos y certeros del disco llega con 2000 light years from home, un tema muy rockero bien complementado con el uso de primitivos sintetizadores y un Mellotron. El disco finaliza con otro buen tema, On with the show.

Sin ser el mejor, en cierto modo sí se puede asegurar que el Satanic Majesties es el disco más atrevido de los Stones. Fue vapuleado por la crítica, que se despistó con el single She's a rainbow y no se dio cuenta de que ante todo el disco es una excelente muestra de rock psicodélico, y por los seguidores de la banda que se sintieron traicionados con tanta experimentación y tanto supuesto acercamiento al espíritu hippie en detrimento de la enérgica propuesta R&B que había hecho grande al grupo. El tiempo, como siempre, pone las cosas en su lugar, y parece indudable que desde hace tiempo es éste un álbum a reivindicar y defender, honesto y valiente en sus propuestas y con mucha más miga de la que pudiera parecer en un principio. Y no, desde luego una veleidad sin sentido de unos artistas consagrados que pensarían que podían hacer cualquier cosa y salir airosos. Pienso que no es el caso, ni mucho menos.

Their Satanic Majesties request
-Sing this all together (3:46)
-Citadel (2:50)
-In another land (3:15)
-2000 Man (3:07)
-Sing this all together (see what happens) (8:33)
-She's a rainbow (4:35)
-The lantern (4:23)
-Gomper (5:08)
-2000 light years from home (4:45)
-On with the show (3:39)

1967. Decca
Compuesto por Mick Jagger y Keith Richards, excepto In another land, por Bill Wyman.
Producido por The Rolling Stones.

Non-stop erotic cabaret - Soft Cell

2008-01-19T21:21:28+00:00

El disco debut de los excesivos, barrocos y originales Soft Cell supuso un éxito inesperado. Y con un disco polémico y difícil como éste, que se asentaba en las corrientes de moda de la música británica del momento, new wave y tecno-pop, para componer una música completamente personal y de original estilo, debió de resultar toda una sorpresa. Grabado en Nueva York con un muy escaso set de instrumentos electrónicos en el que destaca el conocido Synclavier (lo que sorprendentemente no supone una merma en el excelente resultado final), diversas secciones con instrumentación de viento (saxo y flauta), y empapado de polémicas referencias al hedonismo extremo de la escena gay de la ciudad estadounidense, parecía difícil que pudiera llegar a ser un éxito. Pero escondía un as en la manga: una versión sencillamente perfecta de un viejo tema popularizado por Gloria Jones en los primeros sesenta, que se convertiría en uno de los mejores y más populares himnos del tecno-pop británico: Tainted love. Afortunadamente, el talento del dúo daba para mucho más, por lo que presentaron un disco ejemplar, que se apartaba de los cánones más comerciales de la época para ofrecer un disco más comprometido, valiente, y extraño que la media del momento.

Non-stop erotic cabaret se abre con Frustration, remodelación en letra y música del tema del mismo nombre que se contenía en su primer EP autopublicado, Mutant Moments, un tema muy rítmico con un gran trabajo vocal de Almond. Le sigue el mítico single Tainted love, aunque en una versión recortada de su famosa versión completa de ocho minutos de duración que sólo apareció en un hoy en día buscadísimo 12" single y que es una incontestable obra maestra. Curiosamente, sólo necesitaron algo más de dos minutos de la versión del LP para crear un indiscutible éxito mundial.
El primer cambio de tercio llega con Seedy films, un tema lento, new wave, casi un tema de cabaret, con un inolvidable dueto Marc Almond / Josephine Warden narrando la historia de una pareja que, viendo una película pornográfica, él descubre que ella es la protagonista. Y seguidamente, Youth, amargo tiempo lento de primer nivel que dará paso sin corte alguno y en una curiosa pirueta a la enloquecida Sex Dwarf, puro hedonismo descarado de rápido ritmo y fingida sesión de sexo con orgasmo incluida. A partir de aquí, la fiesta parece ir a más, y la doble Entertain me /Chips on my shoulder (dos temas diferentes pero que comparten estilo, base rítmica, instrumentación y simulados gritos festivos) permite disfrutar de la parte más rápida y divertida de la obra.
Bedsitter, con una excelente instrumentación electrónica, destaca de nuevo como uno de los mejores temas del disco (no en vano fue single) con inolvidable estribillo. Un nuevo guiño a la atmósfera cabaret con la pegadiza My secret life dará paso, para cerrar el álbum, a Los Soft Cell más barrocos en la arrebatadora Say Hello, wave goodbye, majestuosa balada musicalizada con enorme talento y con un Marc Almond sencillamente impresionante en el trabajo vocal. Una joya imperecedera que cierra uno de los mejores discos de los años 80.

Non-stop erotic cabaret es quizá el mejor ejemplo de cómo los primeros 80, dominados en la música británica por la utilización de todo tipo de sintetizadores, no fue una época de éxito fácil y escaso talento. Por el contrario, bajo aquella fiebre creadora impulsada por los novedosos sonidos de aquellos modernos instrumentos, surgieron muchos nombres que en carreras por lo general cortas tuvieron tiempo de publicar discos de enorme calidad. El caso de Soft Cell es, a este respecto, casi paradigmático, el de una banda poseedora de un sonido y unas ideas tremendamente originales y una discografía que sólo puede infundir respeto.

Non-stop erotic cabaret
-Frustration (4:10)
-Tainted love (2:34)
-Seedy films (5:04)
-Youth (3:15)
-Sex dwarf (5:12)
-Entertain me (3:34)
-Chips on my shoulder (4:06)
-Bedsitter (3:35)
-My secret life (3:38)
-Say hello, wave goodbye (5:26)

1981. Some Bizarre Records.
Compuesto por Marc Almond y Dave Ball, excepto Tainted love, por Ed Cobb.
Producido por Mike Thorne.

Spiral - Vangelis

2008-02-03T20:02:32+00:00

Vangelis cruzó los 70 henchido de inspiración y creatividad. Prácticamente todos sus discos publicados en esa década se cuentan por obras maestras. Y lo curioso es que, manteniendo intacta su personalidad como autor, cada uno de ellos suena distinto a los demás. Tras Heaven and Hell y Albedo 0.39, Vangelis construye otra de su obras más populares y de mejor calidad, asentado esta vez en la creación de atmósferas electrónicas y la investigación sobre las posibilidades de los secuenciadores. El resultado final, es de nuevo inmejorable.

Compuesto por cinco únicos temas, aunque con de largo desarrollo, el disco se abre con Spiral, concienzuda obra maestra en la que la que descollan capas y capas de líneas melódicas secuenciadas conformando un armazón sin fisuras con inspiradas melodías en primer plano de gran energía. Ballad es un tema más intimista, de acuerdo con su nombre, en el que la voz de Vangelis, tratada con múltiples efectos, tararea melodías arropadas por complejas orquestaciones de sintetizador. A continuación, Dervish D, un tema más rápido, casi funky, enérgico y movido, de nuevo con base de secuenciadores, que, demostrando que la electrónica no siempre tenía que ser solemne, sirvió como ejemplo para muchos futuros compositores tecno-pop, como otras obras de la época de grupos reconocidos como padres del género como Tangerine Dream y Kraftwerk.
La joya del disco y uno de los temas más populares del maestro griego llega con la celéberrima To the unknown man, ejemplo perfecto del "sonido Vangelis" en un tema de melodía engañosamente simple en principio, y que va creciendo poco a poco con la inclusión de capas melódicas y ritmo para finalizar con en un poderoso clímax con tambores marciales de por medio. Una maravilla que por sí sola justificaría todo el trabajo.
Para cerrar la obra, la compleja 3+3, en la que la aparente sencillez de las evocadoras melodías esconde una importante labor compositiva, donde vuelven a brillar las líneas melódicas secuenciadas en un excelente fin de trayecto.

Spiral es un trabajo de aire futurista, como su anterior Albedo 0.39. Sorprende, sin embargo, la clara diferencia en el estilo de ambos, prueba de cómo el talento de Vangelis es por momentos inconmensurable. Utilizando los mejores recursos de la época, el griego presenta uno de sus álbumes más populares y al mismo tiempo más generadores de influencias de toda su carrera. Sin perder su particular estilo, el inquieto músico consigue cerrar su mágica trilogía sin repetirse y con un nivel de talento al alcance de muy pocos.

Spiral
-Spiral (6:55)
-Ballad (8:27)
-Dervish D (5:21)
-To the Unknown Man (9:01)
-3+3 (9:43)

1977. RCA
Compuesto por Vangelis.
Producido por Vangelis.

Revenge - Eurythmics

2007-12-31T20:29:28+00:00

Con una carrera ejemplar, llena de éxitos, grandes discos, y maravillosas canciones, la elección de un álbum de Eurythmics que destaque claramente sobre el resto de su discografía no es fácil. Pero quizá su sexto trabajo de estudio resulte el más completo y representativo de su obra. Conjunta con acierto su capacidad para crear éxitos masivos (Thorn in my side, When tomorrow comes), con temas de enorme nivel que los complementan a la perfección (The last time), baladas de gran clase (The miracle of love), y temas más inclasificables de una incuestionable calidad (I remember you), logrando de esta forma un trabajo sobresaliente.
El sonido de Eurythmics se apuntala en dos elementos fundamentales, como son el talento de Dave Stewart tanto en la instrumentación como en la excelente producción, y la inconfundible y magistral voz de Annix Lennox, acaso una de las mejores de la música moderna. Con estos elementos, y su indudable talento para la melodía, Eurythmics construyen canciones que enganchan desde el primer momento y que aguantan el paso del tiempo con la brillantez del primer día. En este contexto, quizá sea el majestuoso Revenge el mejor modo de acercarse a la música de los londinenses.

Revenge, que por momentos parece más un grandes éxitos que un disco de estudio, abre con Missionary man, una enérgica muestra de new-wave con abundancia de instrumentación de viento. A continuación, Thorn in my side y su inolvidable estribillo repetido con la voz, guitarra y saxofón, y el pop-rock pegadizo de When tomorrow comes, suponen dos éxitos seguros que, situados consecutivamente, terminan por conformar un arranque que deja boquiabierto al fan. Por suerte, la cosa no decae: The last time recupera en parte el sonido de los primeros trabajos del dúo, con esa aparentemente sencilla conjunción de pop-rock y tecno-pop para una canción brillante y llena de ritmo puramente ochentero, lo que volverán a repetir con el mismo acierto en la no menos interesante Let's go, esta vez ayudados por ese indefinible tono latino que tan bien sabían imprimir a algunos de sus temas. La famosa balada The miracle of love, con Annie Lennox luciéndose con su impresionante voz, es un ejemplo perfecto de cómo hacer una gran canción de amor sin sonar empalagoso ni ridículo. Por su parte, Take your pain your pain away recupera el new-wave en un tema rápido y muy rítmico. A little of you es otro tema fantástico, una de esas canciones de Eurythmics que todo el mundo ha escuchado; Annie Lennox vuelve a destacar, acompañada por una instrumentación de cuerdas sutiles para una canción pop modélica con otro estribillo para recordar. El disco finaliza con In this town, otra interesante muestra de new-wave, y I remember you, un curioso tema basado en un ritmo de batería de estilo marcial sobre el que Annie canta tan bien como siempre mientras se añaden melodías con instrumentación de cuerda en segundo plano. Una maravilla con la que cerrar de forma sobresaliente un disco ejemplar.

Como suele suceder, una banda dedicada al "superficial" mundo del pop-rock no siempre alcanza el respeto debido. Si a eso se le suma el éxito comercial, las críticas serán obvias. Es probable que por ello Eurythmics sea hoy en día poco considerado en general, y lo cierto es que echando la mirada atrás y escuchando discos como Sweet Dreams, 1984, Savage o el propio Revenge, al recordar canciones tan perfectas como Here comes the rain again, Sweet Dreams, Doubleplusgood, Love is a stranger, Don´t ask me why, y tantas otras, resulta extraño el aparente olvido (temas estrella aparte) de un grupo que supo como pocos recoger lo mejor de la década de los 80 para aprovecharlo en su característico sonido de forma indiscutiblemente magistral. En mi opinión, los mejores discos de Eurythmics son grandiosos trabajos a redescubrir.

Revenge
-Missionary man (4:31)
-Thorn in my side (4:16)
-When tomorrow comes (4:33)
-The last time (4:16)
-The miracle of love (5:08)
-Let's go (4:15)
-Take your pain away (4:38)
-A little of you (3:58)
-In this town (3:45)
-I remember you (5:02)

1986. RCA.
Compuesto por Annie Lennox y David A. Stewart.
Producido por David A. Stewart.

MCMXC a.D. - Enigma

2007-12-23T21:41:43+00:00

En diciembre de 1990 el mundillo musical se ve sorprendido por la aparición de un curioso y pegadizo single titulado Sadeness, que mezcla ritmos hip-hop, sampleos de flautas sudamericanas, y cantos gregorianos. La inesperada conjunción de tales elementos, la originalidad de la propuesta, el desconocimiento de los responsables del tema, provocó un éxito sin precedentes y el punto de partida para que una etiqueta (irreal, por cierto,en mi opinión) como la New Age se pusiera de moda entre el gran público.
Enigma era, de acuerdo a los títulos de crédito, creación mayoritaria de un tal "Curly M.C.", pseudónimo del que se elaboraron muchas teorías sobre su auténtica personalidad (uno de los nombres más barajados, curiosamente, fue el de Mike Oldfield, que tres años después realizaría un trabajo con reminiscencias estilísticas del que hoy nos ocupa, The Songs of Distant Earth). Problemas legales por la utilización de los samples para los cantos gregorianos del disco hicieron que pronto se descubriera que en realidad el músico de origen rumano y afincado en Ibiza Michael Cretu era el responsable del proyecto Enigma, desvirtuando así la idea del artista de que no importaba quién era el responsable de la música, sino la música en sí misma.

MCMXC a.D. es un disco pensado como una obra homogénea, en la que se vinculan una serie de elementos comunes (bases rítmicas, instrumentos como el piano, voces en francés, flauta peruana, cantos gregorianos) para conformar una obra que se escuche como un todo, al estilo de discos de Pink Floyd o Yes, de los que Cretu se confiesa admirador. El disco se abre con unas notas (que se repetirán como motivo de arranque en todo el resto de su discografía) y un recitado casi hipnótico que presenta "la voz de Enigma". A continuación, un primer tríptico, de título genérico Principles of lust, dividido en tres movimientos, y que comienza por la famosa Sadeness, acertada combinación de ritmo moderno, voz femenina cantando en francés (la de su por entonces esposa Sandra, que tuvo una interesante y hoy olvidada carrera en solitario a finales de los 80) y sonidos antiguos con especial protagonismo de los sorprendentes cantos gregorianos. El segundo movimiento, Find love, comienza con una línea de piano a la que pronto se le añaden elementos, sobre todo un ritmo marcado y el canto de Sandra acompañado de lujuriosos jadeos. El canto gregoriano pasado en reverse de Sadeness da paso al reprise de éste con el que finaliza el primer tríptico. Reprise en el que tiene mayor protagonismo el piano y la flauta peruana, que pasan a un primer plano.
Callas went away es un tema dominado por melodías de piano acompañados por ritmos y con unos sampleos en su parte final de la propia Maria Callas interpretando Werther, de Massenet, a modo de homenaje a la gran intérprete griega. A continuación, el famoso canto gregoriano del Kyrie Eleison, acompañando el canto de Sandra y unos potentes tambores conforman otro momento álgido del disco, Mea Culpa.
Otras de las muchas curiosidades del álbum vienen a continuación, con el corto tema The voice & the snake, en tono experimental y basado en una canción de Aphrodite's Child, y Knocking on forbidden doors, con una base rítmica que simula los golpes en una gran puerta; el tema recupera los elementos comunes de la obra, con cantos gregorianos y líneas melódicas de sintetizador.
El segundo y último tríptico del disco tiene de nuevo un curioso arranque, con Way to eternity, en la que se repiten una y otra vez las cinco notas que se utilizaban como comunicación con los extraterrestres en la obra maestra de Steven Spielberg "Encuentros en la tercera fase", que acompañan cantos gregorianos más lentos y suaves, para continuar con Hallelujah, con un ritmo marcado, glockenspiels superpuestos y cantos árabes, finalizando con la voz del propio Michael Cretu que canta otro de los grandes momentos y excelente despedida del disco, The rivers of belief.

Michael y Sandra Cretu

El éxito de Enigma, combinado con la originalidad de su propuesta, provocó (las discográficas suelen ser siempre responsables de la banalización de la música en su búsqueda del negocio económico) la aparición de multitudes de discos que intentaban seguir el exitoso carro bajo la etiqueta "new age". Aunque es cierto que también sirvió para que, con el tiempo, trabajos de interés que de otro modo no hubieran visto la luz se publicasen, en general las principales consecuencias fueron la edición de multitud de morralla sin valor que pronto atascó las estanterías de los grandes almacenes, y la impresión general de que el propio proyecto inicial, Enigma, no tenía ningún valor artístico. Como suele pasar siempre, sin embargo, el tiempo pone las cosas en su sitio, y hoy en día se puede disfrutar de un trabajo como éste y de la carrera, en general más que notable, de Enigma, sin verse asaltado por la idea de que se está siguiendo una moda sin valor artístico alguno. Hubiera sido, creo, muy injusto para un disco y un proyecto de enorme interés, originalidad, atrevimiento, y calidad musical.

MCMXC a.D.
-The voice of Enigma (2:08)
-Principles of Lust
a: Sadeness (4:15)
b: Find love (4:49)
c: Sadeness (reprise) (2:48)
-Callas went away (4:29)
-Mea Culpa (4:53)
-The voice & the snake (1:45)
-Knocking on forbidden doors (4:27)
-Back to the rivers of belief
a:Way to eternity (2:19)
b: Hallelujah (4:15)
c: The rivers of belief (3:31)

1990. Virgin Records
Compuesto por Curly M.C.*, excepto Sadeness (Curly M.C., F.Gregorian y David Fairstein), Mea Culpa y The rivers of belief (Curly M.C. y David Fairstein), y The voice & the snake (Curly M.C. y F.Gregorian).
Producido por Enigma.

*"Curly M.C." es, por supuesto, Michael Cretu.