Hoy quiero "recetaros" a todos el primer disco de Alberto Montero, disco que aún no encontraréis en vuestras tiendas favoritas.

Conocí la música de Alberto gracias a su prima R. "Pues tienes que escuchar a mi primo, igual te gusta", me dijo. En cuanto entré en su myspace descubrí un músico tremendamente interesante. Sus melodías, letras y harmonías me hicieron recordar a multitud de grupos que me apasionan y al mismo tiempo descubir a un artísta de "quitarse el sombrero". Para más inri, aquella misma tarde me enteré que estaba en un grupo llamado Shake (del Puerto de Sagunto), que ya tienen su primer vinilo editado y van a por el segundo. Estaba de suerte, ya que el grupo en cuestión tenía un sonido muy caraterístico y con ciertos aires revivalistas (como me gustan a mi y dedico la frase al señor Mejías). ¡Qué ilusión encontrar grupos que te emocionan! ¡Qué decepción que la industria musical no se fije en ellos! Por una parte pienso "qué lástima" pero por otra me alegra que las discográficas no obtengan beneficios porque eesta gente se da a concer a través de la red ¡qué se joda la industria musical! (mi saludo californiano para ellos).

A finales del mes de septiembre, durante mi retiro en París me llegó un mail de Alberto en el que nos comunicaba que ya había terminado su primer álbum. Se trata de un disco de título homónimo, compuesto por un conjunto de catorce temas, en los que encontramos desde balandas intimistas a composiones pop y rock, pero siempre con esa atmósfera revivalista y propia que caracteriza a las canciones de Alberto. No sé cómo definir el sonido que encuentro entre cálido, suave, hipnótico, entrañable, y tan directo que parece que nos cante directamente a nosotros.

De su álbum me gustan muchas canciones entre las cuales quiero destacar las siguientes.
The Horizon, balada suave, íntima, introducida por un punteo con la guitarra acústica (amo ese sonido) y cantada con la frágil voz de este artista. Conforme avanza la canción entra un cello y la percusión.
Clear, el siguiente corte, es de nuevo una canción interpretada con la acústica y acompañada por lo que me parece un xilofón y un cello. Creo que la canción es una maravilla.
I Don't Know Enogh es mi canción favorita. Una melodía vocal muy bien conseguida. De nuevo la guitarra acústica, pero esta vez acompañana por pandereta y flautas (intepretadas por Josele Castelló), aunque consigue el efecto de un mellotron.
Bees And Butterflies, una canción sencilla y directa que me devuelve a la memoria algunos temas de Nick Drake, sobre todo Three Hours To London.
De Alejandra lo que me me gusta es la letra y la melodía. Esta vez a dos voces e intepretada con una guitarra eléctrica, a la que posteriormente se le suman las flautas.
Y por último Sense of Life, mi segunda favorita. No sé como lo hace este chico para parir unas melodías tan bien estructuras y acompañadas. Esta vez viene con una guitarra acústica y un órgano (parece). La canción tiene un solo de guiatarra que me recuerda a los de Harrison.

Y así podría seguir hablando de los siguientes temas, pero no voy a hacerlo. Algo que odio de las críticas, o comentarios de los discos, es que me destripen cada una de las canciones. Yo no quiero hacerlo. Para ello lo mejor que os hable Alberto. Aquí tenéis su enlace.
http://rapidshare.com/files/147468568/AlbertoMontero_2008_.rar.html (una vez lo descarguéis suprimid el html, inclusive el punto que le precede)
El myspace de Alberto
http://profile.myspace.com/index.cfm?fuseaction=user.viewprofile&friendid=122927371
El myspace de Shake
http://profile.myspace.com/index.cfm?fuseaction=user.viewprofile&friendid=39354516

Sé que las comparaciones son odiosas, pero siempre sirven como referencia. Personalmente he encontrado una serie de influencias en la música de Alberto que me recuerdan a: Nick Drake, Neil Young, David Crosby, Arthur Lee, Tim Buckley, Paul Weller, Noel Gallagher (sobre todo a las acústicas caras b)...

Espero que os guste.

Conocí su obra gracias a J.Pavía, quien en clase nos habló de En Construcción, quizás su película más conocida por las masas. Así que, al igual que hacía con todas las películas que nos nombraban en clase, saqué tiempo para visionarla. Recuerdo que me produjo una extraña sensación ya que por aquel entonces yo estaba muy poco familiarizado con el cine de autor francés. Digo esto porque Guerín ha mamado hasta la saciedad este cine, y para mi, es uno de los mayores catalizadores del cine francés y europeo en nuestro país, en el que disfrutar de esta estética y narrativa es cada vez más difícil (véase el film Lo que sé de Lola de Javier Rebollo).

Desde entonces siempre que he oído hablar de documentales ha aparecido el nombre de Guerín por algún lado, lo que me hacía sentir un paleto por no conocer su obra, y más paleto aún por trabajar en el mundo audiovisual. El problema, y no es excusa, es que sus obras nunca han sido fáciles de encontrar. Si no recuerdo mal conseguí Tren de Sombras por la red; una copia mal pasada, en baja calidad, con audio pésimo y subtitulada en portugués (por lo menos...). Afortunadamente el director barcelonés ha cedido y sus documentales (al menos tres) acaban de ser editados por Versus. Se trata de una caja con cuatro discos que contienen Innisfree, Tren de Sombras y Unas fotos en la Ciudad de Sylvia; además la edición contiene un libro de 64 páginas y un disco con entrevistas y extras. Imprescindible.

El caso es que hace un mes me compré esta edición ya que necesito tener muchas referencias para el trabajo, así que por qué no empezar por el producto nacional. Habiendo visto ya En Construcción quería empezar por el primer disco Innisfree. En esta película Guerín viaja a Irlanda en busca del pueblo de dicho nombre donde se desarrolla la historia de The Quiet Man (John Ford, 1952). Así que decidí verlas las dos seguidas. Innisfree es, sin lugar a dudas, el mejor homenaje que se la he podido hacer a la película de Ford. En el documental (que se permite algunas licencias de dramatización) Guerín nos muestra la vida en el pueblo en el que se rodaron los exteriores del film, así como la huella tan honda que ha dejado este acontecimiento en el pueblo. Pero Innisfree no existe, el nombre hace referencia a Irlanda (Isla Libre), por lo que este nombre se asocia a lo puramente irlandés (el mérito se le atribuye al poeta William Butler Yeats).

Sobre el documental de Guerín me gustaría señalar varias cosas. La primera es su estilo, heredero del cine francés y de su maestro Víctor Erice. La segunda es la narratividad de esta película. El director no se ciñe al documental de estilo directo, sino que le suma a esto una serie de dramatizaciones (en mi opinión y me gustaría descubrir que estoy equivocado en algunas) muy personales que ayudan a comprender mucho mejor lo que el autor desea contar. Como es el caso del personaje de la chica pelirroja que regresa al pueblo después de vivir en EEUU (referencia al personaje de John Wayne), así como los amantes que pasean juntos y actúan como los protagonistas del film predecesor. También crea ciertas situaciones como los hermanos que hablan en gaélico, las canciones que se cantan por el pueblo, los niños que cuentan al detalle la película de Ford (para mi que está ensayado). Sin embargo, a parte de la manipulación de autoría, consigue mostrarnos como un pueblo entero recuerda el día (sobre todo los pocos mayores que siguen vivos) en el que el director de Las Uvas de la Ira volvió a su Irlanda natal para hacer una película que llevaba planeando desde los años treinta. Hay, en el film de Guerín, una frase que dice uno de los entrevistados que acontinuación transcribo de memoria "a pesar de haber nacido después (...) guardo el recuerdo que me transmitieron mis padres". Creo que esta frase resume muy bien aquello que se nos muestra en Innisfree.

Aunque nunca he sido admirador de Guerín, creo que su trabajo es lo que se esta haciendo ahora mismo en el terrerno nacional de documental cinemtográfico. Para mi su filmografía es imprescindible (los pedantes dirán que es vital, y ya hay mucho escrito sobre ello) para conocer a uno de los directores de cine más personales. Un ejemplo a seguir.

Tarnation, aunque me cueste reconocerlo, es innovador en su género. A lo largo de hora y media, Jonathan Caouette, director y protagonista, nos cuenta su infancia atípica. Su madre, una estrella adolescente, sufre un accidente y desde ese momento deciden tratarla con electroshocks. Más tarde se enamora de Steve con quien se casa y tiene un niño, Jonathan. Steve los abandona y Renné se marcha con su hijo a Chicago, donde sólo llegar es violada. Te vuelta a Texas son expulsados del autobús y pasan por mil penurias antes de llegar a casa de sus padres. Reneé es ingresada en un psiquiátrico, donde le dan más electroshocks, mientras que su hijo es adoptado por una serie de familias que abusan de él y lo destruyen psicológicamente. El punto de giro en la infancia de Jonathan apareció junto a un camello, cuando éste le ofreció un canuto de hierba, cuando esto no era exactamente lo que llevaba, sino una mezcla de marihuana y polvo de ángel. El niño se fumó el porro, que le produjo una ruptura con la realidad, viéndose a si mismo como alguien que no forma parte de entorno. En el instituto Jonathan evoluciona hasta que decide irse a Nueva York, donde se enamora de David. Juntos se ganan la vida en el mundo del espectáculo. Mientras Renené se encuentra de visita en casa de su hijo Jonathan encuentra a su padre y reune a su familia disfuncional treinta años después. Meses más tarde Reneé vuelve a Texas donde sufre una ingestión y sobredosis de Litio que le provoca un transtorno fatal que, pronto o tarde, le llevará a la muerte.

La vida de Jonathan y su madre Reneé es contada en 90 minutos combinando imágenes de Súper 8, Hi-8, MiniDV y fotografías. Todo ello narrado con intertítulos y las voces que el protagonista ha ido recogiendo en diversas ocasiones, ya sean en cintas o en contestadores automáticos. A parte de estos recursos me gustaría destacar que muchísimas veces emplea la tercera persona para referirse a si mismo, estableciendo una lejanía entre el realizador y el protagonista. La intención narrativa se compacta en el montaje que, aunque reconozco lo mucho que habrá costado, me resulta francamente malo y carente de gusto estético. Es un conjunto de imágenes a las que ha aplicado todos los filtros que vienen en un programa de edición básico, aunque es de lo más respetable ya que ha sido elección del autor, lo que convierte a este película un reality show de los más kistch. El pastiche del montaje viene justificado por el interés del autor en demostrar la situación caótica en la que ha estado viviendo, así como la locura que ha envuelto siempre su núcleo familiar.

Creo que Tarnation puede dar mucho que hablar. ¿Documental? ¿Reality Show? Sea lo que sea es una representación de la vida de un individuo, que además imprime su propia personalidad en su obra de arte más personal. Por lo tanto es interesante ver este documento ya que hasta ahora no se ha hecho nada parecido. Nadie, de momento, ha recopilado treinta años de una vida destrozada para mostrarla públicamente y expulsar así sus problemas más dolorosos.

Ahora a por la siguiente!

Aquí dejo una foto que resume los años que he pasado en la EPSG.

Gratos recuerdos residen en mi cabeza.

Divorzio all'italiana (Pietro Germi,1961)
Escogí ver esta película por los errores de traducción que he encontrado en las comedias italianas. Aunque muchas de ellas no tenían la temrinación "a la italiana" terminaban incluyéndose dentro de esta categoría. Afortunadamente Divorcio a la Italiana está bien traducida. El film de Pietro Germi cuenta la historia de Fernando, un hombre de unos cuarenta y tantos, que se enamora perdidamente de su jovencísima y virginal sobrina. Al ver que ésta le corresponde empieza a maquinar como eliminar a su esposa, la única persona que le separa de su objetivo sexual. Para ello decide cometer un asesinato pasional matando a su mujer y al amante de ésta, el que no tiene y que por lo tanto debe conseguir si quiere terminar en la cama de su sobrina. A partir de esta idea se estructura toda la historia. La dirección de Germi y la gran interpretación de Mastroianni (enriquecida por los tics del personaje), convierten esta película en un referente clásico de la comedia italiana postneorrealista.
Gano el Oscar el 1962 al mejor guión original.

I Soliti Ignoti (Mario Monicelli, 1958)
Conocida oficialmente en nuestro país como Rufufú (en la película no sale para nada este nombre) gracias a las magnífcas traducciones y adaptaciones. El film de Monicelli cuenta la historia de un grupo de ladronzuelos que, seducidos por la idea de uno de ellos, deciden robar una caja fuerte. Como las circunstancias no les son favorables deben hacerlo a la antigua(?) usanza, agujerear la pared del apartamento vecino donde se encuentra la caja en cuestión. Cada personaje tiene intereses distintos en este robo, unos para conseguir dinero y otros para volver a ser útiles. El caso es que cada uno de ellos es de todo menos ladrón profesional. El desastre está servido.
Rufufú es una auténtica comedia italiana, ligera, rápida, con mucho diálogo y unos personajes exagerados. Juntos, revueltos y con un objetivo tan poco usual convierten la película de Monicelli es un cóctel explosivo. Si pensamos en la trama nos vendrá a la mente The Great Train Robbery (Edwin S. Porter, 1903), y todas las películas que tracos que le siguieron. Personalmente creo que I Soliti Ignoti influenció más de lo que pensamos, ya que tomando la estructura y la historia encontramos otro film muy similar Ocean's Eleven (Lewis Milestone, 1960), que más tarde sería rehecho por Steven Soderbergh.

Il Magnífico Cornuto (Antonio Pietrangeli, 1964)
Ésta sí que es una de esas películas a las que apellidaban con "a la italiana". Conocida en nuestro país como Celos a la Italiana narra la historia de Andrea (Ugo Tognazzi), un hombre la clase alta, que tras ver cómo sus amigos engañan a sus mujeres y de cómo éstas los engañan a ellos, empieza a suspechar de su perfecta y bella esposa (interpretada por Claudia Cardinale). Eso sí, todo empieza después de que Andrea la engañe.
Me tropecé con esta película cuando me la recomendaron en el Stromboli, la alquilé y descubrí una auténtica joya. No sólo me puso nervioso el cuerpo de la Cardinale, sino como Pietrangeli mostraba los sueños del personaje de Andrea, quien cada vez que sospecha de su mujer tiene una pesadilla al respecto. De entre todas ellas me gustaría destacar en la que su esposa baila frente a unos hombres, en una habitación durante una noche de tormenta, mientras éstos le quitan las telas que componen su vestido. La dirección de Pietrangili en esta secuencia es magnífica, así como la combinación de la iluminación y los efectos especiales.
Os dejo aquí el vídeo de la secuencia (que grande es youtube)

El Cine Digital, escrito por el realizador Mike Figgis, resuelve muchas dudas de los que estamos empezamos en el mundillo. Como si de una clase magistral se tratara, el autor de Leaving Las Vegas, repasa a través once capítulos el método de trabajo que emplea en el cine digital. Estos capítulos van desde la preproducción hasta el trabajo con actores y la música. Pasa por todos los puntos que una persona iniciada en el vídeo digital debe aprender. Aún así Figgis no profundiza en la parte más técnica pero sí que nos demuestra el método y razona sobre él.

De este manual, para mi lo es, me gustaría destacar la parte de fotografía, edición, dirección de actores, postproducción, el presupuesto, las localizaciones y los movimientos de cámara. Aunque Figgis habla del proceso de hacer una película digital no debemos olvidar que esto es una visión muy peculiar y que nunca está de más comparar con otros autores, así como profundizar en el aspecto técnico de cada punto que propone el autor. Con respecto a los ejemplos que utiliza Figgis he echado de menos no haber visto su filmografía completa. Éste es el problema esencial del libro ya que la mayoría de sus filmes no han sido editados en España.

El Cine Digital de Mike Figgis es todo un manual cinematográfico y una de las mejores masterclass que he leído. En serio, si estáis empezando compradlo y llevadlo siempre encima.

Un saludo!

Un día L, C y un servidor fuimos a pedir unas pizzas a la Crapa Pelata, una cadena de restaurantes italianos donde hacen una comida deliciosa. Mientras esperábamos nuestro pedido nos fijamos en el mantel de papel. Éste estaba compuesto por un college de fotogramas de películas italianas, en las cuales siempre aparecían comiendo. De entre todos nos llamó la atención uno que justo tenía el título de la película Il Segno Di Venere. "¿Ésta la hemos visto?"- me preguntó L. "No, pero creo que la veremos dentro de poco"- contesté yo. Nada más subir a casa encontré la película.

Il Segno Di Venere cuenta la historia de dos primas Cesira (interpretada por Franca Valeri) y Agnese (Sofía Loren). Ambas, de edad parecida, son completamente diferentes. Agnese, una mujer alta, con curvas, presumida y atrevida, vive la vida sin miedo, sin complejos y sin responsabilidades; Cesira, no tan agracidada, es responsable, trabajadora, buena persona, pero desgraciada en cuanto a relaciones con el género masculino. Éstas viven juntas en la casa de la familia de Agnes, el padre de la muchacha y su tía, una pareja que siempre discute. En la misma escalera, justo debajo de su vivienda, reside una bruja, a la que Cesira acude porque está desesperada ya que no encuentra a ningún hombre. La mujer le echa las cartas y le señala el signo de Venus, diciéndole que al estar bajo el influjo de esta signo es muy probable que un hombre entre pronto en su vida. A lo largo de la película Cesira va conociendo hombres, sin embargo éstos buscan otras cosas en ella que poco tienen que ver con el amor. Tras varios desengaños amorosos, la protagonista decide hacer frente a su sitaución y se marcha de la casa de sus familiares en busca de una nueva vida.

En la película de Dino Risi los hombres tienen un protagonismo especial. Desde el principio son presentados como unos seres malvados, interesados y simples. Conforme avanza la película van apareciendo los cuatro personajes masculinos: Romolo (Alberto Sordi), un ladrón asediado constantemente por su madre; Mario (Pepino De Felippo), el director del lugar en el que trabaja Cesira; Ignazio (Raf Vallote), un ex-boxeador que aspira a ser bombero; y Alessio (Vittorio De Sica), un poeta arruinado y cara dura. A lo largo del metraje vamos como los hombres, cada uno a su manera, quieren algo de las primas. En un primer momento Cesira se siente atraída por el enigmático Romolo, quien le parece un agente secreto un tanto enigmático; al mismo tiempo se presenta su jefe, un hombre mayor, que no hace más que intentar llamar su atención con regalos y piropos para seducirla y acostarse con ella. El siguiente en entrar a escena es Alessio, un personaje que ocupa un lugar fundamental en la trama: el poeta interpretado por De Sica es el primero en seducir a la buena de Cesira, quien le presta dinero para que éste pueda comer. Finalmente conoce a Ignazio, un buen hombre que termina enamorándose de su prima Agnese.

A pesar de que la película la clasifican como una comedia pienso que esta muy lejos de serlo. Personalmente creo que se trata de un drama, con un claro sentido social. La trama transcurre en los años cincuenta, diez años después del conflicto bélico. Los personajes, que vieven en un joven entorno democrático, arrastran costrumbres que han sido su modo de supervivencia en la guerra. El personaje de Sofía Loren únicamente tiene en mente ser atractiva y encontrar un hombre que la mantenga, mientras que la prima, autosuficiente, busca lo mismo, aunque perfectamente podría vivir con si misma (ella es el estandarte de la nueva mujer italiana). En cuanto a los personajes masculinos tenemos un ladrón, un cuentista, un acosador y un exboxeador; el personaje de Ignazio es el que finalmente se casa con Agnese, a quien deja embarazada por lo que se obligan, ambos dos, a enfrentarse a la realidad. Todo el universo realista que crea Rosi nos muestra una sociedad romana que, aunque está encerrada en sus viejas costumbres, pretende evolucionar; algo que vemos en el último plano cuando Cesira huye en el autobús, a través del cual vemos los nuevos edicios que indican que una nueva sociedad está naciendo.

Finalmente, me gustaría estabecer un paralismo entre la pelicula de Risi y Melinda & Melinda de Allen. En el Signo de Venus el realizador nos muestra dos formas de entender: desde la pasión y la imprudencia a la aversión y la cautela, manifestadas a través de Cesira y Agnese. Es curioso pero este mismo recurso es el que utiliza Woody Allen en su película Melinda & Melinda, aunque narrativamente es distinto; sin embargo la finalidad es similar: presentar una misma realidad vivida de dos formas distintas.

A modo de conclusión, Il segno Di Venere es una película que, aunque aparentemente sea sencilla, guarda una visión muy positiva de la vida. Aunque la pobre Cesira no consigue el amor que ansía es capaz de sobreponerse a las adversidades y seguir adelante. ¿Quién sabe? ¿Igual consigue encontrar al hombre de su vida? ¿Igual llega lejos y se convierte en una mujer que no necesita un hombre? Sea como sea, a través de una mirada melancólica, Dino Risi nos dice que la la vida sigue, a mejor o peor, pero sigue adelante.

Con motivo de la restauración y reposición en salas de la película, una cadena italiana hizo un pequeño reportaje con entrevistas al mismo Dino Risi

Cuatro años después de que Sofía Loren ganara el Óscar por La Ciociara (Dos Mujeres, Vittorio de Sica, 1960), sorprendió al mundo con la interpretación de Filomena Marturano, la pareja de Domenico Soriano (Don Mimi), papel encarnado por Marcelo Mastroianni. La película de Vittorio de Sica cuenta la historia de Filomena, una joven prostituta que en tiempos de guerra conoce a Don Mimi, un hombre de negocios y caradura, que se siente atraído por ella. A lo largo de los años, el caprichoso destino los vuelve a reunir, y el acomodado Domenico la retira de la calle para colocarla en su casa con la única finalidad de cuidar de su madre.

La primera vez que vi esta película me llevé una desagradable sorpresa, sabía de Vittorio de Sica hacía comedias ligeras pero no historias con una carga muy dramática y al mismo tiempo con tintes cómicos. Tras la primera impresión decidí verla otra vez con L, por el hecho de revisitar los clásicos de la comedia italiana. Como bien decía el gran P. "las películas hay que verlas dos veces", ya que no se ven de la misma manera. Y así fue. Con este segundo visionado descubrí una película interesate, densa, dramática y cínica.

La película arranca con una Sofía Loren apunto de morir. Débil, agotada, sudorosa y agonizante, hace llamar a su mantenedor, Marcelo Mastroianni, quien se dedica a flirtear con las muchachas que pasan por su negocio, con las que suele comprometerse. Nada más recibir la noticia Don Mimi, corre hasta su casa para encontrarse a Filomena apunto de morir. Durante este primer acto, a través de flashbacks, se nos cuenta la historia de esta extraña pareja. Don Mimi, un playboy hasta en los momentos más difíciles, se encapricha con una joven prostituta, con la que tropieza varias veces en el transcurso de los años. Él se siente atrído por ella, ella se enamora de él. Cansado de saber que su chica es puta decide sacarla del prostíbulo para pornela en un piso, donde no tiene que hacer otra cosa que limpiar y cuidar de la madre de Doménico. Conforme pasa el tiempo comenzamos a comprender a Filomena, una mujer dura, valiente, que aparte de procurar por su vida, piensa en la de su hijo pequeño. Tras los flashbacks volvemos a la habitación de la moribunda señora Marturano. En un momento de desesperación le pide a Don Mimi que se case con ella, y él, haciéndole el favor a la muerta, acepta. Agobiado por la situación decide hablar con su amante, a quien le dice que en breve estará con ella ya que Filomina está agonizando; acto seguido aparece Sofía Loren, fuerte, reafirmada, viva. "La moribunda está aquí para quedarse" es la frase que le suelta la señora de Doménico, quien a partir de ese preciso instante vivirá un infierno y sufrirá un cambio de personalidad. Finalmente, y tras pasar por muchas dicusiones "a la italiana" Don Mimi, no sólo acepta los hijos que ha tenido Filomena, sino que reconoce, ya en la madurez, su amor hacia su compañera.

Matrimonio all'italiana es toda una lección de humildad, tanto cinematográfica como personal. La película se centra en la sociedad que surge tras la Segunda Guerra Mundial. A partir de la desestructuración de la familia, y la modernización de la mentalidad en cuanto a la religión, De Sica nos muestra a personas que han perdido su capacidad de sentir. En el film vemos como los personajes cambian, pasan de un plano anímico frío y distante, a otro más humano a través de la agonía que podruce la pérdida de un ser querido, a lo que hay que añadir la "jugarreta" de Filomena. Quiero destacar como, al final, el personaje de Mastroanni evoluciona, aceptando en su madurez, convertirse en un hombre completo. Aunque aparentemente el mensaje de la película sea procatólico, creo que el cambio que sufren los personajes, transgrede las barreras del pensamiento cristiano, para focalizar su discurso en la evolución de las personas y la aceptación de la vida misma.

La primera película en cuestión es Leri, Oggi, Domani (Ayer, hoy, mañana), de 1963 y dirigida por Vittorio De Sica. La película, dividia en tres episodios muestra a tres parejas italianas en tres situaciones completamente distintas, aunque para ello lo haga a través de los mismos actores, Sofía Loren y Marcello Mastroianni. En la primera historia (escrita por Edoardo De Filippo) los actores principales nos presentan a una familia pobre, en la que madre, no sólo cuida de sus hijos y su marido, sino que además, es la que trae el pan a casa vendiendo tabaco de contrabando en la escalinata principal del pueblo. Cierto día es sorprendida por la polícila, quien la detiene, aunque no la encarcela, ya que la mujer está embarazada. Es entonces cuando cae en la cuenta que siempre y cuando esté embarazada se librará de ir a prisión. El conflicto principal aparace cuando su marido se cansa de dejarla embarazada, por lo que la mujer entra, finalmente en la cárcel.
La segunda historia (guión de Cesare Zavattini) se centra en una mujer rica, egoísta y superfilicial, cuya felicidad se basa en ser querida y consentida. Para ello tiene un amante, quien la adora. La trama de este guión se desarrolla en el coche de la mujer, y avanza a través del diálogo que mantienen los amantes. Éstos se dedican a planear su vida, sus viajes, su idilio; ambos necesitan escapar de su realidad cotidiana. Sin embargo su "realidad" se tuerce cuando tienen un accidente de coche, lo que provoca que los personajes se separen y vuelvan a la cotidianidad.
La última historia (con guión y dirección de Cesare Zavattini) es mi favorita por muchísmas razones. En ella se establece un trío entre los personajes principales. Loren, interpreta a una joven prostituta que vive un ático; sus vecinos, unos ancianos con un nieto seminarista, ven en esta mujer la tentación que puede alejar al nieto de su ingreso en la orden; y por último está el personaje de Mastroianni, un comercial cliente de Loren, de la que está profundamente enamorado. La trama arranca cuando el seminarista tropieza con la joven en la terraza. Desde ese preciso instante el estudiante se siente atraído por la mujer, quien lo sabe y hace lo posible por sudecirlo.

Nick Drake tan sólo publicó tres discos con un total de treinta canciones en vida, vendió cantidades anecdóticas de los mismos y pasó totalmente desapercibido para la prensa inglesa de finales de los años sesenta y principios de los setenta. Su negativa a tocar en directo o a conceder entrevistas -así como su extremada timidez han contribuido a crear una auténtica leyenda sobre su figura. Y es que su música ha sido un misterio de tal tamaño que asusta sólo pensarlo.

No voy ha hablar sobre Nick porque ya se ha escrito mucho, y se ha teorizado aún mas. Desde aquí me gustaría recomendaros a todos, a los que les gusta la música y a los que les atraen las biografías, este libro. Trevor Dann, reconocido periodista y crítico musical, se lanza al mundo del periodismo de investigación con este extraordinario estudio, y municioso análisis, de Nick Drake, el gran desconocido. El ardúo trabajo que ha realizado el autor por recopilar información sobre la vida del músico, así como entrevistarse con todos aquellos que formaron parte de su vida, hace que su primer libro sea imprescindible. La calidad con la que escribe, y la precisión con la que cita a sus fuentes, convierten a Más oscuro que el profundo mar, en la auténtica y definitiva biografía de Nick Drake.

Para los que no lo conozcáis os presento a Nick Drake

The River Man
http://www.youtube.com/watch?v=eEAsZa4Qz2Y

The Day Is Done

Me quedé durante un rato en la oscuridad, contemplando el único sitio de este mundo donde la vida era cortada en trozos, empalmada y vuelta a despedazar. Donde uno hacía y rehacía la vida hasta que le salía bien. Con la vista fija en la pequeña pantalla de la moviola, uno pone en marcha el motor y se lanza acompañado de un claqueteo furioso mientras la película corre, se detiene, se define y continúa su camino. Después de tener la vista clavada en la moviola durante medio día, en las tinieblas subterráneas, uno se cree que al salir al exterior la vida misma va a empalmarse de otro modo, a dejar de lado las ridículas incoherencias y a prometer que se portará bien. Manejar la moviola durante unas horas aumenta el optimismo, pues uno puede poner de nuevo en movimiento las estupideces cometidas y cortarles las patas. Pero, después de un tiempo, uno empieza a tentarse con no volver a salir a la luz del día.

Ojalá puedieramos editar nuestras vidas. A veces nos ayudaría a superar ciertos problemas.

El hollywood de 1950 es transformado en un mundo de maravillas por la magia de Bradbury: caracteres excéntricos, una intriga fantasmagórica y una vívida nostalgia. El excitado narrador acaba de ser contratado como guionista en uno de los grandes estudios. Una invitacion anónima lo conduce a un cementerio separado de los estudios por una simple pared y al descubrimiento de un cuerpo congelado en el tiempo y listo para trepar desde la ciudad de los muertos a la ciudad de la luz. Un extraño misterio va desplegándose a través de una serie de raros encuentros: un director con monóculo, un actor que ha interpretado el papel de Jesús durante veinticinco años, productores filisteos, fanáticos cazadores de autógrafos y un genio de los efectos especiales... Mientras el narrador se precipita por una senda de pistas fantásticas, Bradbury evoca vívidamente el fascinante tiempo perdido en que un hombre podía componer su propia existencia con las promesas centelleantes de sus películas favoritas.

Como era de suponer, me ha encantado. Para mí, la prosa de Bradbury es poesía, emplea figuras muy poco convencionales en la novela de misterio, por lo que, aunque en este caso es de género, se acerca bastante al realismo mágico. A parte de su estilo me gustaría resaltar a los personajes: J.C, un tipo que lleva interpretando a Cristo durante veinticinco años; Fritz Wong, el ater ego de Fritz Lang; Manny Lieber, un excéntrico productor; Constance, quien podría ser Gloria Swanson; y Roy Holdstrom, que es nada más ni nada menos que Ray Harryhausen (a quien el autor dedica el libro "por razones obvias"). Todos ellos componen, junto al personaje central, un guionista de género fantásitico, el electo y la fauna representativa de los estudios "hollywoodienses", los cuales se verán envueltos en una trama similar a la del Fantasma de la Ópera.

Una novela muy recomendable para el que quiera conocer algo más del escritor de Farenheit 451

El día en el que Harrison murió se me hizo un nudo en la garganta. Jamás había sentido, por una persona admirada, un lástima tan grande. Fue una auténtica putada, pero las cosas vienen así "All things must pass". Me tomé unos días para repasarme la discografía de Harrison, sobre todo los primeros discos que me parececían muy buenos. Su muerte, como ocurre en estos casos, hizo que se hiceran conciertos en su memoria, se reeditaran algunos de sus álbumes, e incluso se publicara un disco póstumo. Ante esto siempre pienso que "no hay mal que por bien no venga", por lo que pude empezar a "conocer", con más profundidad, la obra de este genial artistas.

Desde hace unos días he vuelto a escuchar la discografía de Harrison, lo que me hizo recordar que tenía en casa el "Concert For George". Celebrado en el Royal Albert Hall de Londres y presentado por Eric Clapton, junto a la viuda de Harrison y su hijo, repasan a lo largo de hora y media muchísimas canciones del ex-beatle, las cuales son interpretadas por Clapton, Lynne, Monty Python, Starr, McCartney, etc, de entre los cuales quería destacar al grandísimo hombre-hammod, Billy Preston, al que hemos perdido recientemente.

Desde mi blog quería rendirles, a estos dos genios, un humilde homenaje.

Mr. Preston con Ray Charles

La primera canción que estuché de Billy Preston fue ésta. Me quedé realmente sorprendido.

El tributo a George Harrison

George Harrison

Harrisongs

Cómo no sé si nos llegará algún día la edición en DVD, os dejó aquí la primera adaptación de Sound Of Thunder. También se hizo una versión para cine, hace unos pocos años, y en verdad os digo que era muy muy muy mala, tanto que paré de verla por lo nefasta y freak que era.

Ah! Primero la cabecera de la serie

Sus relatos han sido publilcados en la editorial Minotario, concretamente en la colección Ray Bradbury. Aquí os dejo los libros de relatos.
Algo más en el equipaje
Conduciendo a ciegas
Crónicas marcianas- relatos que cuentan la colonización de marte
El convector Toynbee
El hombre ilustrado- conjunto de relatos contados a través de los tatuajes de un personaje
El signo del gato
Fantasmas de lo nuevo
Las doradas manzanas del sol
Remedio para melancólicos
Las maquinarias de la alegría
Más rápido que el ojo
Mucho después de medianoche

Sí, soy uno de esa minoría que se encuentra perdido, que no ve identificados sus pensamientos con la política que lleva este país. Soy uno de esos hijos de la joven democracia, uno de esos que ha visto el desencanto tanto de unos de como de otros. ¿Cómo me voy a sentir partícipe cuando no hacen más que sacarse los trapos sucios?

Estoy desengañado de este sistema político. Los unos dicen A los otros B pero ninguno de ambos se pone de cuerdo, ninguno de ellos se atreve a ceder. ¿Por qué no oigo la palabra colaborar pero sí condenar? "Condenamos esto, condemanos lo otro". Me gustaría escuchar de sus propios labios la palabra "tiene usted razón, creo si que trabajamos juntos podemos hacerlo mejor".

Durante este semana he intentando, lo juro, amalgamar todo pensamiento político, encontrar aquello que me atrae de unos o de otros, pero nada mientras sigan como dos críos. Además pienso que la gente odia y condena al que piensa de forma distinta. No me tengo que ir muy lejos, ya que entre mis propios amigos lo veo. Mails de uno haciendo política contra los de derechas, criticas de otra porque los de izquierdas con unos inútiles. ¿Cómo vamos a solucionar esto?

No creo en las derechas por nada del mundo, no veo que las izquierdas vayan por buen camino, odio con toda mi alma a los fascistas y totalitaristas (tanto de derechas, por prohibir, como de izquierdas, por juzgar), me jode que la izquierda más idealista se quede fuera y no apoye a las izquierdas que gobiernan porque no. Pero aún así doy gracias por no estar en una dictadura.

Votaré por respeto a mis padres y por aquellos que lucharon por tener una democracia. Sólo me queda una opción que en España no se contempla, votar a uno de esos grupos de centro, o a los ecologistas o a cualquier otro, porque sé que el populacho votará a los mayoritarios, y así, sinceramente, no nos hacemos ningún favor.

Señores políticos, la suerte está echada. Ahora sólo tienen que esperar para enriquecerse un poco más.

Ésta que nos ocupa abarca desde su nacimiento hasta hace medio año. El
libro, como es de esperar, está estructurado por episodios biográficos.
Arranca con su infancia en Ripley, pasando por los Yardbirds, John
Mayall and the Bluesbreakers, Cream, Blind Faith, Bonnie & Delaney,
y sigue con su carrera en solitario, donde habla de sus problemas con
las drogas y el alcohol, con las que estuvo apunto de acabar con su
vida (dos veces). A parte de sus vicios, Clapton habla de amor y
desamor, repasa, como buen picha inquieta que es, cada una de las
mujeres que han significado algo en su vida amorosa, de las cuales
destacamos a Pattie Boyd, la exmujer de George Harrison (no voy a
escribir sobre este tema, paso).

Con lo referente al aspecto profesional de "slowhand" sinceramente, yo me esperaba un libro donde hablaría sobre
su forma de componer, sobre las influencias, una descripción detallada
de sus discos, etc. De todo ésto he encontrado mucho, aunque descrito
con bastante superficialidad. Me gusta cuando habla de cómo iban
surgiendo los discos, de los contratos y de las actuaciones (las cuales
describe muy bien). Otro de los aspectos que me interesaba era que
Clapton ha pasado por las grandes bandas del rock, además de haber
tocado con los grandes de la música, por lo que esperaba que hablara
más sobre ellos, sin embargo nombra algunos episodios importantes en su
vida en los que estuvieron relacionados George Harrison, Steve
Winwood, Billy Preston, Phil Collins, y algumos más.

En definitiva, a pesar de que Eric Clapton se ha pasado la mitad de su
vida drogado o borracho, recuerda muy bien toda su carrera. Su
biografía, contada por él mismo, es un repasado a la música popular del
S.XX, desde sus inicios en los sesenta hasta la actualidad. Todo esto
contado con mucho humor negro, puramente inglés, y con muy poco ego, ya
que reconoce en todo momento sus debilidades y fallos, tanto personales
como artísticas.

Imprescindible para los "musicófagos"

¿No os parece increíble? A mi sí. Tenemos una costumbre que proviene de un excente de uvas. ¿Y antes qué había? ¿Cúal era la tradición para el año nuevo? He estado investigando un poco y cada país tiene la suya, como por ejemplo explosiones de fuegos artificiales, ritos junto al mar, etc. ¿Y aquí? ¿Consumir el excedente de la vendimia?

Lo que más me llama la atención, y ya desde un punto de vista antropológico, es que todas las culturas toman la noche de fin de año como una noche en la que se prepara la entrada del año venidero con mucha superstición. Por ejemplo, en Rumanía existe una tradición en la que todas las mozas solteras deben ir, con un candil, al pozo del pueblo, donde verán reflejado el rostro de su amante; en Escocia el año nuevo será predestinado por la primera persona que entre en casa, siendo malo si la persona es flaca y enfermiza, y bueno si la persona es saludable; en Alemania salen a la calle con cotillones y cervezas (así de simple); y el resto del mundo lo mismo.

En España, aparte de las uvas, tenemos más tradición (si es que somos ricos en folklore). Aquí os dejo, de forma abreviada, qué necesitamos hacer para entrar con buen pie en el año nuevo:
- estrenar alguna prenda de ropa: amarilla para el dinero y roja para el sexo (por qué llamarlo amor)
- El hogar debe estar muy limpio esa noche
- Hay deshacerse de todo lo que esté roto y sacarlo fuera de casa.- En la decoración de la mesa tiene que haber algo dorado para que no falte el dinero en el hogar.
- De bebida es necesario que haya un vino espumoso
- El momento de brindar tras las campanadas es también importante: pon en tu copa un anillo de oro, algo que favorece tener dinero.
- Salir y entrar de la casa con maletas, para de esta forma
viajar en el año entrante.
- También puedes tirar un vaso de agua a la calle, para de esta manera alejar las penas y las tristezas fuera de tu vida.
- Pedir un deseo por cada uva injerida
(extraído de La Verdad Digital)

Como no sé si podré escribir os dejo esto: FELIZ AÑO POR ADELTANDO!