Tras ver el documental se me borran las esperanzas de que este hombre vuelva a hacer cine. Zulueta se encuentra en un estado de catarsis, un descanso tras haber cumplido su deber, pero sigue sintiendo como antes, recuerda su pasado con nostalgia y sorprendente lucidez, recordando hasta el último detalle.

Zulueta que fue desde el Pais Vasco hasta Madrid para estudiar cine, tenía ya grandes influencias de sus padres, su madre gran aficionada a la pintura, y su padre organizador del festival de cine de San Sebastian, pero a eso hay que añadir su visita a Nueva York, allí conoció las vanguardias y el underground neoyorkino, Warhol, Lichtenstein, los beatniks y el nuevo cine americano junto a la nouve vague, a la vuelta a España, Zulueta estaba años luz por delante de sus compañeros de generación, aunque no por eso se aleja de ellos, de echo guardaba una estrecha relación con Jaime Chavarri.

Borau que era profesor de la escuela de cine le produce su primera película "1,2,3 Al escondite inglés" aunque él prefería otros nombres, como "Caca, culo, pedo, pis" o "Popilandia", pero la distribuidora impuso el definitivo, tras esto se dedica al diseño y a la realización de cortos experimentales, muchos de ellos en Super 8, pero el poco apego de Zulueta a su trabajo, y los varios reguistros de las autoridades franquistas a su piso de Madrid hacen que mucho de ese material este desaparecido.

Volviendo al documental, me sorprendió que no se mencionase ni el programa televisivo "Ultimo grito" ni "1,2,3 Al escondite inglés", más bien se basa en "Arrebato", su obra maestra. Zulueta recuerda el rodaje, que fue bastante dificil según parece, el material utilizado, y como se escribió y realizó el film. Comenta también su pasada adicción a la heroina, y su actual adicción a la metadona.

Es emocionante cuando Duque le presta una cámara, y Zulueta graba unas imagenes y admite que tras tanto tiempo, le sugiere respeto volver a ponerse detrás de la máquina, o cuando le enseña la enredadera que cubre toda la casa, y se queda fascinado viendo como el viento muebe las hojas, que también graba él mismo. O cuando repasa los albums de cromos que utilizó en Arrebato. También es muy interasante como al prinicipo enseña la casa, con todos sus trabajos por mitad, y los cuadros de su madre, que sigue viviendo con él, y que parece encantada con su hijo.

Hace un par de años asistí a una conferencia de Jose Luis Borau, y tras hablarnos mucho y bien sobre cine, llegó la tanda de preguntas; una de las preguntas fue la siguiente: "¿Que pasa con Zulueta?", a lo que Borau respondió sencillamente diciendo que él habia intentado animarlo a hacer otra película, le ofreció producirsela, y que Zulueta se niega, dice que Arrebato lo dejó seco, exahusto y que no sabría hacer algo que diese el nivel. En el propio documental el mismo Zulueta lo dice, que Arrebato lo dejo seco. En fin, disfrutemos de lo que hizo en cine, que en realidad no fue poco, y de su trabajo plastico.

www.ivanzulueta.com

Para ver una película de este hombre, ante todo hay que tener en cuenta que Tarantino es un freacky, de los grandes, y si no, a Kill Bill me remito, esta película solo puede ser obra de un flipado de las películas de serie B (y Z) orientales, spaghetti westerns y demás claras influencias que se aprecian en film.

La película me gustó, es una obra épica, paradojicamente épica y barbaramente épica. La historia me gusta, no es gran cosa, pero está bien contada, de ahí que la cosa tenga gracia, los saltos temporales son ya algo muy común en muchas películas, pero con ellos salvan a historias sencillas que tienen su encanto y que de otra forma no tendría demasiado atractivo llevadas al cine.

Kill Bill es una película de acción, lo que se viene llamando "una película de palos", y por tanto, poco hay que pensar, de ahí también el gran éxito que ha tenido en todos los públicos, su ritmo, más que rápido, hace que se pasen las dos horas de cada parte volando, y te tenga atento a la historia sin que bajes la guardia. Además, la gran publicidad que ha tenido, también hay que tenerla en cuenta, hubo un bombardeo contralado con Kill Bill, que hizo que todos en mayor o menor medida sintiesemos que Kill Bill existía, ya antes de su estreno en España, la gente bajaba versiones estadounidenses con subtítulos mediocres, así que la expectación era grande.

Entrando ya en la película, me pareció muy gracioso la forma de salir la sangre a los enemigos de "la novia", realmente parecen aspersores. Y bueno, me lo creo todo, que Uma Thurman se ventile con su superkatana a 100 japoneses, y que sobreviviese a un tiro en la cabeza, que se recupere de un coma de cuatro años en media hora, y todas las barbaridades que cuenta, pero que la entierren en una tumba con dos metros de tierra por encima y que salga, ahí ya no me cojes Quentin, eso ya no me lo creo, ahí te has pasado.

Los actores no lo hacen mal, la verdad, Uma Thurman es una mujer que me cae simpatica, y que encima sale guapísima en la película, David Carradine, que será Kung Fu hasta que se muera no lo hace mal, pero es que tiene una cara de palo que no me gusta nada, de su actuación destaco el momento en el que "la novia" sale del ensayo de la boda y se lo encuentra, y al entrar finge que es su padre, para mi uno de los mejores momentos de la película.

Por último debo hablar de la banda sonora. A Tarantino se le admira mucho también por sus escogidos temas para sus películas, pero desde mi opinión, me parecen en este film en el que más casan con las imagenes y menos escuchables separadas del film.

La productora de Tarantino, llamada A Band Apart, tal cual de la película de Godard, me parece un bonito homenaje, pero cuando le preguntaron a Godard sobre el tema, el genio contestó: *"Tarantino vive del cine, y el cine vive de mi".

*Gracias Sophie

Bloom [blum] s.m. – ca. 1914; origen desconocido, acaso del ruso Oblomov, del alemán Anna Blume o del inglés Ulysses – 1. Stimmung final de una civilización inmovilizada en su propio lecho, que sólo consigue distraerse de su naufragio mediante la alternancia de frases cortas de histeria tecnófila y largas playas de astenia contemplativa. Era como si la masa exsangüe de asalariados viviera en el Bloom. «¡Muerte al Bloom!» (J. Frey) 2. Fig. Forma de vida crepuscular, vacante que, por lo general, afecta a los humanos en el mundo de la mercancía autoritaria: bloomesco, bloomitud, bloomificación 3. por ext. Sentimiento de ser póstumo. Sentir el bloom 4. Acta de defunción de la política clásica 5. Acta de nacimiento de la política extática 6. Hist. Aquello cuya asunción determinó la formación de los distintos focos del Comité Invisible, conjura anónima que, mediante sabotajes y levantamientos, acabó liquidando la dominación mercantil en el primer cuarto del siglo XXI. «Cuando pasa el tren, los espectadores se quedan petrificados.» (K.)

Ellos [Tiqqun] denominan Bloom a los nuevos sujetos anónimos, a singularidades cualquiera, vacías, dispuestas a todo, que pueden difundirse por todos lados pero permanecen inasibles, sin identidad pero reidentificables en cada momento. El problema que se plantean es: “¿Cómo transformar el Bloom?, ¿Cómo operará el Bloom el salto más allá de sí mismo?”
Giorgio Agamben

Tiqqun
Tiqqun, órgano consciente del Partido Imaginario, es un colectivo francés.

Hoy en día es forzoso producir mucho; es fundamental ir rápido; es preciso pues acelerar el paso lentamente; es imprescindible que todos los golpes acierten y que ninguna acometida sea inútil.

Para escribir rápido es necesario haber reflexionado mucho, acarrear con un tema, en el paseo, en el baño, en el restaurante, y casi en casa de la querida. E. Delacroix me dijo un dia: "El arte es una cosa tan ideal y fugitiva, que las herramientas no son nunca apropiadas, ni los medios lo bastante expeditivos". Como en la literatura; no soy partidario de la tacharuda; emborrona el espejo del pensamiento.

Algunos, y de los más distinguidos y conscientes -Édouard Ourliac, por ejemplo-, comienzan cargando mucho el papel; lo llaman cubrir el lienzo. Tras esta operación confusa que pretende no deshacerse de nada, cada vez que rescribren, amplian y desbrozan. El resultado puede ser excelente, aunque abuse del tiempo y del talento. Cubrir el lienzo no es llenarlo de colores, es bosquejar en frottis, es disponer unas masas en tonos ligerosy transparentes. El lienzo debe estar cubierto, en espíritu, en el momento en que el escritor toma la pluma para escribir el título.

Se dice que Balzac recarga sus originales y pruebas de manera fantástica y desordenada. Una novela pasa desde entonces por una serie de génesis, donde se dispersa no solamente la unidad de frases, sino también de la obra. Es sin duda este mal método el que da a menudo al estilo no sé qué de difusor, de atropellado, de borrador, el único efecto de este gran historiador.

Charles Boudelaire. (El maestro)

Los primeros en actuar fueron ZOOM, de Algecieras, grupo de hard rock con influencias de Black Sabbath, Mountain, que cuenta con gente del gran grupo Viaje a 800, la actuación se tuvo que retrasar, y por tanto también tuvieron que acabar antes, fue una verdadera pena, porque ya habiamos entrado en calor con una grandiosa versión de "Recuerdos de una noche" de Triana, y cuando colgaron los instrumentos nos quedamos con la miel en la boca. Necesitamos nuestra dosis ZOOM en condiciones, ojala pronto tengamos la oportunidad de quedarnos satisfechos. Además ahora están preparando su primer disco, que esperamos impacientes.

Electric Riders fueron los siguientes, y nos descargaron una sesión de psicodelia que será dificil de olvidar por los que presenciamos su actuación, son grandiosos, desde su guitarrista Adolfo Alcocer, pasando por su cantante David "Dowie", hasta la gran base ritmica que forma bajo/batería, sin la cual sería imposible que Adolfo se explaye como lo hace en directo. Hay que destacar además de sus temas, muchos de ellos nuevos, sus versiones de Jeronimo (grupo alemán de los 70) y la grandiosa interpretación de "Astronomy Domine" de Pink Floyd, vaya forma de terminar el concierto, nos dejó a todos en extasis, ahora solo falta esperar a que su nuevo disco esté listo, queremos más Eletric Riders.

Mater Dronic Trio era la banda que más esperaba en directo, y no decepcionaron, Adrian y Sergio Ceballos (hermanos, del grupo RIP KC) a la batería y bajo, y JC Sisto a la guitarra. Madre de dios, como toca Sisto, pura psicodelia hendriana corría por el mastil de su Jaguar, algo tremendo, arrancaron con una ácida versión de "Going Down" que me dejó en estado de shock, después de eso todo fue una locura, una batería trepidante, y Sisto haciendo de la suyas, sobresaturando su Marshall, y dejandonos boquiabiertos. Sencillamente este hombre está tocado por la gracia. Salvaje cuando quería, sencillo cuando era necesario, todo en su sitio, en su justa medida. Para el que no haya tenido la oportunidad de verlo en directo, le recomiendo que se convenza con su disco "Mundo Espectro", una verdadera obra maestra de la psicodelia en todas sus extensiones. Ahora lo ideal sería, en la medida de los posible, una nueva entrega de las aventuras guitarreras de Sisto.

Tras el viaje espacial de Mater Dronic poco podía hacerme salir del trance, recuerdo al amigo Germán preguntadome "¿Pero en que año estamos?". Pues hay un hombre que puede hacerte bajar a la tierra de nuevo, ese hombre se llama Brainloster, y su grupo Green Manalishi, tras la separación de Mermaid no podía estar parado y nos ataca de nuevo con nueva banda y un discazo bajo el brazo. Desde el primer acorde de 21st Century Heroes la magia se apodera del escenario y allá vamos, sin parar para enlazarla con Hidden Intelligence, pero ¿que pasa?, no suena el bajo, paran de tocar, cambio de ampli, y "one, two, three, four..." seguimos por donde nos quedamos y aqui no ha pasado nada, de nuevo todo comienza a vibrar, y el rock fluye sin problemas, la gente muy animada y pedazo de versión de "Sin City" de AC/DC, hasta que el momento más esperado para mi llegó, mi favorita del disco es Great White Shark y empieza a sonar el ritmazo de su comienzo, y todo es una locura, grandioso momento para el que escribe que no se podía imaginar que para terminar empezarían a sonar las notas del principio de Silver Bullet de Mermaid, la magia se eleva en potencia y de nuevo la fiesta del rock se estable en el público, un buen sabor de boca para terminar el concierto.

Tras semejante espectáculo de Green Manalishi es dificil salir a tocar, pues RIP KC se veian en esa dificil situación, que supieron salvar con su estilo, cada vez más personal. Los hermanos Ceballo de nuevo en acción, Flying V en mano Sergio, comienza el concierto, Adrian a la batería demostrando ser de lo mejorcito que hay en el pais. Ya van tomando forma los nuevos caminos del grupo, de forma más ambiental y atmosferica, pero no dejan de dar caña en los momentos necesarios, afortunadamente tocaron la que es una de sus grandes canciones y mi favorita de ellos, "Blood Perceptions", un tema con gran influencia andaluza flamencoide. El concierto de RIP KC fue una vuelta a la tranquilidad y un grandioso cierre del festival.

Ahora tras la vuelta a la tranquilidad y las sensaciones se ordenan adecuadamente en mi cerebro, solo me queda esperar a que el año que viene todo sigua como hasta ahora en el peor de los casos y se repita la experiencia de este Festival Mentes de Ácido, una página sobre psicodelia, hard rock, progresivo, y blues rock, que aún siendo joven todavía, tiene proyectos en su ácida mente que ojala se hagan realidad.

Y por supuesto, agradecer a las grandes personas que son Poti (Zoom) David (Eletric Riders) y Txetxu Brainloster (Green Manalishi) ser como son y creer de esa forma en lo que hacen.

http://www.mentesdeacido.com

Fotos: Morelli

Terry Southern (A la rica marihuana y otro sabores)

Se presentó en Cannes en el 2000, se presentó sin terminar, sin título, con banda sonora aún sin definir, y un montaje provisional, y aún así fue ovacionada y premiada en algunas categorias como director artístico, director de fotografia, y mejor actor, por poner ejemplos.

La historia de dos personas que se conocen casualmente al trasladarse ambas a vivir a un piso comunal, y que luego descubren que sus respectivas parejas los han dejado solos. A partir de ahí comienza la historia de Chau y Li-chun, y el torbellino en el que se ven inmersos, hasta el punto de no saber donde va a terminar su personal historia de samurais. Desamparados por sus parejas, se ven bailando en esas calles de muros rotos, poca luz, y curiosos colores y sombras, encontrandose en los pasillos y haciendo el papel de simples vecinos, sus parejas no interesan, el propio Kar-Wai no les da el más mínimo interes, y la historia pertenece únicamente a ellos.

La estética es alucinante, tanto colores, como fotografía, y atmosfera, perfectamente conseguidos, esos interiores algo asfixiantes que ya forman parte de su cine, hasta el más mínimo detalle esta pensado. Los vestidos de ella, que forman parte de su personalidad, y las corbatas de él. La lluvia, más importante de lo que parece a primera vista.

La soledad es un personaje más en la historia, largos momentos solos, sentados en la cama, fumando, incluso cuando están juntos parecen solos, sin hablar, sin mirarse, planos fijos, en momentos en los que no ocurre nada, pero en los que se entiende perfectamente lo que piensan. Los personajes de Kar-Wai son solitarios, tremendamente solitarios, y en In the mood for love no lo son menos, incluso cuando están en habitaciones repletas de vecinos, los personajes parecen estar en otro lugar. Las geniales interpretaciones de Maggie Cheung y Tony Leung dan credibilidad a que toda la historia sea como es.

La música, ese factor tan importante en "Deseando amar", porque no es un apoyo, es un pilar importantísimo, no acompaña las escenas, sino que dan sentido a más de una. Desde su tema central "Yumeji's Theme", que aparece y desaparece sin siquiera darnos cuenta, hasta los fantasticamente escojidos boleros de Nat King Cole, "Aquellos Ojos Verdes", "Quizás, Quizás, Quizás", y "Te Quiero Dijste", son parte de una banda sonora en la que ningún tema es gratuito.

Su supuesta continuación, al menos temática e historica en "2046", es otra maravilla que hay que ver, otro paso adelante en la poética cinematográfica de este hombre, dueño absoluto de sus proyectos.

Una película revolucionaria, llena de automoviles (a Godard le encantaban los coches), automoviles accidentados, de echo el filme está lleno de accidentes, coches destrozados en los lados de la carretera, e incluso en algunos con cuerpos en su interior, bastante sangre y surrealismo.

La historia de la pareja que trata de llegar desde Paris a la finca del padre de ella, al cual solo estiman muerto para así heredar sus bienes, pero el viaje no se presenta tan facil como ellos pudiesen imaginar, atascos, y como ya digo antes, accidentes, complican el normal desarrollo de su roadmovie particualar, ya que los personajes a veces dibagan sobre la posibilidad de encontrarse dentro de una película, más que en la realidad.

Para mi, caba destacar, el monologo del principio, en el que ella sentada encima de la mesa en ropa interior describe las relaciones sexuales a las que fue inducida con varias personas, el atasco posterior, con un larguísimo travelling, y la parte final en la que la pareja entra en la vida de un grupo pseudoterrorista que vive en la rivera de un rio que es animado con un personaje que toca la batería al aire libre. También descato los momentos autoestopistas, un comportamiento completamente beatnick, y además de largos monólogos de dibagaciones varias.

Probablemente la película más disparatada, loca, y surreal de su filomografía, de la cual destaco su final, con ese extraño Frente de Liberación, por su estética y colorido, la fotografía y elección de escenarios, todos del más puro estilo Godard.

Forma parte de una nueva generación de músicos que ya van dando a entender lo que nos espera en un futuro. Avishai nació en 1971 en Jerusalén, donde inició desde pequeño sus estudios de piano, que luego cambiaria por el contrabajo. Luego se trasladaría a Estados Unidos para continuar sus estudios de piano y bajo eléctrico, y más tarde regreso de nuevo a Israel para estudiar en la Music & Art. Academy, otra vez más vuelve a Nueva York, donde se introduce en la música latina, y donde trabajó con Danilo Pérez (actual pianista de la banda de Wayne Shorter) quien en 1996 lo llamó para grabar su primer trabajo discográfico, y últimamente formó parte del trío de Chick Corea.

La banda que nos presentó no era de músicos de renombre pero no por eso de poca calidad, al contrario. El mismo Avishai Cohen al contrabajo y bajo eléctrico, Sam Bar-Shseshet al piano, órgano y teclado eléctrico, Yosvany Aterry al saxofón y chekere y Mark Guiliana a la batería y percusiones.

El concierto derivó desde un clasicismo que se demostraron a lo largo de los cuatro o cinco primeros temas hasta tendencias más acid-jazz, pasando por algunas partes free-jazz sin dejar de mantener la calidad de sus interpretaciones.

Repaso sobre todo a su último trabajo discográfico, sin olvidar algunos temas de anteriores discos, improvisaciones y gran calidad interpretativa por parte de los cuatro miembros de la banda.

Avishai demostró su gran profesionalidad y destreza en su instrumento, destacar su fraseo, muy característico y original, además de su espontaneidad en su toque, recuerdo un concierto junto a Chick Corea, en el que en mitad de un solo de contrabajo rompió una cuerda, y resolvió magistralmente el problema tocando lo que pretendía en el resto de las cuerdas, fue una verdadera pasada.

Los músicos fueron una sorpresa, muy grata además, Sam Bar Shseshet demostró tener una gran capacidad musical y agilidad a las teclas, combinó tres sonidos distintos de teclado, el piano acústico, el teclado eléctrico, y el teclado Hammond con el que daba el toque acid al sonido, además de un extraño instrumento de teclas, de tamaño reducido que sacó a partir de la segunda mitad del concierto, por el que soplaba a trabes de un tubo y que se unía al pequeño teclado por el que tocaba. Yosvany Aterry, saxofonista cubano, no tuvo demasiado oportunidad de demostrar sus cualidades, pero si estuvo brillante en los momentos en los que le fue posible, y muy destacable la actuación de Mark Guiliana, que fue un verdadero trueno con la batería, todo tipo de cosas imaginables, y con el mayor gusto posible, que es lo más importante, tocando lo más suave imaginable cuando era el momento y con la pegada más potente en el momento en que era necesario, sin duda alguna uno de los alicientes del concierto.

Destacar la simpatía de los músicos, los cuatro muy jóvenes, que salieron a firmar discos, y no tuvieron el mínimo problema en fotografiarse junto al público cuando este lo pidió, comentar también la amistad que une a Sam Bar-Shseshet y a Mark Guiliana, ambos con tan solo veintitrés años y que estudian juntos en una academia musical de los Estados Unidos. Y la agradable conversación que tuvimos con Yosvany Aterry, que demostró su humildad y honestidad en las palabras que intercambiamos.

Foto: Morelli