oscar salamanca

c.m

2008-11-23T00:52:33+00:00

En vista de un inesperado paro del único bus que llega y sale de la población de Alcalá de Jucar hacia la ciudad de Albacete y Valencia no hubo más que ponerse a trabajar y tomar algunas imágenes de la hoz de jucar. El martes si que bajaré a comprar material para continuar el proyecto, o sea algo de mertiolate y papel.

Residencia artistica en Alcala de Jucar, España

2008-11-20T23:27:15+00:00

algunas imagenes

F.m

2008-11-17T19:15:11+00:00

palacio real y jardin vertical de la caixa forum, Madrid

Imágenes de Madrid

2008-11-12T14:46:42+00:00

patio contenedor

con Alfredo Virguez y Germán Obando en Madrid, noviembre 11 2008, un par de cañas en el otoño.

caixa forum

Adiós de inmigrante descolorido

2008-11-09T00:17:11+00:00

Son 20 kilogramos de peso , la maleta es rígida y la anatomía de su diseño recuerda lo crudo que puede ser cargar a cuestas la casa, la existencia rutinaria de lo cotidiano. Desde hoy emprendo un viaje de mochila, poco hormigón, un libro, un cuaderno de dibujos, varios pinceles y 8 rotuladores de punta fina, con la esperanza de convertir , papeles, hojas sueltas, tintas y pelos desparramados en algo parecido a una obra plástica, a un algo, cosa del mundo, que se convierta por la insistencia y lo sórdido en el sentido del arte. Mi propósito consiste en dedicar la mayor parte del tiempo de una residencia artística a pensar lo fuerte que resulta trazar con la mayor delicadeza una línea, ese recorrido silencioso de la concentración y la reflexión sencilla sobre una idea, sobre un abstracto.
Luego ya me asaltarán los murmullos y la insensatez de aquel que grita fuerte y molesta; luego, la vida cotidiana se encargará de suministrar los intersticios mudos de la experiencia privada, pero eso será en otro momento, quizás menos afortunado, ahora queda la silla expectante del aire y el agua, intermedio del sueño por volver, volver a pensar en la soledad del inmigrante y su silencio.
Un saludo amigos y enemigos, uno que fue inmigrante del color vuelve sus pasos por él.

Hombre-arte, ermitaño violento que vive en la barricada florida construida en la Universidad Tecnológica de Pereira

2008-11-08T19:30:39+00:00

Me niego a creer en el vecino, se escuchó pausadamente en la voz del anciano cargado de experiencia y soledad. No pretendo ahora, continuó el viejo, buscar en la tranquilidad de la barricada ese lugar de lo apacible cuando a todas luces, muchas veces me refugié en el cobarde harapo y en la tierra negra contaminada de mierda que me dieron por el favor de tragarme mi pensamiento y guardar silencio frente a la comunión de esta horda de hijueputas. Así como a Yolanda, la líder campesina asesinada vilmente por los paramilitares, le dieron un hueco por tumba donde apenas cupo de cuclillas, robusta y grande mujer colombiana, a mi me dieron un pedazo de tierra envuelta en un metro cuadrado de bultos apilados y por demás del Estado: tierra mezclada de mierda de Pereira por años.

En realidad nadie me la dio, porque el Estado al final es un abstracto, fue el arte. No obstante, el arte, en medio de su abstracción, hizo posible que existiera para mi un metro cuadrado, un hogar al fin de cuentas, construido con bolsas modulares de tierra contenida en telas con exquisitas decoraciones floridas y populares. El proyecto artístico, en su afán de encontrar una diálogo, una transmisión segura a los públicos de la conciencia problemática de nuestra sociedad, convocó a una masiva donación de telas de cortina, sábanas, cubrelechos o algún otro tejido que tuviera “pintas floridas”, las cuales permitieron la elaboración de costales para la barricada. El objetivo consistía y consiste ahora, creo, en hacer visible un problema soterrado de desconfianza en el propio vecino visto como sospechoso. El “vivo” de la tela con todo su color connotaría la estimulante ironía y simulación de jugar entre lo bello estético ficcional y la terrible realidad de una estrategia bélica al servicio de la comunidad.

El arte, entonces, me dio la barricada como casa, ellos la seguirían viendo como estrategia de producción de sentido, yo, simplemente como una consecuencia de transformación del entorno y refugio. Algunos profesores y estudiantes avezados me han abordado para decirme que la barricada, en realidad no es un lugar, o mejor, es un no lugar como si yo no entendiera que un proyecto artístico fallido como es éste tampoco es un objeto, ni cosa estética, ya que su función protectora nunca se ha cumplido y eso, perdónenme ustedes, fue la base fundacional de la materialización de la propuesta.

¿Qué es entonces una barricada florida inocua? Es un NO objeto, puesto que se ha escindido su función mínima del significado, para convertirse en concepto gaseoso minado y mediado por la experiencia de una realidad objetual que lucha entre el paradigma de ser obra de arte o cosa útil.

Tengo conciencia que lo que soy me lo ha otorgado el arte, hoy la barricada por casa y ayer el estado de invalidez que produce caminar todo el tiempo agachado. Por lo anterior debo explicar el sentido de mis palabras.

Yo con el arte tengo todavía mis problemas, soy, y lo acepto así, un hombre arte. Quiero decir que hace unos años yo era una persona normal, caminaba normalmente mirando firmemente al horizonte seguro de mí trasegar. Pero de un momento a otro, me fui encorvando hasta llegar al extremo de no poder caminar sino completamente flexionado, es decir y como se dice vulgarmente, agachado. Camino en cuclillas sin poder despegar mis ojos del suelo. Descubrí que este extraño comportamiento de mi cuerpo se debía, así como el proyecto de la barricadas floridas, a una idea proveniente del arte y así mismo descubrí que yo soy un hombre arte porque algunas ideas del arte se materializan en mi.

Un artista plástico tuvo una idea en la cual todos los seres humanos caminaríamos agachados sin poder mirar al frente como una metáfora conflictiva de la vida contemporánea y un desafío a la evolución de la especie. Entonces, la potencia protérvica del enunciado artístico de inmediato se posesionó como un virus disangélico en mi humanidad y terminé caminando a ras de suelo, terminé viviendo en el sustrato del mundo.

No tengo conocimiento si en otras personas se “materializó” la obra de arte como en mi caso, pero eso no importa, ya que es otra manera de encontrar sentido, no tanto para el arte sino para la vida, soy , a todas luces un hombre arte, un hombre en quien la metáfora vive con todo ese activismo orgánico.

En la obra barricadas floridas se completó en mí una especie de círculo macabro ya que si antes una idea doblegó mi cuerpo, hoy otra idea plástica me ha dado como casa una barricada de defensa, un laboratorio de guerra. Digamos la verdad por favor: el hombre arte que soy busca la verdad de la belleza hoy en la violencia, cuerpo violentado y espacio mecanicista estético de ella. Quiere decir que el arte contemporáneo ha descubierto en la violencia la acepción de belleza hoy. Los eruditos no podrán discernir, ni lo poetas tampoco se deberán alejar de esta premisa que veo tan claramente desde mi pobre perspectiva subterránea.

La violencia es la idea de belleza de nuestro mundo contemporáneo, por ello soy consecuente y recurro a su escarnio público seguro de encontrar en la violencia el sustento de toda producción del arte para otorgarle un sentido a nuestra vida. La violencia y sus enunciados nos alejarán incomprensiblemente de la muerte porque nos proporcionará los elementos salvíficos necesarios, la violencia no es tanto la muerte sino una estrategia de la estética contemporánea.

En mi casa barricada viviré a expensas de la violencia esperando machete en mano que esa suerte de dibujos que una vez me conformaron se defina en la realidad de la verdad y la acción. En otras palabras, el arte me influye y el arte decide mi vida y mi comportamiento.

Yo creo en la violencia, me perdonarán, alguien de mi edad y experiencia que diga estas cosas, pero es la verdad, creo en la belleza de la violencia, el retorcimiento e hibridación de los cuerpos, la fragmentación cínica, la ubicación a conciencia del atascamiento de la frustración, pero también el simulacro de la protección, el juego inocuo del arte y la estupidez de generar lazos de comunicación humana con toques simulados de estética de pueblo desplazado y pobre. Creo en el ataque más que en la defensa, ya que esta pírrica defensa de una barricada decorativa en el espacio público, no es más sino una estrategia literal de desgaste posmodernista, de auto revisionismo poshistórico, de extracción sublimada en lo posible.

La violencia no es sólo el desgarramiento del ser y la muerte como fin último, sino también el espacio para la reflexión desde el arte en su pasividad combativa del pensamiento disidente. Señores, no soy guerrillero cuando hablo de resistencia, como tampoco pretendo hacer un nuevo grupo de combatientes con la sabia de la resistencia. No, hablo de resistencia frente a la composición de mundo hoy, a las mecánicas que nos han llevado a la violencia degenerativa de andar agachados, mirando nuestros pasos, teniendo exceso cuidado de donde pisar, sin levantar la mirada y buscando como único refugio de hogar la barricada por demás decorada con la superficialidad de lo decorativo en nuestras vidas. Esta es la violencia aquí convocada, ya que mirar directamente y decir las cosas representan en el temeroso, en el pelele, miedos y violencias pronunciadas. La belleza es la violencia, hagamos una fiesta, proyectémosla naturalmente como propósito plástico y sino fundacional del arte de hoy.

Ser hombre-arte tiene sus momentos, la mayor parte del tiempo, siempre agachado y mirando al suelo, me descubro interesado en la lombriz de tierra, en el gusano que vive junto a mi, en la cucaracha grande y placentaria. En ese tiempo muerto detrás de la frontera de la protección, cuento los minutos y compruebo con entusiasmo de entomólogo el crecimiento paciente del musgo natural. Por lo anterior mi obra será la enumeración obsesiva y metodológica de todos mis compañeros de mundo no humano. Mi obra dará cuenta de su existencia, los dibujaré pacientemente, haré una reseña cuidadosa del cómo son y cómo viven en mi compañía.

Ahora cubro mi rostro con un pedazo de cobija blanco, un fetiche de la seguridad embrionaria por la pérdida irreparable de mi hermano gemelo, de mi con, ahora olvidado, por ello no hay contradicción entre la intención figurada de la violencia identificada con lo bello hoy y el ocultamiento del rostro de significado placentario. Yo hago un uso estético de la violencia, expongo ante el mundo la agresividad, extrema violencia, de enfrentar al protoenemigo con un machete, allí agachado expectante, arma de justicia romántica, camino gacho entre la multitud y espero, anunciando lo que debe ser el nuevo paisaje ontológico.

La violencia, como dije antes, nada tiene que ver con mi cuerpo encorvado, pues tanto violencia como deformación, fueron impuestas por el arte, hombre arte, grabadas como un tatuaje hecho en fuego desde el arte. Es consecuente, entonces pensar que todos los esfuerzos hechos por enderezar mi esqueleto y guardar la epopeya de la hoja filosa y cortante han sido en vano. Mucho me temo que no podré, de nuevo, volver a erguir mi anatomía. Pero aquél artista que me dio esta forma y ahora el proyecto que me da un hogar no tienen porque desligar la evidencia del arte en esta suerte de consecuencias que, ahora, para nada los involucra. No importa, estas cosas pasan y pensándolo bien, poseer una curvatura tan pronunciada en mi esqueleto lo sigo considerando una buena idea para el arte que, unida a la altura del metro cuadrado de la barricada florida- hogar, encuentra una relación más que conceptual.

A partir de los proyectos artísticos he caminado agachado y también desde el arte me encuentro en una difícil situación de defensa. Me pregunto: defensa de qué, quizás de producir un dibujo aotuodefensable, de producir constantes performances producto de la escena dramática del teatro, machete en mano y dispuesto a generar más y más belleza en la potencia de la violencia. El arte me ha hecho combativo de un día para otro, y esto no se debe a la naturaleza de la barricada, la cual es hasta pacifica, sino a la lógica belicista de su propia existencia. Mi instrumento para producir arte es el machete y estar agachado, ambas situaciones, performances y acción plásticas se convierten en el no lugar y el no objeto tantas veces buscados por la hermenéutica fina ontológica. La barricada es matriz y hogar umbilical de compleja comunión, es, a todas luces construcción arte escindida en la función lógica de una vida de tención metafórica y violencia cardinal en un dibujo amanerado a fuerzas de la desfiguración de mundo expectante ante la violencia.

Mi anatomía y ahora mi trabajo de vigía de la violencia indican que la atmósfera del arte ha cambiado y seducido a otros seres, personas que empiezan ya a caminar agachados y con machete en mano por demás dispuestos al ataque y la confrontación ante la tertulia insoportable de lo ingrávido alucinado por el esteta aburrido y rechoncho.

Oscar Salamanca

Profesor Universidad Tecnológica de Pereira

Proyecto “Barricadas Floridas”

Grupo de investigación L’H y semillero DECI-DEPU

12 Salón regional de artistas 2008

41 Salón Nacional de Artistas Nacionales, Ministerio de Cultura, Colombia 2008

Pornografía blogera del disfraz ventral en un pedo disonante

2008-10-24T01:34:09+00:00

El blog es una maquinaria para el autoconocimiento, de esto no hay duda, y así lo he asumido desde el principio, cuando decidí la soledad de este espacio virtual, donde lo único que importa soy yo, o lo que de mí se pueda desprender para ser devorado antropofágicamente. Mi blog es un reflejo de mi pensamiento, unas veces anacrónico, otras molar, pero de todas formas, perfectamente contradictorio. Por lo anterior me parece apenas acertado decir que mi blog es pornográfico, puesto que exhibo sin pudor la composición de mi pensamiento en el momento y sin reparos ni miedos incitados: muestro todo y no reservo nada para el erotismo, independiente de lo que se entienda por ello. Ya antes, el mundo, o mejor, la miseria del mundo ha intentado acallar la voz del bloger. Ese mundo del miedo, se han manifestado en pos de la censura, una y otra vez, y de todas esas batallitas no ha quedado sino la falta de argumentaciones que se dicen, en su momento ciertas cuando de atacar a alguien que habla se trata. Yo llegué a un desierto de la palabra, ahora por lo menos hay palmeras desde donde poder ver la tormenta que se avecina. Yo mismo, en mi blog, me encuentro “ encaramado” quizás en la palmera más debilucha, ella es, hasta tonta, pero al fin y al cabo es una palmera nacida aquí, de esas voces que se resisten, como le decía a mi amigo Víctor, a sobrevivir a nuestra propia miseria. Yo estoy en Pereira sin ánimo colonizador, soy de aquí, puesto aquí tengo trabajo, nada más. Estoy conciente que esta realidad no otorga medallas a la pereiraneidad, como tampoco ofrece recompensas por el exilio de Bucaramanga. Ni Pereira ni Bucaramanga, son ciudades cosmopolitas y creo que sería un error que lo fueran, tiene su identidad y yo vivo en su cotidianidad, que a todas luces puede ser otra en cualquier momento. Ayer, y debo hacer la denuncia, recibí una llamada terrorista, quiero decir, de terrorismo virulento y desgastado de balbucear cientos de groserías en medio de una comunicación entrecortada por suspiros resentidos y juramentos de venganza. ¡Qué pena! Y que desperdicio. En esa llamada, el caso nuclear de la denuncia se centró en el blog, sí, en mi blog, o por lo menos, lo que en él da cuenta de una actitud pornográfica. Estuve revisando, no sólo el blog, sino las definiciones de pornografía del diccionario, por “delante y por detrás” y la verdad no pude enterarme si la critica de la llamada terrorista ( eso es punible y denunciable legalmente. Ojo con eso) era por el grado de exhibición y “hacer” excesivamente visible un ser ( que soy yo mismo), o simplemente se entendía lo pornográfico desde esa “bonita” baranda color rosa desde donde nos fascina mirar al vecino y seguir el comportamiento, ahora judicializado, de una persona que se dice amar. YA DEJEN DE PERSEGUIR ARTISTAS.

Hoy me he despertado pensando que el blog sí es pornografía y de la dura, ya que permite, no solamente a mi, sino a todos los que acceden a él , un grado de exhibición impúdica del cual es muy difícil despegarse con naturalidad ( definición de masturbación mental). Es, por decirlo de alguna manera, un disfraz que tiene que ver con los intestinos, con lo ventral del cuerpo mancillado que lo único que arroja son gases inflamables, por demás disonantes, de nuestra propia perversión amorosa y pensamiento pírrico, así yo me deje la colita de caballo y ella no se me quite la falda de bordaditos pobres y olor a jabón Palmolive, que tanto hace pensar en la canción protesta cuando decido SER ARTISTA, eso sí, con la cervecita en mano, por si no sale algo más.

CIRCUS EUROPA, VIDEO PERFOMANCE Y ACCIONES PLÁSTICAS DE OSCAR SALAMANCA

2008-10-13T17:14:18+00:00

La obra “Circus Europa” del artista Oscar Salamanca se encuentra definida como una estrategia derivada del performance europeo y la simulación apropiacionista de la acción plástica norteamericana, llevadas al campo de la reproducción técnica y la socialización masificada. Su obra es la producción de videos promociónales que usa como mecánica o laboratorio de indagación los medios de comunicación, en este caso portales virtuales de participación democrática y gratuita. El artista “enmascara” la información como una presentación protoescenográfica de un actor de circo nómada y libertario con acento español, quien nos permite entrar en el entorno de su privacidad, conociéndolo en los detalles más generales de una persona, estatura, peso y edad; pero también certificándonos que el artista ubica el inicio de su creación en la evidencia de un entorno familiar reflejo del orden y la miseria confortable de la casa, un apartamento ubicado en el popular barrio L’ Hospitalet en Barcelona. Desde el origen matrístico, podríamos llamarlo, comienza en el video la presentación, siempre con visos de realidad, de productos videograficos correspondientes a la nostalgia por el querer ser y la imposibilidad de serlo: el video arte hace posible vivir esa vida que alguna vez se quiso, libertad, creación constante y total y desprendimiento de las circunstancias frustrantes que implica la crudeza de la vida con toda esa carga de responsabilidades. La obra “Circus Europa” vende de forma gratis toda la ilusión que el artista Oscar Salamanca ha querido para sí mismo, materializando, convirtiendo en realidad lo imposible a partir del juego de la simulación, la apropiación y la fantasía.

El trabajo surge desde el tatuaje anímico y lo emocional de la experiencia privada transformada y digerida por el imaginario colectivo, lo poético y la magia que permite convertir el “deseo” cultivado tanto tiempo en utopía posible de libertad y trasegar felizmente por el mundo, sin impedimentos ni restricciones. Desde esta perspectiva se ha creado en el personaje Oscar Salamanca un icono de separación y representación evasiva salvífica sobre los problemas elementales del ser humano, ya que la imagen del bufón, del payaso, tienen el áurea de protección aséptica, incluso atemporal y crítica.

El nombre de la obra es “Circus Europa” porque conquista desde la imaginación y la experimentación del simulacro lugares alimentados múltiples veces por la literatura, los viajes fantásticos y la idealización de culturas lejanas y extrañas. Tenemos que dentro de los personajes creados para alimentar la ficción interpretados en diversos espacios axiomáticos, aparecen los mitos de la infancia y la adolescencia, entre ellos merece la pena señalar el lagarto domesticado, la punta acerada, la medusa y el pelele. El lagarto mascota toca la infancia primera del autor en Barrancabermeja- Colombia, una zona de marcada riqueza mineral pero de extrema pobreza humana e injusticia social, donde el lagarto se convirtió en símbolo de resistencia cultural y nostalgia por la separación de lo natural en nuestra vida. La punta acerada, por su lado, corresponde en “Circus Europa” a la fantasía que aún sigue cautivando las extraordinarias asociaciones de imágenes provenientes de la enigmática serie de televisión inglesa de los años 70s, “Zafiro y Acero”. En este caso la punta acerada es un personaje a rayas de corbata y nariz de payaso rojas, el cual pierde fortaleza frente al contacto humano. La medusa y el pelele han resultado de la experiencia docente en Colombia, la medusa convoca el contenido revisado del mito contemporáneo y el pelele la marioneta humana de vestido gris, ambas imágenes decadentes del escenario mágico-religioso latinoamericano.

Para poder ver la obra por favor siga el link de la página de youtube, titulado oscar salamanca: http://www.youtube.com/watch?v=oBpKNvIFzlw

crítica de Gabriel Castillo a la curaduría "región imaginada" y respuesta

2008-10-21T18:50:37+00:00

Transcribo el texto de Gabriel Castillo, artista participante en la curaduría del XII Salòn de artistas zona Oriente. Se adjunta, así mismo, respuesta de Oscar Salamanca.

En los dos últimos Salones Regionales (salón nacional) y el próximo que se acerca, se está experimentando con grupos curatoriales para depurarlo. Estas curadurías en esta región no han logrado marcar diferencias, respecto a la anterior estrategia de utilizar un jurado designado por el ministerio, que se encargaba de hacer la selección.

Este método de curadurías pareciera el mismo sistema anterior, donde los curadores arman una farsa escrita y se llevan la bolsa de los artistas. El grupo curatorial ganador convoca una reunión a los interesados en participar y les muestran las bases de su convocatoria y desaparecen sin vistar ni hablar con nadie, para esperar las propuestas en un sitio indicado. Así han funcionado dichas curadurías en Cúcuta.

Sería conveniente que el ministerio vuelva a considerar el método de selección, utilizar jueces especializados, ojalá de solo críticos críticos. De esta manera ahorrarían gastos y el dinero de los incompetentes curadores los destinen como incentivos a los creadores de la provincia, ya que las curadurías no cumplen con la tarea asignada.

Desde Cúcuta,

Gabriel Castillo.

hola Gabriel, he leido su texto socializado en esfera pública. Al respecto sólo cabe comentarle que el argumento presentado es bajisimo intelectualmente y la verdad no aporta, como es debido, elementos de análisis, más allá de una simple denuncia paradigmatica de resentimiento. Lástima que como conclusión diga que nosotros los curadores del XII Salòn regional zona oriente, hemos sido unos expoliadores y ladrones de las miserias conceptuales o riquezas perceptuales de ustedes, pobres artistas creadores, una vez más prostituidos inevitablemente. Esto , además de descentrado, no es cierto y demuestra una tendencia nociva del pensamiento raquítico del arte cuando coloca al artista en la frontera de la mendicidad y el ser victima.

Creo que el trabajo realizado fue propositivo, pero le doy la razon en algo: nos faltó riesgo. Ese riego mínimo empleado logró ,sin embargo, la discusión y el trabajo dedicado de parte de nosotros, no de todos, pues como ya se sabe, la mezquindad terminó de jugar su ejemplar papel.

No lo tome como algo personal, solo lo invito a reflexionar con mayor grado de responsabilidad en la exposición de sus percepciones, eso es algo que necesita maduración.

Cinta propiciatoria de la caja matrística del Museo Tecmit

2008-10-22T03:01:45+00:00

Cinta propiciatoria,caja matrística, Museo Tecmit, Pereira, Colombia

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Un objeto de origen orgánico puro y reconciliatorio es el que cubre, a manera de superficie superior, la caja matrística. La cinta, de un metro y medio de longitud con un ancho de 10 centímetros y terminaciones nerviosas, simula la piel de una culebra y el cordón umbilical de unión uterina y placentaria. Caja y cinta ofrecen la posibilidad del regreso inicial en la figura de un embrión solitario y de excesos cromáticos, como si de repente, la esfera íntima iluminara desde adentro con luz propia y divinidad desublimada. El gesto del arte contemporáneo se encuentra en la mirada no directa, dado por el reflejo o la interferencia del artilugio metálico que, a todas luces, impide la ulterior petrificación y masificación corporal y de espíritu. El lazo de comunión y unión germinal en el nacimiento de la cinta propicia, en clara emoción ritualista, la forma básica del conjunto geodésico del pensamiento de un ser mediado por la ilusión de una imagen, materia tangible de lo etéreo y vaporoso. Por esta razón la cinta propiaciatoria emula la epidermis del animal que encarna la alianza imposible y el recorrido rastrero de lo humano intrascendente. La cinta se convierte en lo matrístico del contenedor de sentido, clausura definitiva de la experiencia del arte y la vinculación portentosa y protervica de la vida. La naturaleza normalizada por el apropiacionismo de la simulación genera y re-crea el nuevo evangelio renovado, el quinto evangelio tantas veces repasado en el aprendizaje nocturno de la huida. Así las cosas, la naturaleza no pertenece a los discursos ocultos de la caja de oro nostálgico, donde en el paradigma escindido de lo ético y moral en el arte hoy, echa a andar una intrincada maquinaria bélica de asociaciones conceptuales y procesos tecnológicos generacionales. Sí, nos encontramos ad portas de una eventual manifestación tretramórfica que exhala la pútrida representación de lo humano trascendido en la imagen de la madre única y vigorosa en constante acto de restricción metafórica. Solo basta el gesto arte del despojo sagrado ¿qué he de trascender cuando lo real reduzca el enlucido mítico de la zozobra al relicario poliédrico de la matriz de creación paralógica? ¿Cuál ha de ser la dirección de la mirada petrificadota del animal centelleante en la mar nebulosa del intersticio abyecto revelado al nacimiento ontológico? La respuesta se encuentra, de nuevo y evidentemente, en la obra de arte. No obstante los poderes del vacío y el horror por el lenguaje de la obra de arte, los estudios de la academia continúan el camino de la interpretación y la trasmisión seguros de contener el recorrido gestual y el decaimiento de la cansada expresión hasta su desaparición en el laboratorio científico propio de lo sensible fustigado por la banalidad del discurso.

La lengua producirá tantos desvarios propiciatorios como mensajes ocultos guarda la caja matrística, pero ello, nos referimos como curadores del Museo de la mala nueva, convocará el sustrato emocional subjetivo del creador sin sentido, ya que el fin buscará la cuerda como un interminable suicidio del inmenso reloj del tiempo universal guardado celosamente, como quien teme a la fuga irremediable del mal y la sabiduría. El arte renueva el pacto religante que la cinta madre propiciatoria da a nuevos comienzos y viejas muertes tantas veces vividas.

VIOLENCIA, exposición individual de Oscar Salamanca en México

2008-10-21T18:43:09+00:00

VIOLENCIA, PINTURAS DE OSCAR SALAMANCA

El proyecto de investigación-creación consiste en una serie de obras de arte bidimensionales y de pequeño formato, realizadas en la técnica de mercurocromo y mertiolate sobre papel, tomando como tema de investigación la actual situación socio-política de Colombia. A pesar de que la palabra VIOLENCIA determina en nuestro imaginario una etapa concreta de la historia contemporánea, el enfoque utilizado aborda una concepción general de malestar dado por el conflicto armado en el país que toca muchas esferas y procesos generacionales. En esta serie aparecen reflejados los actores de la guerra, estado, guerrilla y paramilitarismo con sus terribles consecuencias humanas, sin caer en planos denunciativos simplistas y clichés melodramáticos. De hecho, el contenido simbólico de las obras nos habla de metáforas activas y portentosas donde la virtud curativa del mertiolate o mercurocromo se convierte en una mueca cínica salvífica epidérmica que señala la imposibilidad de una curación profunda, tal cual es la realidad violenta del colombiano.Lugar: MUSEO DE ARTE HERMILIA DOMINGUEZ, COMITAN DE DOMINGUEZ, CHIAPAS, MEXICO

fecha: 9 de octubre al 7 de noviembre de 2008

www.conecultachiapas.gob.mex

www.oscarsalamanca.net

Conferencia de Pere Salabert, enmarcada en el proyecto de MAESTRIA EN ESTÉTICA Y CREACIÓN de la Universidad Tecnológica de Pereira

2008-09-26T15:03:11+00:00

Pere Salabert

En el día de ayer, jueves 25 de septiembre, se llevó a cabo en el Museo de Arte de Pereira, la conferencia Textos y Texturas o de lo Fresco a lo Podrido dictada por el profesor de la Universidad de Barcelona, Pere Salabert Solé. El tema tratado abordó la belleza desde el paradigma del mensaje disangelico de lo abyecto.

La conferencia hace parte de una serie de proyectos académicos enmarcados en la MAESTRIA EN ESTETICA Y CREACION de la Universidad Tecnologica de Pereira, soportada por la producción investigativa de los grupos Arte y Cultura y L'H.

TAJO II

2008-09-21T23:46:07+00:00

El profesor Oscar Salamanca, adscrito a la Facultad de Bellas Artes y Humanidades, realizará el próximo miércoles 17 de septiembre de 2008 a las 7:30 p.m. en la Galería “Le carré d’art”, en Lima – Perú, la exposición “TAJO II”.

El profesor Salamanca expondrá al lado del artista peruano – español Felipe la Hoz.

La exposición se compone de dibujos realizados en técnicas mixtas y diversos formatos. El maestro Salamanca para esta exposición toma como eje de investigación la delicada situación socio-política que produce el miedo por la guerra en Colombia, con la muestra de 15 dibujos.

Pere Salabert a Pereira

2008-09-21T23:34:32+00:00

El Departamento de Humanidades e Idiomas de la Universidad Tecnológica de Pereira y el proyecto de Maestría en Estética y Creación invitan a la comunidad universitaria el próximo 25 de septiembre de 2008 desde las 10:00 a.m. en el Museo de Arte de Pereira - Teatro Don Juan María Marulanda a la conferencia Textos y Texturas o de lo Fresco a lo Podrido.

La conferencia estará a cargo del profesor Pere Salabert, catedrático de estética y teoría del arte de la Universidad de Barcelona. El profesor Salabert es uno de los teóricos más
relevantes en la actualidad para comprender los problemas y desafíos que plantea el arte contemporáneo, condición que le ha permitido participar como profesor invitado y conferencista en diferentes universidades del mundo, espacialmente en países como: Argentina (Buenos Aires, Rosario, Santa Fe), Brasil (Sao Paulo), Colombia (Bogotá, Bucaramanga, Cali, Cartagena, Manizales, Medellín), Chile (Santiago), Cuba (La Habana), Dinamarca (Aarhus), EUA (Cambridge, Mass.), Francia (Aix, Blois, La Martinique, Perpignan, Tours, Paris), Italia (Urbino), México (México DF) Uruguay (Montevideo).

El profesor Salabert es autor de aproximadamente 20 libros entre los que se destacan (D)efecto de la pintura, Barcelona, Editorial Anthropos, 1985; Imatges. Inimatges. Una teoría del representar, Barcelona, Glauco-Laertes, 1986; Estética de todo o Teoría de lo "light", Valencia, Centro de Semiótica y Teoría del Espectáculo - Universidad de Valencia y Asociación Vasca de Semiótica, 1989; De la creatividad y el Kitsch. Meditaciones posmodernas. (Charlas montevideanas, 1989), Montevideo, Ediciones de UNO, 1989; La mirada en el vacío. Ensayos de estética y semiótica, Poetica et Analytica 9, Almen Semiotik, Aarhus Universitet, Aarhus (Din), 1990; Declives éticos, apogeo estético y un ensayo más, Universidad Nacional de Colombia y Edit. Facultad de Humanidades, Universidad del Valle, Cali- Medellín (Col), 1991; De la creatividad y el neo-Kitsch. Meditaciones postmodernas, Vinten Editor, Montevideo (Uru), 1993; Pintura anémica, cuerpo suculento, Editorial Laertes, Barcelona, 2003; La redención de la carne. Hastío del alma y elogio de la pudrición, Cendeac (Centro de documentación y estudios avanzados de Arte Contemporáneo), Murcia, 2004; Sphairos. Geografía del amor y la imaginación, Editorial Laertes, Barcelona, 2005; Estética plural de la naturaleza (dir. P. Salabert, H. Parret y D. Chateau), Editorial Laertes, Barcelona, 2006; El cuerpo es el sueño de la razón y la inspiración una serpiente enfurecida. Marcel.lí Antúnez, contracara, Cendeac (Centro de Documentación y Estudios Avanzados de Arte Contemporáneo), Murcia, 2008.

Igualmente ha practicado la crítica de arte en publicaciones de Barcelona y Madrid, y ha dirigido la revista especializada D'ART de la Universidad de Barcelona y hasta 2004 su nueva versión MATERIA.

A propósito de su conferencia en Pereira “Textos y texturas, o de lo fresco a lo podrido”, Pere Salabert dice:

“Debemos admitirlo. El arte en cada uno de sus periodos es responsable de reinventar sus medios o maneras para la representación del mundo en torno con unos fines que le son propios y cuya oscuridad inicial enjuagará el tiempo en contadas ocasiones. Se sitúa así a cierta distancia psicológica con respecto a una realidad que siendo de su incumbencia nos devuelve sometida a distorsiones —función del artista es maltratar deformando, romper, fragmentar o despedazar, arruinar para rehacer o restablecer—, a descarríos que determinarán un valor semántico y a la vez estético para el mundo. En cualquier caso, la representación —cualquiera que sea su naturaleza— nunca magnifica en sus inicios aquello que ha tomado por objeto. Así, salvo pensar que el «nacimiento del Arte» se da en el siglo XV europeo, con Giotto como su profeta y mayor héroe, artes como la pintura o la escultura, o la poesía incluso —por no decir el teatro o el cine en extremos opuestos de la Historia—, nunca brotan de un simple deseo de mostrar describiendo las cosas, sino de otra aspiración mucho más confusa y profunda que tiende a impedir el flujo de lo real deteniendo su efusión, para evitarlo. Cobra entonces todo su relieve aquella pregunta de Nietzsche, cien veces pertinente, acerca de si no será la producción artística la consecuencia de un descontento del hombre ante la realidad, efecto de un fastidio existencial… Descontento, cautela derivada de un desasosiego o prevención a raíz del miedo, toda representación es un sortilegio. Porque una imagen, sea visual o literaria, encierra siempre un tanto por ciento muy elevado de exorcismo.

Así se explica que el largo camino de la tarea denominada arte desemboque hoy en lo que llamaría una perentoriedad final del cuerpo a mayor gloria de la materia. Dicho de otro modo, aspirando a lo imposible de la Presencia, la representación se renueva en lo que efectivamente es: Re-presentación. Y mientras el tacto se impone a la vista, el roce a la contemplación, la violencia y el cuerpo-a-cuerpo al intercambio verbal, la materiología gozosa sucede a la gélida ontología. La supuesta «historia» de la pintura —historia del arte en general, desde los ídolos más remotos hasta las más actuales mujeres performistas— se revela al cabo como una toma en picado sobre lo material mundano hasta alcanzarlo en su más estricta literalidad. Una gran parte de la actividad artística es ahí un zoom sobre lo humano atento a lo más sumario de la propia carne y sus fluidos corporales.
Caída en su propio abismo, la belleza clásica deja paso a la abyección. Abyecto, es decir: lo siniestro desvelado”.

Pere Salabert, Barcelona, septiembre 12 de 2008

Entrada Libre

Esta conferencia se desarrolla gracias a la gestión de los Grupos de investigación en Arte y Cultura, y L’H de la Facultad de Bellas Artes y Humanidades de la UTP, y al apoyo de la Vicerrectoría Académica, el Centro Colombo Americano de Pereira, el Museo de Arte de Pereira, la Corporación Cine Club Borges, el periódico La Tarde y la Universidad Católica Popular de Risaralda.

La cagada de Lucas Ospina y el robo del Goya

2008-10-01T13:24:52+00:00

En mi clase de ética (aún existen en Colombia programas universitarios en arte que tienen en su pensum asignaturas de ética) les he presentado al grupo la evolución del caso relacionado con el robo del grabado de Goya en la Fundación Alzate Avendaño. Precisamente nuestro interés en estos últimos encuentros los hemos puesto en temas como la apropiación, la forma robada y las estrategias de simulacro y simulación, debido a que el arte contemporáneo, creemos nosotros, hace caso omiso a paradigmas morales y posicionamientos éticos unívocos y únicos; incluso, es insostenible en el arte de hoy tan siquiera su planteamiento, sino es para ejercer la debida crítica. Hemos estudiado con cuidado el comunicado del supuesto grupo S-11 el cual se reivindicó el robo del Goya, liberándolo, se decía, de ese entramado de intereses y demagogias implícitas en el desgastado mundo del arte. La idea de reivindicar en caliente un hecho delictivo tan publicitario en realidad la considero como una muy buena salida desde el arte cuando algo tan sencillo como una misiva, una comunicación enmascarada de grupo guerrillero, logra hacer visible problemas tan serios. Sin embargo es bastante decepcionante que esta propuesta se haya vulgarizado hasta alcanzar el tinte de simple broma oportunista (fijémonos que los mass-media le dieron el tono de seriedad y credibilidad y luego, inteligentemente se lo sustraen). En este sentido si debo criticar la ingenuidad del autor de la misiva -LUCAS OSPINA -cuando, por no proyectar los alcances de su obra, desaprovecha elementos valiosos como el anonimato, el impacto, la expectación y la confusión, quizás como resultado de su inexperiencia, presión social, laboral o miedo a verse implicado en una investigación judicial. La propuesta es contundente pero arriesgada y es por esto que la función del arte, a pesar de haberse planteado desde la seriedad de lo real –trágico-, termine siendo un juego de arrepentimientos y chiste de segunda, me parece que el arte va en otra dirección y no es precisamente la de convertirlo en cliché de burla sin sentido.

La cagada de Lucas Ospina y el robo del Goya

2008-09-18T04:37:50+00:00

Lanza vanguardista prístina y prismática barroca del Museo TECMIT.

2008-09-16T22:17:36+00:00

Punta de lanza del asta de la bandera del Museo TECMIT (mítico, tecnológico y de arte contemporáneo de la ciudad de Pereria, Colombia, ubicado junto a la facultad de Bellas Artes y Humanidades de la Universidad Tecnológica de Pereira)

Ya son tres los ataques recibidos inmisericordemente por al ala más conservadora de la escuela. Con ésta expresión, el remate pilar de bandera que aquí, en la declaración de intenciones del nuevo museo, será punta de lanza conformada por tres huesos telúricos y de organicismo pronunciado. La punta de lanza a la que aludimos corona victoriosa la bandera insignia del museo TECMIT. Ambas, bandera y remate son objetos extraños que se interponen por ser, diríamos, de naturaleza compleja, pero más allá, cosa estética que algún poeta arrojó fuera de su vida con alguna intensión perversa.

En efecto, el asta, en particular su agudeza guarda parecido con los inicios, con las primeras páginas, en esa suerte de futuras columnas vertebrales de lo pobre y azaroso: la punta de lanza cosifica el deseo humano de la verticalidad cuando vierte a voluntad el coxis de lo estricto, de lo infértil, de lo férreo. Por lo tanto, final de la columna orgánica representa la coxiedad de la vida mítica, exnihilo y de arte contemporáneo, lejos de la centralidad centrifuga e inútil del centro ( aquí el autor introduce una metáfora sobre el estar al borde, se traduce como coseidad céntrica, aunque no es correcto. De todas maneras da a entender que la punta de lanza puede ser un ideograma metafórico del país-Colombia- frente al resto de países y sus situaciones geopolíticas). Así las cosas, la ccóxificación del pensamiento tiene que ver con figuración denditríca triptológica (término recién creado y publicado en la red virtual que significa estar en tres o tener imágenes mentales de soporte tríptico) en un vaho de inamovible barroquismo, a todas luces vinculado con la identidad del pensamiento latinoamericano. Prueba de ello, baste con mirar a derredor para verificar lo sutil de la infraestructura ética y antropocélica de un cuidadoso desmembramiento de conciencia en la tradición de una escuela colapsada, hecha añicos. La punta de lanza de la bandera del Museo TECMIT gestualiza por momentos la historia dolorosa del expolio del manantial ya previamente despojado por la misma historia y puesto a consideración de nuevo por la política demagógica, observemos: el remate prístino y prismático de la punta geométrica se considera en nuestro análisis objeto estético en cuanto transmite arte por efecto de la apropiación del mundo arte, de la experiencia privada de lo ex -estético y la certidumbre de lo ex –creatio.

En este orden de ideas cabe preguntarse ¿qué ocurrirá cuando la punta de lanza-cóccix ya no signifique el mundo, ni tampoco invoque el gesto trágico de lo vertebral, placenta niño y material óseo de naturaleza indiferente? Sin duda, y en calidad de respuesta, pensará aquél más osado, aquel de pensamiento pre-uterino, que el diseño, el arte, y la sensibilidad estética nada tienen que ver con venganzas de ciegos tutores infestados de modos intelectuales; otros llamarán la atención sobre los ritmos pre-existenciasles ventrales, pero ninguno de los dos podrá conocer el destino de la muerte del padre, ni el natalicio del religamiento del mundo, ya que la liga que une el estar en tres se compone de un cordel seco con sabia magistrística (aquí el autor lanza un velo de sospecha a la hermenéutica patrística colocando en un lugar relevante la identidad con enfoque, de nuevo, matrístico).

Como se ha visto, la punta prismática barroca de lanza, alude a la vanguardia de la empresa de un arte querido y manipulado por todos, un arte sencillo de bajo consumo intelectual, barato si se quiere, pero abundante, generoso, sensible como si toda esa veleidad funcional sirviera de algo cuando enfrentamos a lo tecnológico y el arte contemporáneo. La punta de lanza que corona la bandera del museo TECMIT representa el deseo reprimido por penetrar, atravesar conciencias decadentes, cuando la proyección de un vaciamiento pronunciado ocupa el lugar de la matriz y la literatura llevada al ocaso de la academia. La punta de lanza dejará ciegos a los que ya lo son en la esencia, los viles de espíritu y con pupilas desgastadas de tanto mirar una y otra vez dentro de un yo inacabable por ser nimio y redundante. La punta de lanza destrozará sin remedio los anos-bocas de aquellos portadores de verdades estéticas dogmáticas y con acomodo de moral . Cubran el rostro quienes se niegan la imposición del mito nuevo y renovado de la agalla dorada en sus vientres pútridos de mierda de artista. La punta de lanza del nuevo museo TECMIT traspasa la tristeza de encontrarnos seducidos por el pollo oloroso de nuestros intestinos biliosos con apetencia de la obra de arte casual y alejada del caballete doloroso e inútil. ¿para qué el cuerpo de la pintura si apesta la maldita sensación de la expresión? ¿para qué el vaho del mal aliento fosforescente de la lección mil veces repetida en el aburrimiento de sus propias pinturas? La lanza atravesará la complacencia del ridículo director de orquesta acorralado por sus propias contradicciones. Quiero ser el asta de la victoria que el nuevo Museo Mítico, Tecnológico y de Arte contemporáneo, TECMIT, simplemente arroja como lava de fuego a los sentidos traumados de piernas, testículos y bocas tantas veces recorridas a tiempo.

La ponencia anterior fue leida hace tres años y por primera vez en la Ciudad de la Habana frente a la casa del artista desconocido.

Para participar por favor ver www.museotecmit.blogspot.com

El plagio y el apropiacionismo

2008-09-04T13:28:29+00:00

Titulo:Aquí es Chucho el rey de las verduras, pst: 535; Técnica: vinilo sobre tela; dimensiones variables (estandarte).

Pintado por Chucho; Instalado por Chucho en la galería de Calí.

Obra de Oscar Salamanca

año: 2008

Sin asumir posicionamientos morales ni códigos éticos unívocos y únicos, es preciso alertar sobre la facilidad con la que se incurre en la academia en algo denominado plagio. Pero ¿Qué es el plagio en una posmodernidad flexible y permisiva? La pregunta, al parecer, la dejamos confinada a aquella zona de la literatura, el texto académico o el poema, ya que en la formulación de la obra de arte quizás preguntarse por el plagio, la copia, el original, lo ético ha quedado desterrado. En el proceso creativo de la obra de arte hoy es muy complejo hablar de plagio en el sentido literal de la palabra, es decir como un acto de apropiación no ética de un elemento constitutivo de una obra de arte, ya que precisamente, lo que podría entenderse como plagio desde una óptica ecléctica para algunos, en realidad puede ser una propuesta plástica que aborde problemáticas relativas a los conflictos de identidad, origen o lugar y razón del arte. No obstante la amplitud del marco referencial interpretativo del plagio, sí es evidente que el acto de apropiación de textos, no como idea para el arte, entorpece y oscurece los procesos académicos, en la medida que copiar literalmente haciéndonos dueños de una idea o un contenido simplemente no implica el acto de pensar. Este es el problema de fondo: el plagio empobrece el pensamiento, debido a que no permite el esfuerzo por construir y asociar las divergencias del pensar, tampoco deja establecer una posición particular. En cambio lo que se podría entender como apropiación o plagio desde la academia, en el proceso constructivo de la obra se convierte en fundamento con intención y participación conceptual. Aquí ya no se habla de plagio sino de procesos apropiacionistas, mecánicas complejas conceptuales donde prima a todas luces el pensamiento y el desarrollo de visiones críticas. En este caso habrá que abordar con fino tacto las delgadas líneas de los actos de apropiación para así determinar sus alcances en esta retícula de lo moderno expandido. Ya que si bien es cierto que estamos en un mundo donde cualquier cosa es susceptible de ser considerada arte, también es cierto que existe un mundo de razones que impiden ver y comprender el arte desde el paradigma de lo no propio.

En conclusión, coexiste una brecha muy grande entre hacer plagio académico y plantear el apropiacionismo como laboratorio de creación plástica. El primero debe ser erradicado y perseguido porque destroza el pensamiento; el segundo, desde la atmósfera teórica, implica el doble esfuerzo desinhibitorio de no vincular lo ético y lo moral en la construcción de la obra de arte.

Oscar Salamanca

ACALLAR LA VOZ DEL MUERTO INSEPULTO

2008-08-24T03:18:55+00:00

La voz no es la del sepulturero, pues este trabajador del humanismo nada tiene que ver con la protervia cancerígena del mal profesor o el cura, ambos profanos del pensamiento creativo.

La civilización tal cual ha llegado a nosotros la componen dos tipos de seres humanos, a saber, inhibidores y desinhibidores. Los primeros logran subdivisiones complejas y extrañas, difíciles de identificar. Existen inhibidores encargados de crianzas de seres humanos por la luz de su pensamiento, y porque simplemente ven más a la distancia que otros. A estos les hemos encargado la ardua tarea de una transmisión clara y libre, sustento del arte y la vida digna. Existen, sin embargo, otros inhibidores, que difieren de los anteriores, porque ellos, a sabiendas de su posición de poder frente a los demás, instauran a conciencia el peligro y la pérdida de sentido en la vida humana por efecto de la simulación y desviación del conocimiento. Es decir, mientras unos reelaboran un riguroso plan de sentido a partir de la experiencia del otro libre y pensador, otros domestican seres humanos. Cuando el pensamiento subyace a la mansedumbre y la virtud de una norma escolástica, deviene el ser humano disminuido, lleno de gozo, seguro y ante los demás siempre alegre, siempre ameno, siempre humilde. Nosotros, al parecer, habitamos y conformamos ciudades de seres dispuestos a la virtud y la alegría constante, por ello somos, también, seres insignificantes y susceptibles a la domesticación, seres humanos chiquitos en la vida de gigantes, donde el lobo ha sido convertido en perro domesticado. Me alejo del inhibidor de conciencia porque es nocivo al pensamiento y enemigo del aporte de la letra leída y el concepto comprendido libre, riguroso, individual y privado. Me alejo de él lo que más pueda porque he de preservar la literatura como la acumulación que es de lo que nos reconocemos en lo humano y la cultura. No acepto que la creación (artística o artesanal; virtuosa o mediocre) sea ajena al saber y la transmisión. De lo que se trata el mundo de hoy es el mensaje de los otros; yo comprendo lo que dicen por los relatos de sus obras y la fuerza desinhibitoria de lo que sus experiencias nos aportan en ese distanciamiento diario de la muerte que es mi mundo. ¿Para qué un arte idiocio? de esto hay mucho y por doquier. La literatura y el arte no nos quiere pequeños ni complacientes, tampoco siempre felices e inofensivos; por el contrario, ellos nos quieren inhibidores-desinhibidores de un rebaño contingente de vida. Nuestro manifiesto será acallar la voz del cadáver insepulto en la figura del inhibidor de conciencia y la muerte. ¿porqué he de alejarme del texto y el discurso? ¿porqué coloco en situación de rivalidad la literatura, la comprensión del arte y la filosofía respecto de mis procesos de creación? Por lo menos el sepulturero y sus prácticas de enterramiento, sabe de la importancia de su oficio desinhibidor ante la vulgaridad de la exposición de la carne descompuesta y el aliento pútrido.

Restos de un lenguaje ahistórico encontrado en el yacimiento arqueológico del nuevo Museo Mítico, Tecnológico y de Arte Contemporáneo de la Ciudad de Pereria- Colombia.

2008-10-21T13:45:41+00:00

Extraños rastros de un lenguaje primitivo fueron desenterrados en el yacimiento-base fundamental del nuevo Museo TECMIT (Mítico, Tecnológico y de Arte Contemporáneo) de la ciudad de Pereira. Se trata, en esta oportunidad, de varios petroglifos tallados en una roca caliza de gran tamaño a escasos metros del lugar donde fueron encontrados recientemente, la huella humanoide gigante y el cráneo del niño cíclope. Son ya tres los descubrimientos asombrosos que tienen consternados a los habitantes de la ciudad y la comunidad artística, filosófica y tecnológica del país, ya que los hallazgos evidencian claramente la existencia, hace miles de años, de seres míticos en el actual departamento de Risaralda, en plena cordillera occidental de Colombia. Entre los símbolos se presume que algunos pueden corresponder a un intrincado sistema de comunicación o de transmisión de información, reflejo de un lenguaje complejo y abstracto. Este tipo de simbología fue utilizado hace millones de años por culturas antiquísimas que cultivaron la escritura cuneiforme en el viejo continente, pero nunca se había encontrado vestigios similares en América Latina. Entre los símbolos se pueden identificar formas hibridas y abstracciones del mundo natural mediadas por narrativas de acciones que, al parecer, ofrecen otras interpretaciones de orden poético sobre pasajes históricos. En cambio, un grupo de expertos en cristología antigua precristiana de la eco-región del eje cafetero, sostiene que estas inscripciones hacen parte de un código musical vocal, ya que al comparar las formas y ordenaciones aparecen tiempos y ritmos, por demás disarmónicos, muy similares a las cantatas protoescenicas de la alta edad media europea. Cabe mencionar que, si la lectura de estos signos se realiza siguiendo un sentido circular, esto es, mirar la escritura desde diferentes perspectivas, aparecen estructuras fractales de diversos colores y formas con fuerte carácter hipnótico en el espectador, muy parecido al diseño de la orfebrería quimbayoide. Como se puede apreciar son muchas las hipótesis alrededor del importante vestigio arqueológico, pero ninguna, a decir verdad, logra develar el verdadero origen y significado de los símbolos y trazos artístico-expresionistas “signitos”. Lo único que queda claro, es que los petroglifos datan de una época ahistorica del ser humano, donde códigos de transmisión y comprensión tenían su fundamento en la observación experiencial astrológica o médica filológica. La tarea consiste ahora en intentar descodificar la información contenida en estas inscripciones, para así reconstruir un mapa ontológico que permita apropiarnos de una identidad mítica y tecnológica exenta de contenido sagrado o ritualista. Por otro lado, si llega a comprobarse que los grabados en la roca corresponden a partituras de un elaborado lenguaje musical, estaremos frente a una nueva teoría del conocimiento paralogista cínico filosófico del talento y las artes perteneciente a una edad primigenia que, a nuestro modo de ver, representa la materia del agenciamiento socio crítico de las artes contemporáneas.

El Museo TECMIT se encuentra ubicado a un costado de la Facultad de Bellas Artes y Humanidades de la Universidad Tecnológica de Pereira en Colombia Sur América.

www.museotecmit.blogspot.com

Grupo de investigación L´H y semillero DECI-DEPU