marcados por el cine

El sello inconfundible de los hermanos Coen

2008-09-29T13:07:17+00:00

Desde sus inicios escribiendo y dirigiendo películas ( corría el año 1984 cuando se estrenó su opera prima Sangre Fácil ) los hermanos Coen han tenido acierto tras acierto. Estos increíbles hermanos, ( autores de películas memorables como Fargo), son dos monstruos del celuloide; porque hacen películas diferentes, porque retratan la idiosincrasia de la América profunda como nadie, porque los personajes que pululan por sus inteligentes historias, aún siendo perdedores, conectan con el espectador y porque la originalidad de la puesta en escena, junto a la de los personajes y unido al filtro de color utilizado en los rodajes de sus películas hace que rápidamente sepamos, aún sin leer los títulos de crédito, que el metraje que estamos viendo es obra de los Coen. Por lo tanto, me atrevería a decir, sin temor a equivocarme, que estos hermanos han creado su propio sello con denominación de origen. La prueba del talento de Joel y Ethan está en que la grandes estrellas de Hollywood bajan su cachet crematístico para poder trabajar con ellos.

En “ No es pais para viejos“ los Coen extraen lo mejor del talentoso Javier Bardem, y este, nos regala una interpretación memorable. Merecidísimo el Oscar recibido por el actor español. Tommy Lee Jones brilla a la altura que nos tiene acostumbrados y Josh Brolin le da la réplica a Javier Bardem de forma espectacular.

A destacar la puesta en escena de la secuencia rodada en desierto fronterizo entre Estados Unidos y México: esta escena tiene un gran realismo y casi se puede oler el olor putrefacto de los cadáveres.

“No es pais para viejos” película muy recomendable.

Crítica de Pablo Serrano

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American Gangster: el resurgir de Ridley Scott

2008-08-29T13:39:19+00:00

Ridley Scott es un cineasta con muchas horas de vuelo. Lleva más de tres décadas ofreciéndonos buen cine: Blade Runner, Alien, el octavo pasajero o Thelma y Louise son buenos ejemplos de su buen hacer tras las cámaras, pero también a tenido altibajos, especialmente en la última década, tocando fondo, a mi juicio, con La teniente O’Neil. Con American Gangster, este director recupera su mejor versión y nos ofrece un filme de mucha calidad. Frank Lucas ( encarnado por Denzel Washington ) es un narcotraficante que ofrece una heroína llamada Magia Azul de una pureza sin igual y a la mitad de precio que las otras drogas adulteradas vendidas por la competencia. Para conseguir una droga tan pura Frank Lucas viaja hasta Asia: así evita intermediarios y, por ende, cortes en la droga. Como telón de fondo se encuentra el conflicto de la guerra del Vietnam cuya logistica es aprovechada por este narcotraficante bajo la estimable ayuda de soldados corruptos. El prospero negocio hace que su cuenta bancaria suba como la espuma y que Harlem, el barrio deprimido de Manhattan, sea controlado por él.

Por otro lado, su antagonista en esta historia es Richie Roberts, ( interpretado por Russell Crowe ) un jefe del grupo de estupefacientes, cabal e incorruptible, cuya misión es perseguir y cazar a los meganarcotraficantes de New York. El duelo de estos dos hombres, no solo interpretativo, es una joya que nos regala Ridley Scott.

Existen DVDs que incluyen la versión extendida y una final alternativo.

Crítica de Pablo Serrano

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Once: música por las calles de Dublín

2008-06-06T19:28:40+00:00

Once es una historia que está rodada de forma totalmente artesanal, es decir: cámara en ristre y con una planificación de las secuencias un tanto anárquicas, y por lo tanto, dando prioridad a la improvisación. Hay que tener en cuenta que Glen Hansard, líder de la banda irlandesa “The Frames” y Markéta Irglová, son ante todo músicos , y eso se nota en la frescura de sus actuaciones. Este filme indie está dirigido por John Carney, un cinesta, y también músico, curtido en los videoclips; estilo que transporta a Once, dándole un toque de videoclip-documental. Una película sin grandes pretensiones, sin corsés, y por ende, un filme diferente.

La trama es bien sencilla: un músico con un talento descomunal, interpreta las canciones que el mismo escribe por las calles de Dublín, una pianista, con un gran talento, vende flores por las mismas calles, se topan y comienza una relación platónica en lo sentimental, pero única y sincera en amistad. El conato de relación amorosa entre los protagonistas, a priori imposible, no es más que la excusa perfecta para que ambos aúnen su talento musical, y de esa forma poder interpretar, y los espectadores disfrutar, canciones como Falling Slowly, ( pieza ganadora de un Oscar a la mejor canción) quizá la gran protagonista, y pieza esencial de esta película irlandesa.

Once: 85 grandes minutos de cine indie, donde la pareja formada por Glen Hansard, y Markéta Irglová nos deleitan con su música.

Crítica de Pablo Serrano

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Promesas del Este: Vigo Mortessen al desnudo.

2008-05-27T19:50:25+00:00

"Promesas del Este" es uno de esos filmes que aparecen de vez en cuando por las carteleras y que logran ser una sorpresa para el espectador.

Se trata de una grandísima película, que ha marchado muy bien en taquilla, también está facturando bastante como videograma y, todo ello, sin haber sucumbido a la espiral mercadotécnica, esa a la que se suben muchas superproducciones cuando se estrenan. ( Véanse casos como "Harry Potter" que incluso abren las portadas de los telediarios, incluidos los estatales, cuando una nueva novela de la saga, o un nuevo estreno cinematográfico, ha de desembarcar.

David Cronenberg es un gran director de actores, ( seguro que su faceta como actor tendrá algo que ver en ello). Yo le descubrí hace ya algún tiempo con "Spider" protagonizada por un Ralph Fiennes en estado de gracia.

En la filmografía de Cronenberg la violencia está muy presente, pero también la psicología y la introspección de sus personajes. En " promesas del Este" se dan estas dos vertientes.

Nikolai, el personaje interpretado por Vigo Mortessen, ( el actor viajó a Rusia, concretamente a San Petersburgo, y después a Ekaterinburgo, para preparar su personaje ) tiene que decidir entre seguir siendo el fiel chofer, y matón ocasional, de su mafioso jefe ( Armin Müller-Stahl ) o ayudar a una desesperada Anna khitrova ( Naomi Watts). Esa dicotomía será el eje central de la trama.

El duelo interpretativo que nos brindan Vigo Mortessen, Naomi Watts, Armin Müller-Stahl y Vicent Cassel es apoteósico. Sin menospreciar las actuaciones de Jerzy Skolimowski y Sinead Cusack.

El guión de Steven Knight está trabajado a fondo y resulta creíble y eficaz.

La fotografía de Peter Suschitzky retrata un Londres frío, oscuro y lúgubre que logra atrapar al espectador desde el primer fotograma.

La música de Howard Shore es envolvente y dura.

A destacar la secuencia de lucha en el baño turco.

Crítica de Pablo Serrano

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El tercer hombre: al son de la cítara de Anton Karas.

2008-05-26T19:46:48+00:00

La cítara de Anton Karas es el punto de partida hacia una trama envolvente que hurga en los cimientos del alma humana. En esta cinta, se da todo lo bueno y todo lo malo del ser humano: amistad, amor, traición, ambición, lealtad y miedo. La fotografía en blanco y negro de Viena es soberbia, y esta te transporta hasta la capital austriaca, en cuyo subsuelo se esconden múltiples callejones y ríos de agua putrefacta, por donde se decide la vida de los contrabandistas.

Todos los actores, sin excepción, están a la altura del guión escrito por Grahan Greene. El desarrollo, clímax y desenlace funcionan tan perfectos como un reloj de cuco. Según el personaje de Orson Welles, ese reloj es el resultado de 500 años de democracia en Suiza. Esta celebre frase dice así:

-Vamos Holly, no estés tan triste! En Italia durante los treinta años de los Borgia hubo guerras, terror y derramamiento de sangre. Pero también tuvieron a Miguel Ángel, Leonardo da Vinci y el Renacimiento. En Suiza vivían en amor fraternal: quinientos años de democracia y paz.

¿Y que resultó de todo eso? El reloj de cuco-

Brillante frase, a la vez que beligerante. Es como una suerte de apología de la violencia.

La escena del tren se tuvo que rodar en el subrepticio, por no permitir las tropas rusas que rodaran en la estación, cuya ubicación era controlada por los soviéticos. A mi juicio, las películas de cine negro son las únicas, que como el buen vino, saben envejecer con el tiempo. Sino, ahí están los casos de filmes como -Casablanca, El halcón maltes, El sueño eterno o El cartero siempre llama dos veces( Versión de 1946), para atestiguar mi tesis. El tercer hombre: magnífica película a la vez que imperecedera.

Crítica de Pablo Serrano

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Detour: un auténtico peliculón

2008-05-19T11:38:02+00:00

DETOUR es un filme que se puede visionar libremente o descargar de forma totalmente legal a través de internet, ya que sus derechos de autor han pasado al Dominio Público o lo que es lo mismo: forman parte del patrimonio cultural de la humanidad y todos podemos utilizar esta peli libremente y de la forma en que queramos, eso sí, en los términos que marca la ley de la propiedad intelectual.

Hace ya bastante tiempo, Nino Frank bautizó a las películas cuyo género al que pertenecen no queda muy definido como Filme Noir. Detour es el metraje perteneciente a este género por antonomasia.

Es una película de pocas pretensiones, ya que fue rodada con un escasísimo presupuesto, pero que ha pasado a formar parte de ese club selecto llamado (Películas de culto ) de forma totalmente merecida. Esta es una cinta que los amantes del cine negro, y los amantes del cine en general, deben ver irrenunciablemente.

La trama es sencilla: un pianista llamado Al Roberts, (interpretado por Tom Neal) que toca en un local de Nueva York de dudoso cachet, sale con Sue ( encarnada por Claudia Drake) la vocalista de ese mismo local. Ella decide cruzar los EEUU, de costa a costa, y probar fortuna en Hollywood. A Al Roberst no le gusta mucho la idea de perder de vista su novia, pero acaba resignándose. Al cabo de poco tiempo, este, decide ir en autostop ( ya que es más pobre que las ratas) hacia California para encontrarse con Sue. Durante el recorrido le pasará de todo, y nada de ello bueno. Parece como si el destino, como el mismo relata en una de las secuencias, le tuviera previsto algo con lo que él no contaba.

Ingredientes como: noches lluviosas; carreteras solitarias; cafés en medio de ninguna parte con sus correspondientes juke box; femme fatal; buenas interpretaciones y sobre todo un guión redondo, convierten a DETOUR en un filme, imprescindible, que satisfará los paladares más exigentes.

DETOUR -1945-

DIRECTOR Edgar G. Ulmer

GUIÓN Martin Goldsmith (Novela: Martin Goldsmith)

MÚSICA Leo Erdody

FOTOGRAFÍA Benjamin H. Kline (B&W)

Enlace donde se puede ver de forma directa y con subtítulos la película DETOUR

http://www.mefeedia.com/entry/detour/8273117/

También puedes ver esta secuencia de la película doblada por mi

Crítica de Pablo Serrano

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La noche de los muertos vivientes

2008-04-30T12:09:27+00:00

George A. Romero ha sido catalogado como el precursor del arte gore. Ver a sus zombis consumir parte de los 80 kilos de vísceras y casquería comprada a un carnicero de Pennsylvania por 300 dólares, tuvo la culpa de ello. George A. Romero ( invitado principal del último festival de cine fantástico de Sitges ) tiene el mérito de haber creado esta película de culto con un exiguo presupuesto, y con un elenco de actores en su mayoría desconocidos. 114.000 dólares costó esta modesta producción, cuyos beneficios crematísticos fueron apabullantes; 12 millones de dólares de recaudación en USA y 30 millones de dólares en todo el mundo. Unos de los reclamos mercadotécnicos de la distribuidora del filme, " walter Reade Organization " fue ofrecer un seguro de 50.000 dólares para cualquier persona que muriese de un infarto mientras visionaba la película. En nuestro pais, para promocionar la cinta , se incluyó una enfermera en cada sala donde se proyectaba el metraje para que pudieran asistir a los espectadores que sufrieran algún desmayo.

Esta película sigue siendo una fuente de inspiración para muchos jóvenes cineastas. Zack Snyder, el formidable director de 300, saltó a la fama con un remake de la cinta de Romero, “ el amanecer de los muertos vivientes”, con unos zombis muy veloces que ponen en un serio aprieto a Sarah Polley y a Ving Rames.

La noche de los muertos vivientes sentó las bases del cine de terror moderno, y del cine independiente que tanto está aportando a 7º arte:

1º Echaría al traste los happy end con que nos tenía acostumbrados hollywood hasta ese momento.

2º Rodaje, cámara en mano, donde la puesta en escena queda en segundo plano, dando prioridad a la acción misma de la secuencia. " Quizá, Lars von Trier se inspirara en esta película para crear el estilo dogma".

3º Con la noche de los muertos vivientes se demostró que: si un guión es bueno y sólido, no es imprescindible tener en el reparto al actor de moda en ese momento para que la cinta funcione en taquilla.

Crítica de Pablo Serrano

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Fahrenheit 451, la temperatura a la que arde el papel de los libros

2008-04-29T13:28:27+00:00

El título de la crítica, lo dice todo. Fahrenheit 451 es una trama de ciencia ficción que gira en torno a la prohibición de tener libros en casa, ( es delito y está pagado con la cárcel) y por supuesto, de leerlos. Francois Truffaut vuelve a sorprendernos con esta fábula cautivadora. En esta ocasión, se atreve ( haciendo una gran adaptación cinematográfica ) con la novela homónima, y a la vez best seller, de Ray Bradbury, unos de los pesos pesados, junto con Philip K. Dick, de la última ciencia ficción. Aunque Bradbury ha declarado en alguna ocasión que no se considera un escritor de ciencia ficción sino de fantasía, y que la única novela de ciencia ficción que ha escrito ha sido Fahrenheit 451.

Los estudios Pinewood de Londres, famosos por las películas de James Bond, y por su magnificencia a la hora de construir decorados, son los responsables de la puesta en escena de este filme: a destacar el monorraíl que circula boca abajo y el coche de bomberos de un color rojo intenso. Este color es utilizado en muchos planos , para resaltar los buzones de correos, puertas de garaje, verjas, etc, dando la sensación de que Truffaut homenajea, de alguna manera, al fuego.

En cualquier caso, la película en algunos momentos, sobre todo al principio, se hace un poco lenta, pero que el esfuerzo de verla merece la pena sólo por disfrutar de los últimos 20 minutos del metraje. Estos son absolutamente brillantes y donde Truffaut abre el tarro de la esencia de su talento: la aldea de los hombres libro y lo pintoresco de sus personajes no tiene desperdicio.

Julie christie ( por cierto está bellísima, sobre todo en el papel de la esposa del protagonista) interpreta dos papeles con la dificultad que esto conlleva. Oskar Werner, cuyo personaje le viene como anillo al dedo, hace de bombero quemalibros.

Como anécdota cabe destacar que el primer libro ( es requisado y quemado) que sale en el filme es Don Quijote de la Mancha.

Crítica de Pablo Serrano

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