Talvin Singh es un importante músico indio, multi-instrumentista, compositor, productor, DJ, desarrollador de nuevas tendencias artísticas, pensador conceptual y místico, una de esas geniales personalidades musicales que surgen en contadas ocasiones y cuyo talento contribuye a redefinir los parámetros por los que se mueve la música popular. Singh es un auténtico experto a la hora de marcar nuevas tendencias, casi siempre enmarcadas en la estética más impactante, un auténtico catalizador de nuevas emociones al que no le importa asumir nuevos riesgos para propiciar toda clase de cambios. Nacido en Londres, desde pequeño sintió un marcado interés hacia la música india que sus padres escuchaban normalmente en su casa. Cuando alcanzó la adolescencia, aprovechaba cualquier ocasión para visitar las tiendas especializadas en discos indios, tanto en Londres como en Birmingham, mostrando especial interés en las grabaciones que no solían incluirse dentro de los circuitos comerciales. Una vez en casa, creaba sus propias mezclas y practicaba haciendo "scratching" en el equipo de música de sus padres. Casualmente, el destino hizo que Talvin estuviera en contacto con un auténtico catálogo de nuevas experiencias culturales, desde el breakdance al breakbeat, pasando por el jazz o el jungle. A los 15 años decidió marcharse de casa de sus padres para irse a vivir a la India, en busca de nuevos conocimientos musicales. Tras una etapa de búsqueda e investigación, consiguió contar con el apoyo de Ustaad Laxman Singh, creador de un estilo muy especial de percusión llamado " Punjabi Gharana". Talvin estudió en profundidad todos los detalles relacionados con el repertorio de música india durante los dos años siguientes, destacando muy pronto como uno de los productores y percusionistas más famosos del momento, un éxito que le llevó a trabajar con estrellas tan conocidas como Sun-ra, Courtney Pine, Siouxsie and the Banshees y Björk. Sin embargo, una cosa era convertirse en un músico y productor de reconocido talento y otra muy distinta conseguir un contrato discogàfico como solista. Las compañías no dejaban de asegurar a Talvin que su música era excelente, aunque no acababan de ver cuál sería el mercado adecuado para sus composiciones. Llegado ese momento se inauguró la discoteca Anokha, en Blue Note. Musicalmente, se convirtió en el acontecimiento más importante de los 90 en el mundo del marketing, un evento que alcanzó dimensiones mundiales a medida que las diversas sub-culturas de los cinco continentes iban dando forma a ese sonido tan rompedor y original. Talvin había dado forma, con su talento, a una mezcla única formada por música de ambiente de estilo dance, a la que incorporó sonidos universales, armonizadas con melodías y ritmos inspirados en las influencias llegadas de todo el mundo. Produjo y publicó la recopilación Anokha, que sirvió para añadir una fuerza adicional a aquel movimiento musical que arrasaba en todas partes y que se vio apoyado por todo un estilo de vida basado en una frase creada por el propio Talvin, "Los Nómadas Culturales", y por el trabajo de otros "líderes culturales de opinión", como Sari y Trainers. Anokha abrió las puertas del éxito a un amplio grupo de nuevos artistas que consiguieron de ése modo firmar importantes contratos con algunas de las principales compañías discográficas, mientras que Talvin finalmente firmó su propio contrato como solista con el sello Island Records. Su primer álbum, "OK", mezclaba una gran variedad de sonidos eclécticos y muy internacionales. Creado en Londres, el álbum se grabó con la colaboración de 30 músicos procedentes de tres continentes, e incluía arreglos de piano clásico, break beat, sonido "drum and bass", "tablas", "sarangis", guitarras, secciones de viento, palabras recitadas y una sección de cuerda a cargo de la Orquesta Filarmónica de Madrás (India). "Igual que sucede con un buen álbum de jazz, OK nos muestra las sutilezas y las maravillas que surgen con la escucha repetida de un disco - Lo que surge es un álbum que supera todas las diferencias de raza, cultura o idioma a través de una mezcla de pasado y futuro que no solo es un disco OK sino que resulta absolutamente impactante", afirmaba Mojo acerca del trabajo creado por Talvin. El resultado de tanta calidad le llevó a obtener el premio Southbank y el Mercury Music Prize en 1999. Desde que obtuvo este último galardón, Talvin apenas ha tenido tiempo para respirar, musicalmente hablando. Produjo un álbum para los Masters Musicians of Jajouka, que inspiró la música de la película "La Celda", dirigida por Tarsem Singh y protagonizada por Jennifer Lopez. Recientemente ha compuesto la nueva sintonía del programa de la BBC "Tomorrow's World", que se utilizará durante los próximos cinco años. Entre sus planes más inmediatos, piensa invitar a sus amigos a crear nuevas versiones de esa sintonía, especialmente a aquellos músicos cuyo estilo encaje dentro del contenido de "Tomorrw's World", versiones que posteriormente pondrá a la venta en un CD publicado con su propio sello discográfico. Su segundo álbum, Ha llegó a las tiendas de discos el 5 de marzo de 2001, a través del sello Island Records. Como músico, Talvin Singh es el resultado de un buen número de influencias y experiencias culturales, de un intrincado viaje desde la antigüedad a la modernidad en el que siempre ha llevado consigo la herencia de sus antepasados. Quizá por eso, Singh nunca ha dejado de prestar atención a las aspiraciones del mundo contemporáneo para dar forma al estilo de música que escucharemos en el futuro
Toumani Diabaté (10 de agosto de 1965) es un músico maliense, intérprete de kora, cuya música ha logrado reconocimiento internacional. Como instrumentista es muy versátil, y no sólo ejecuta piezas de música tradicional maliense, sino que ha participado en proyectos interculturales con músicos de flamenco, blues, jazz y otros estilos internacionales. Procede de una antigua familia de instrumentistas de kora. Su padre, Sidiki Diabaté, grabó el primer disco de kora de la historia en 1970.
Mo’ Horizons editó su primera compilación en el 2005, Some more horizons, en la que recopilaba una serie de temas que le habían influenciado y varias remezclas de sus propias producciones. Una selección interesante para conocer la procedencia de su sonido y sus artistas preferidos. Pues bien, al dúo alemán le tuvo que gustar la experiencia porque sólo un año después llegó a las tiendas una segunda compilación, y muy especial además: Stereo 150. El título es muy claro, porque se trata de la referencia número 150 del sello alemán Stereo Deluxe, en el que el dúo alemán ha editado sus tres primeros trabajos (los muy recomendables Come touch the sun, Remember tomorrow y ...And the new bohemian freedom). Se trata de un sello creado en 1995 por Oli Rösch que, gracias al acierto de sus responsables, ha adquirido una notable repercusión internacional. No ha necesitado de gran promoción (eso es complicado para un independiente), ni siquiera de puntuales hits, únicamente de un buen trabajo a la hora de firmar a grupos y artistas, de ahí que haya reunido a tantas propuestas que son bien conocidas entre los amantes de la blacktrónica (especialmente en su faceta lounge/downtempo).
Por eso Mo’ Horizons no lo tiene nada complicado para crear una buena sesión, porque el catálogo de Stereo Deluxe tiene muchos buenos temas para elegir. Tampoco ha querido arriesgar ni mostrar facetas menos conocidas, porque ha acudido directamente a los artistas más exitosos, como Bobby Hughes Combination, The Funky Lowlives, Trio Eléctrico, Boozoo Bajou, Minus 8, Moodorama o el resto de los que figuran aquí. Además, ha completado la selección con varios remixes encargados a artistas igualmente prestigiosos, como Nicola Conte, Richard Dorfmeister, Quantic o Fort Knox Five. Es discutible que haya dedicido comenzar Stereo 150 con un tema propio (aunque sea a través de la reinterpretación del maestro italiano), pero bueno, también es loable que no haya incluido ninguna pieza suya en su versión original. Además, como la compilación está lograda y resulta interesante, eso se le perdona con gusto.
Un saludo para todos, perdonen mi ausencia................
Jazzanova es un sexteto berlinés formado por el Jazzanova Dj-team (Jürgen von Knoblauch, Alexander Barck y Claas Brieler), los productores Stefan Leisering y Axel Reinemer (que también forman el dúo Extended Spirit) y, por último, Kosma (Roskow Kretshcmann). Se creó en 1995, y desde entonces se ha consolidado como un de los grupos más importantes del jazz-house, y uno de los referentes de la escena nocturna y de la cultura de clubes: una sesión de cabina de Jazzanova cotiza a un alto precio, además de prestigiar el club en el que pinchen. Su música es una curiosa y brillante mezcla de retro y de nuevos sonidos. Han sabido unir con personalidad las bases jazzísticas clásicas con las posibilidades de la electrónica y de las nuevas músicas. Pero no se limitan a esto, las influencias del colectivo son muy amplias y diversas. Han sabido fusionar estilos muy diversos, como el hip hop, el afrofunk, el drum and bass, el broken beat, el trip-hop, la música brasileña, el soul, el funk, boogie, latin, y por supuesto el jazz. Con esto han conseguido algo complicado: crear un sonido propio y personal. El resultado de fusionar todos estos estilos no es una compleja mezcla irreconocible, sino que es buen jazz-house, el del sexteto alemán.
El modelo mas depurado de sofisticación en el cante jazzistico, se encuentra en la obra madura de la extraordinaria cantante, Peggy Lee (1920-2002) en los años cincuenta y principios de los sesenta. Influenciada por la también cantante blanca, Lee Wiley, Norman Deloris Egstrom, nombre verdadero de Peggy Lee, inició su carrera profesional en 1941, cuando el famoso clarinetista y director de orquesta, Benny Goodman, la contrató para cubrir la vacante dejada por, Helen Forrest.
Con la banda de Goodman, Peggy Lee, adquiere una fama extraordinaria. Su mayor éxito fue el tema "Why don't you do rigth", una canción típica de vocal de orquesta que Peggy cantaba insinuantemente. En marzo de 1943, abandonaba la orquesta de Goodman para casarse con el guitarrista de la orquesta, el alcohólico, Dave Barbour con quien a partir de entonces compartió la vida artística y sentimental. Ni ese matrimonio, ni los tres siguientes fueron suficientes para consolidar sentimental la personalidad de la cantante. Con la orquesta de su marido, Peggy, grabó en aquellos años para Capitol varios discos y en uno de ellos, consiguió con el tema "Mañana" su primer disco de oro en 1948. El éxito de ventas de ese disco, le abrió las puertas de Hollywood donde compondría varios musicales, siendo el mas destacado de ellos, el titulado "Johnny Guitar" que ella misma cantaría en la película del mismo nombre del director, Nicholas Ray en 1954.
En 1952, firma un contrato con DECCA, donde obtuvo su segundo disco de oro con su versión a ritmo de mambo de "Lover". Al año siguiente graba el que sería su álbum mas jazzistico y posiblemente su obra maestra, el disco titulado "Black Coffee" acompañada por un trío rítmico formado por el pianista Jimmy Rowles, el contrabajista, Max Wayne y el batería Ed Shaughnessy y a los que se añade el trompetista, Pete Candoli -que por motivos contractuales apareció con el seudónimo de Cottie Chesterfield. En 1955 intervenía maravillosamente en la película "Pete Kelly's Blues" del director Jack Webb, siendo nominada para un Oscar.
En 1957, regresa a la casa Capitol y obtiene su tercer disco de oro con el tema "Fever" una muestra original de su enorme habilidad para el fraseo rítmico. Desde 1957 hasta 1970, la cosecha de álbumes magníficos es abundante y variada, destacando el grabado en 1962 titulado "Mink Jazz". Peggy Lee tuvo que ralentizar su actividad como consecuencia de una dolencia cardiaca que ya no le dejó ser la misma. Falleció en su residencia de Bel Air a consecuencia de un ataque al corazón cuando contaba 81 años de edad, el día 21 de enero de 2002. Los medios de comunicación y la critica la bautizaron como La gran dama blanca del jazz, o la BillieHoliday blanca, pero Peggy Lee, tenía un estilo propio y una voz personalísima e insinuante.No necesitaba que la compararan con nadie.
Una propuesta musical original y diferente, con el flamenco como raíz y la fusión como medio para conseguir un sonido genuino y propio. ¿Se puede pedir algo más? Pues sí. Un flamenco alegre, bailable, vibrante, lleno de fuerza y muy emotivo, todas ellas señas de identidad de este septeto que en el escenario nunca defrauda. Su primer single es "Locura": Su repertorio abarca desde los tangos hasta las rumbas, pasando por las bulerías, tanguillos... Todas las composiciones, tanto letra como música, son propias, incluyendo también temas instrumentales. Cuatro alicantinos, tres madrileños...y ningún andaluz, una demostración más de que el arte no conoce de lugares de nacimiento ni de carnet de identidad. Ahora presentan su primer disco producido por Tino di Geraldo y Guillermo Quero, y con ilustrísimos colaboradores como Carles Benavent, Jorge Pardo, Tomasito o Eva Durán.
Grupo forjado en las calles más castizas de Madrid que con apenas dos años y medio de existencia han roto todos los moldes; prácticamente desde que ofrecieron sus primeros conciertos, en la calle y en pequeñas salas, el boca a boca creció y creció...y en poco tiempo, prácticamente sin maqueta y tan solo con su explosivo directo comenzaron a recibir ofertas de muchos grandes de la industria de la música. Y es que ofrecen una propuesta diferente, derrochan energía en un directo adictivo y sin pausas que conjuga rumbas, tangos, bulerías,... entre notas de jazz y ritmos afro... Por donde pasan, arrasan.
Una banda que tiene su origen en el taller de Guillermo McGill en la Escuela Popular de Música, a la que acude desde Elche, Miguel, allí conoce a Víctor, y posteriormente a Carlos..., Toni , David,.....así nace El Combo Flamenco, más tarde pasaron a llamarse Los Bichos, luego Delbicho y al final, se quedaron con ELBICHO. No hay manera de resistir los encantos, el carisma y la energía de la voz de Miguel Campello, todo un "animal" de escenario, la guitarra carabanchelera de Víctor Iniesta, los graves y las líneas del bajo eléctrico de Carlos Tato, la maestría de David Amores en la percusión, la contundencia de Toni Mangas en la batería, la flauta de Juan Carlos Aracil y la trompeta de Pepe Andreu.
Ellos mismos nos cuentan más cosas: "Hay mucha gente que dice la verdad, pero no todos (los que tienen micrófono) son escuchados" dice Lluis Llach. Entonces, en honor a la verdad "pa' que" decir algo de nosotros mismos, si nosotros en si, somos palabra además de trabajo, música, consecuencia de siete personalidades interactuando, que somos directo, improvisación, fuerza (entre amigos, diríamos cojones), ilusión, originalidad, descaro., "pa' que" atrevernos a decir que somos calidad, cantidad, cualidad, raíz, cañi, apertura, continuidad, imagen, semejanza..."pa' que" contar que hemos tocado en la calle, que llevamos unos 250 bolos por media España, "pa que" decir que nuestro disco esta producido por dos de los grandes, Tino y Guille, "pa' que" decir que en nuestro catering hay mas vino que whysky y mas café que coca, "pa' que" decir si nosotros en directo somos palabra". Su directo, arrollador... Con su música y filosofía han recorrido cientos de kilómetros a lo largo y ancho de la geografía española ofreciendo
MÁS DE 250 CONCIERTOS en festivales y ciudades como Oviedo, Aranda del Duero, Salamanca, Bilbao, Barcelona, Madrid, Elche, Alicante, Cáceres, Badajoz, Valencia, San Sebastián, Vitoria, Mataró, Reus, , Valladolid, Caños de Meca, Zahara de los Atunes, Mojácar, Gerona, Córdoba, Jaén, participando en Festivales como: Espantapitas 02 (San José- Almería), Folk Rural - Pirineos, La Mar de Músicas, Etnosur, Festiv'alpe (Suiza), Folk Getxo
DISCOGRAFIA;
EL BICHO
EL BICHO 2
EL BICHO 7
entrevista elbicho vii - en inicia.es
"elbicho"(Dro-East West/
P.- ElBicho, ElBicho II, y de repente ElBicho VII… ¿es un deseo de futuro? ¿Por qué surge este nombre?
R.- Por el año, por nosotros, por el cielo y la tierra, por la magia, por desconcertar un poquillo, un guiño a nuestros fans que se esperaban el III, porque nos gusta saltar y volar y aterrizar en otro lugar…
P.- ¿Qué se van a encontrar vuestros seguidores en este trabajo?
R.- Es una obra con muchos matices de distinta procedencia, desde el punk hasta la bossa, es un disco lleno de folklore español, entendido como música del pueblo, una música para escuchar tranquilamente, a menudo introspectiva, seria , del corazón y del alma. Esperamos que sorprenda y que enganche a la vez, que toque a quien la escucha.
P.- ¿Quiénes son esos rokipankis de vuestro primer single?
R.- Es un tema gracioso que contrasta bastante con el resto del disco pero que nos divierte y arrasa en los conciertos. Los rokipankis son el lado más gamberro que tenemos todos, un homenaje a los colegas de la infancia.
P.- ¿Cuál es el secreto para que ElBicho guste tanto?
R.- No lo sabemos, hay tanta música buena por ahí y el éxito medido en número de seguidores es tan complicado de conseguir y depende de tantos factores... Hacemos música que nos gusta y que nos llega sin premeditar ni calcular ni siguiendo recetas de fusión. Tenemos mucha suerte de poder vivir de esto. Pero el éxito real es sentirse orgulloso del trabajo realizado, tenga o no aceptación.
P.- Habéis estado hace poco en Holanda, Francia, Andorra… ¿Cómo acogen fuera de España el flamenco-fusión que hacéis? ¿Tenéis pensada alguna gira fuera de España? ¿Para cuando cruzaréis el charco?
R.- Fuera es un placer tocar, es un público muy respetuoso y al que le gusta escuchar con atención. Al no entender la letra se fijan más en la musicalidad y la verdad es que les llega mucho. Ya se sabe, la música no entiende de barreras de ninguna clase. Esperamos poder seguir conquistando nuevos oídos.
Ahora mismo nos queremos centrar en el territorio nacional ya que acaba de salir el disco y aun hay mucho que trabajar sin necesidad de salir del país. Queremos empezar a llegar más al norte y al interior. Lo bueno de ir creciendo poco a poco es que calas más en la gente y siempre tienes mucha tierra por descubrir.
P.- ElBicho fusiona flamenco con pop, jazz, ritmos afros, coplas, rumbas, rock… ¿os queda algo por probar?
R.- Sí, seguro, el lenguaje de la música es infinito y está en continua metamorfosis. Pero estas fusiones a las que tanto alude la prensa musical (quizás en un afán de describir lo indescriptible) no son conscientes, no están hechas adrede, sino que son producto de que plasmamos las músicas que nos gustan y robamos elementos de todos lados casi sin querer. No nos gustan las etiquetas aunque sean necesarias para que la gente se entienda o se haga una idea. Lo mejor es sentir la música, el resto es hablar por hablar.
P.- Algunos grupos están optando ahora por colgar sus discos en internet para que la gente se los descargue gratuitamente, ¿os parece una buena idea?, ¿tenéis en mente hacer algo así? ¿qué pensáis de la “manera de hacer” de las discográficas, las multinacionales, la sgae…?
R.- Está bien probar de todo cuando el mercado está pidiendo un cambio a la industria. Comprendemos que es una etapa difícil en la que los viejos modelos de hacer negocio se les han quedado un poco obsoletos y es necesario reinventarlo. Cuando hay crisis el jefe de cuentas de la empresa toma a veces demasiado protagonismo y sale el lado más conservador para intentar evitar pérdidas a toda costa, descuidando las apuestas más originales o que se desvíen de las fórmulas más probadas por considerarlas demasiado arriesgadas económicamente.
Nosotros de momento nos preocupamos más de intentar ofrecer calidad. Es la mejor forma de sentirse bien con uno mismo y a la vez de que te valoren. Queremos dejar una impronta, que nuestra obra sea duradera, no nos preocupa que venda mucho muy rápido (aunque eso ayude a la promoción). La música lo es todo para nosotros y eso hace que sea una carrera de fondo , una forma de vida, no un sprint. Con nuestra compañía a veces nos toca guerrear para sacar las cosas como nosotros queremos pero tenemos mucha suerte de que, en lo más importante y fundamental, que es la música, nos dan carta blanca para presentar el disco que queramos hacer.
P.- ¿Cuáles son los sueños de futuro de ElBicho?
R.- Supongo que seguir llegando al alma dela gente que nos escuche y así ir descubriendo mundo y personas y culturas a través de la música. Seguir teniendo el privilegio de poder vivir de algo que amas.
¿tienes que fregar?,,,,,,,,,,,,,,,,,,seguramente salpiques agua,,,
Perdonen no complete el posts con información, me llegaron los reyes magos,,, tengo juguete nuevo y necesito jugar, ya os contaré,,,,,,, un abrazo para todos.
me voy de fiestas,,,,,,,,,,, por bulerias!............
Error funesto es decir que hay que comprender la música para gozar de ella. La música no se hace, ni debe jamás hacerse para que se comprenda, sino para que se sienta.
Manuel de Falla y Matheu (1876 -1946), compositor
Mo’ Horizons
