Quiero agradecerles su paciencia, por sus visitas a este blog, que pese a permanecer inerte durante una temporada iba acumulando numerosas visitas diarias. Desde hoy, podrán realizarlas aquí donde encontrarán más de lo mismo, psicotronía, caspismo y puterio fino.

Nos leemos

Resulta difícil mantenerse al margen de la campaña electoral. Mirarla desde una cierta equidistancia y de reojo puede, incluso, llegar a ser saludable, y se puede llegar a interpretar como un inmenso circo mediático donde unos sacan las tripas a los otros para más tarde devorarse entre ellos, para así volatilizar el espectáculo a modo de catársis pública.

De todo este circo que observo con meridiana perspicacia, existe algo que me deleita y es el cartelismo. La representación del político, como un ser mutante que invade las paredes de la ciudad. Aquel que se ofrece para “ayudarnos” se transmuta en un ser benévolo, complaciente y dado a resolver hasta el menor de nuestros problemas durante quince días, que la vida del político es muy dura y tras la campaña toca engordar, saciar el estómago tras el desgaste físico que supone tantos mítines y el consiguiente desgaste en la memoria del mesías-político que opta por descomponer el cuerpo de Dr.Jekyll que se había enfundado, para volver a ser el Mr.Hyde que guardó durante un tiempo en el armario.

Si he largado toda esta parrafada, es por que me apetecía recordar la obra de uno de mis cartelistas políticos favoritos, Josep Renau. El verdadero alquimista del mensaje enmarcado, cuando estos mensajes eran más que la cara sonriente del político a votar y representaban toda una historia, narrada en una sola imagen en la que se desnudaba al enemigo, se le hacían evidentes las vergüenzas y las mentiras y animaban al votante a ser inteligente, a ir más allá de la imagen sonriente y de las bondadosas mentiras del candidato. Claro, que hoy es difícil colgar en las paredes de la ciudad, imágenes como estas y pretender que el votante se detenga ante ellas, que las interprete y le hagan ver la verdad oculta. Hoy el pueblo ha sido abducido por Mr.Hyde y permanece encerrado en aquella caverna que tan bien describió Platón en La República.

A Chuck Norris podremos reprocharle muchas cosas. Pero no seré yo quien critique un trabajo que tantos buenos momentos me ha aportado. Desde la magistral exhibición de patadones en "El furor del dragón", done el pecholobo de Chuck contrastaba con el barbilampiño de Bruce Lee, en la que sin lugar a dudas es una de las escenas cruciales del cine de artes marciales, o de karatecas, para quienes nos criamos asistiendo a los cines de barrio, donde Norris, se erigía como el gran héroe del pueblo. El ejemplo a seguir pues era él quien mejor impartía su justicia ciega. Así que no cesábamos de babear ante la pantalla cuando le veíamos aparecer en "Desaparecido en combate" mientras decapitaba ratas a dentelladas, o en “Los valientes visten de negro”, “Invasión U.S.A.” y demás sub-productos filofascistas de la energética Cannon Group, que nos transportaban durante poco más de una hora al más próximo de los cielos barriobajeros.

Con el tiempo me he ido apartando de Chuck, aunque le he seguido viendo de reojo durante las mañanas de los domingos en “Walker, Texas Ranger”. Pero cuando no consigo apartar la vista de la pantalla, es en las sesiones noctámbulas de la televisión, viéndole ejercitar su cuerpo con aparatos imposibles, propios de un Profesor Bacterio trasnochado.

Mientras espero hacerme con alguno de los cacharros que promociona Chuck, me he ido a buscar entre los mercadillos de mi barrio, unos pantalones elásticos como los que nadie mejor que él lucía en sus películas. Los únicos que no se rompen y encajan como ninguno los mejores patadones.

Me fascina el tatuaje extremo. No lo practicaría en mi cuerpo, pero siento una especial fijación en los cuerpos que se convierten en lienzos vivientes, rellenando hasta el último recoveco de la piel con tatuajes, hasta convertirse en auténticas obras de arte vivientes.

Dos de los ejemplos que últimamente me tienen obsesionado, son Isobel Varley, una mujer de 70 años, que a pesar de iniciarse a una edad tardía en esto del tatuaje, no ha cesado en rellenar su cuerpo con dibujos de todo tipo.

Otro ejemplo que me fascina, es el de Pascal Tourain, un francés de dos metros de altura que es en sí mismo una auténtica obra de arte, con alucinantes tatuajes, donde se repasan escenas del "Freaks" de Browning y otros monstruos de feria.

Luis Buñuel comenzó a gestar el germen de “El Ángel Exterminador” 29 años antes. Mientras rodaba “Las Hurdes. Tierra sin pan” observó como los habitantes de aquel desolado paraje, continuaban vinculados a la tierra que les veía nacer, mal vivir y en el peor de los casos morir prematuramente. Buñuel se cuestionó por qué los hurdanos se obstinaban a vivir en aquellas condiciones, y no decidían marchar del lugar en busca de una vida mejor.

La idea del ser humano secuestrado por sí mismo, en una cárcel sin paredes ni vigilantes que impidieran cualquier tipo de huida, fascinó a Buñuel y aplicó la esencia del secuestro voluntario en aquel Ángel Exterminador, que volaba invisible sobre las cabezas de los burgueses, hacinados entre las decadentes paredes de puertas abiertas, que pese a todo impedían la voluntad de salir del auto proclamado zulo.

Sería difícil escoger entre toda la filmografía de Buñuel, una película como favorita, y a la vez resultaría estúpido hacerlo, pero me arriesgaría a ver en “El Ángel Exterminador”, la película más impactante de su etapa mexicana. No sólo por su planteamiento y excepcional puesta en escena, si no por la esencia misma que destila la obra, la cual podríamos aplicar hoy, por extensión a la nueva sociedad burguesa. Los nuevos burgueses, hijos del consumo y consumidores por extensión, que pueblan (Poblamos) el primer mundo y que ven como desfila la vida, sin poder ser protagonistas de ella, dejándose llevar por un destino no siempre justo, que decide por un individuo que se cree libre, por el mero hecho de tener las puertas abiertas de par en par, sin saber, que tras ellas está el Ángel Exterminador, dispuesto a reprimir el paso a quien piense revelarse ante la hipnosis subyacente a la que se ve sujeto y le impide ir más allá de una vida monótona y rutinaria.

Apéndice: Estoy pasando por un momento Buñuel, y sin lugar a dudas esto se está notando en las últimas entradas.

Me apasionan las obsesiones de Buñuel. Sus fijaciones vienen a ser un hilo conductor en el conjunto de su obra, convirtiendo las parafilias del autor en un elemento de referencia característica en su legado cinematográfico. Su obsesión por los pies, la dominación, los zapatos o las piernas de sus actrices. No resulta relevante, afirmar que Buñuel era un fetichista y de ello dio fe en el curso de su obra. Y si tuviese que escoger entre una de las parafilias de Buñuel, me quedaría con su obsesión por los maniquíes, que tan bien supo tratar durante su época mexicana en “Ensayo de un crimen”, donde a través de Archibaldo de la Cruz, Buñuel se recreó tanto como pudo con los maniquíes femeninos que aparecen a lo largo del metraje.

Archibaldo desmembra, construye y ama mediante este fetiche de forma humana. La obsesión del personaje cobra cuerpo de plástico y el director se -nos- recrea con primeros planos de su fetiche preferido.

He estado buscando información al respecto, y he conseguido encontrar nombre a esta bendita parafilia, se trata de agalmatofilia o pigmalionismo, que viene a ser algo así como la atracción por las estatuas o maniquíes desnudos, y no es en absoluto ninguna propiedad de Buñuel el hecho de crear con arte con estos personajes inertes, el fotógrafo Bernard Faucon compone buena parte de su obra con maniquíes que aportan una dimensión estremecedora a sus imágenes e incluso el mismo Helmut Newton, o Man Ray llegaron a sustituir en alguna ocasión a sus modelos femeninas por la versión plastificada de la humanidad que tanto llega a apasionar a quienes no nos resistimos a retirar la mirada de los escaparates durante los últimos días de rebajas, cuando ya no queda ropa en la tienda, ni tan solo para cubrir a los maniquíes.

2- La Última Cena -Religión- Iglesia Satánica. Deudora de la anterior, aunque al menos estos no se meten en política.

3- La Última Cena -Religión- Capitalismo. Entiéndase el consumo como eje religioso en la actual sociedad consumista.

4- La Última Cena popular, atea por la gracia de Dios y dogmática a partes iguales. Y es que los misterios de Buñuel son inexpugnables.

He pasado a un segundo plano. Veo mi cuerpo estirado en la cama, inmóvil, rígido, como en un aparente estado de rigor mortis, por lo que deduzco que debo haber muerto. Continúo oyendo el taladro. Miro alrededor y todo parece estar en calma. La luz de la luna ilumina algunos muebles que desprenden bellas sombras, algo que contrasta con el terror de saber que estoy siendo trepanado. Pero no veo el objeto de mi tortura, tampoco siento dolor, pero sí mucho miedo, pánico a poder sentir dolor.

He vuelto a descender. Estoy dentro de mi cuerpo. El ruido no cesa pero continúo con vida. He logrado abrir los ojos y los reflejos de la luna continúan haciendo bella la habitación. Ya no siento presión en el cráneo y ya nada estira de mi pelo. El ritmo cardiaco ha descendido y recupero la respiración. Creo tener ya el control de mi cuerpo. Salto de la cama, estoy empapado, nervioso y si me viera comprobaría que estoy pálido y muerto de pánico. A pesar de todo aún no he conseguido despertarme del todo y vuelvo a aterrorizarme al comprobar la insistencia del sonido. Giro la cabeza y no veo a nadie, respiro hondo y compruebo que los niños se han despertado y que su llanto era el sonido que trepanaba mi cerebro. Me levanto.

En la España franquista, la Ley de Vagos y Maleantes de 1954 incluye por primera vez a homosexuales y desviados sexuales. El comandante Antonio Vallejo-Nájera, jefe de los servicios médicos militares, y Juan José López Ibor llevan a cabo sucesivas investigaciones con el fin de examinar las raíces psicofísicas del marxismo (para descubrir el famoso "gen rojo"), la homosexualidad y la intersexualidad, preconizando, a pesar de la escasa tecnificación de las instituciones médicas durante el franquismo, la lobotomía, las terapias de modificación de conducta, el tratamiento mediante electroconvulsiones y la castración terapéutica con fines eugenésicos.

Texto extraído del libro Testo Yonqui (Espasa), de Beatriz Preciado.

Mi comportamiento ante cualquier avance tecnológico es similar a la estrategia del cangrejo. Marcho hacia atrás mientras levanto mis cortantes pinzas a modo de amenaza. Mi espíritu ludista, me invita a desconfiar, pienso que me toman el pelo, que pretenden hurgar en mi bolsillo y darme gato por liebre.

El último paso hacia atrás, lo he dado ante el debate suscitado por la desaparición del DVD y los nuevos sistemas que pretenden sustituirlo. Así, que tras llenar las estanterías de mi casa con terabaudios de películas acumuladas durante los últimos años, he decidido plantarme y retroceder. A mí ya me estaba bien el DVD, era un buen sistema, buena imagen, sonido y lo mejor es que a diferencia del VHS, se podían acumular en cualquier rincón de la casa. Pero algún directivo a decidido que eso se había acabado, que en pocos años, la supuestamente innovadora tecnología, había quedado obsoleta y pronto me tendré que deshacer de mis queridas películas, pues el Blue-Ray y el HD-DVD están reñidos con todo lo viejo. Pero esta vez no pienso dejarme atrapar, así que he decidido dar dos pasos hacia atrás y me he dejado seducir por los viejos reproductores de Súper-8.

Aún no me he comprado ningún reproductor y tampoco tengo claro si lo haré en un futuro, pero he buscado como un desesperado cualquier información acerca de aquellas películas, para caer a los pies de sus deliciosas imperfecciones, del grano de sus imágenes y las encantadoras carátulas que lucían las cajas. Es así, como me he encontrado con todo un mundo sumergido de adoradores del Súper-8, gente que paga fortunas por viejas ediciones de películas en este formato y que debate sobre los montajes realizados en las películas, para así poder adaptarlas a la duración de una bobina de Súper-8 y he descubierto que este es mi mundo, no quiero avanzar más, me quedo en el pasado, que el futuro lo veo deshumanizado, devorado por el consumo innecesario, así que ya no miraré más hacia delante y echaré raíces allí donde los discos huelan a vinilo y las películas a celuloide.

Mientras escribía este texto, he recordado que mi amigo I. me mandó en una ocasión, su colección de Súper-8, escaneadas. Disfrútenlas.

O también pueden disfrutar con esta otra página.

El pasado viernes pude acercarme a correos para recoger Mondo Macabro, el libro que había solicitado semanas antes en iberlibro. Regresé a casa dando saltos, pues hacía tiempo que iba tras esta joya recopilatoria del infra-cine que se hace más allá de nuestras fronteras y me he podido deleitar con las alucinantes aberraciones del celuloide que se realizan en Filipinas, Turquía o Pakistán, recopiladas por Pete Tombs.

Una delicia para paladares recauchutados, donde se estudia obras de la talla de "Cole, cole que te como", "El hombre de la cabeza cortada" o "Las esclavas de Satán", títulos que espero ver lo antes posible, para así ofuscar más mi intelecto y dejar constancia en este blog.

"...Primero dejé las anfetaminas, luego el ácido, los porros, el alcohol y finalmente América."

La frase anterior y la que da título a este post, corresponden a Robert Crumb. Citarle, no tiene nada de anecdótico, y menos en este blog. Pero si algo resulta digno de ser reseñable, es encontrarle como protagonista de dos páginas en un diario de tirada nacional, ysi lo que se publica es una entrevista con quien quizás sea el autor más escabullidizo del panorama comiquero, lo que se presenta ante nuestros ojos, es un acontecimiento memorable.

El periodista Iker Seisdedos, ha tenido el honor, de ser uno de los pocos privilegiados en entrevistar a Crumb, en la región francesa de Languedoc Roussillon, lugar donde se autoexilió hace 17 años, con su colección de viejos discos y Aline Kominsky, su mujer y también dibujante de cómics, de quien nos desvelan, entre otras muchas curiosidades, que es más conocida por la zona por ser profesora de gimnasia y pilates que por su obra artística o por ser la musa de uno de los grandes genios del siglo XX.

Si no se han hecho con El País del pasado domindo, pueden encontrar estas y otras anécdotas en la edición digital.

No es que pretenda convertir este blog en una especie de monográfico sobre la obra de Lynch. De hecho no es difícil que aparezca con asiduidad, pero si lo hago coincidir en dos posts seguidos, es por que la dicha lo merece. Y es que acabo de descubrir esta página donde se pueden descargar casi todas las bandas sonoras y composiciones de David Lynch, para que puedan llenar su mp3 de músicas de otros mundos... ¿o quizás sea de este mismo?

Quienes sigan este blog, conocerán mi eterna devoción y pleitesía por David Lynch y “Carretera perdida” como su mejor obra y por extensión, mi película favorita, junto con “Vertigo” de Hitchcock (Que en el fondo, no dejan de ser la misma película) Así que, dado que hacía un tiempo que no sacaba a relucir al Maestro Lynch, he recordado el que sin lugar a dudas es el mejor striptease que se haya rodado nunca.

He vuelto a disfrutar con estas imágenes de belleza insoslayable y con la perturbadora mirada de Patricia Arquette (Observen la evolución expresiva de su rostro mientras se desnuda), mientras se desnuda ante mis atónitos ojos y suena “I Put A Spell On You” en la voz de Marilyn Manson.

La escena se me antoja como algo hipnótico, nunca dejaría de verla, al igual que el resto de la película. La acabaría para volver a empezarla acto seguido y así hasta caer en un bucle sin fin, en una espiral de Möbius.

El primer DVD que me compré, me costó 25 euros. Se trataba de una edición paupérrima de “Cabeza Borradora”. Sabía que era injusto pagar tal cantidad de dinero por una película, que además de estar mal presentada, no ofrecía ningún tipo de extras. A pesar de ello, pudo más la ilusión que el bolsillo y solté a desgana el dinero que marcaba la etiqueta.

El último DVD que he comprado, me ha costado 1 euro, se trata de “Grizzy Man”, el documental que dirigió Werner Herzog, hace un par de años. La película, venía acompañada por el diario El País, por el cual tuve que abonar la también módica cantidad de 1 euro.

Entre ambas compras, han transcurrido seis años, tiempo durante el cual no hemos cesado de quejarnos por la carestía de la vivienda, de la gasolina y de todo aquello que tenemos que reponer en la nevera y los armarios de la cocina, pero, a pesar de ello y aunque pueda parecer paradójico, el DVD que compré hace una semana, me costó 24 euros menos que el primero, teniendo este último, incluso muchos más extras. Todo esto, me lleva a una sensata reflexión, no solo sobre el futuro de los deuvedés, sino del cine en general. Es sabido por todos, que la abismal diferencia de precio entre los dos artículos, es producida por las descargas de archivos a través de Internet, algo que ha hecho cambiar el mercado de manos. Ya no son las distribuidoras y multinacionales quienes nos tienen cogidos de los cojones, pidiéndonos precios prohibitivos por objetos que en el fondo valen una ínfima parte del valor solicitado, hoy es el consumidor quien aprieta de los huevos a la multinacional, que ve como se le escapan unos suntuosos dividendos por entre los cables del teléfono y lo peor aún es que no ha conseguido la manera de poder cerrar el grifo por el que se le escapa la riqueza.

Quizás pueda considerárseme un rara avis entre la multitud de internautas que claman por la gratuidad de todo tipo de bien cultural, ya sean películas, discos o lo que sea. Pienso que siempre ha de haber quien se beneficie de su trabajo y si bien, el intercambio de canciones por Internet, puede ser canalizado (En el momento en que las discográficas acaben por claudicar) como un trampolín de promoción para conseguir asistentes a los conciertos, el cine se lleva la peor parte, así que quizás haya optado por vender barato para así evitar la descarga gratuita. Este, quizás solo sea un nuevo método para conseguir acaparar las migajas de lo que antes era un suntuoso pastel. Pero lo cierto es que acaba beneficiando al consumidor mientras que ellos tampoco se han marchado de sus lujosas mansiones y si no fuesen tan cortos de vista, podrían encontrar hábiles soluciones, dando nueva forma a los cines y reconociendo también que el mercado de las multisalas a siete euros la sesión, ha tocado techo en el momento en que el consumidor medio, a duras penas puede llegar a pagar la hipoteca. Así que una buena solución sería aprender de la moraleja del DVD que compré la semana pasada y crear nuevos espacios, reactivar los pequeños cines, sin necesidad de imponentes pantallas y sonidos de otras dimensiones. El cine, por mucho que digan algunos derrotistas, nunca desaparecerá ya que el hecho de acercarse a una sala, representa en si mismo un acto social y el espectador lo que quiere es que le cuenten buenas historias, no que le muestren fuegos artificiales, pero será insostenible si no se rebajan los precios de las entradas y los caches de los multimillonarios actores hollywoodienses.

A pesar de ello, el autismo impera en medio de la industria, y se giran de espaldas, para discutir entre ellos si el soporte del futuro para ver películas, será el HD-DVD o el Blue Ray, sin pararse a reconocer que ambos soportes han nacido muertos, por que todo ha cambiado y ellos, encadenados a sus tronos, no quieren cambiar nada.

A pesar de todo, la decisión ha sido permanecer en La Coctelera. No variaré nada, principalmente por que es demasiado tarde para trasladar todos los bártulos aquí almacenados. Aunque dos han sido los motivos determinantes de mi permanencia: Me he dejado encandilar por la noticia de mejoras en La coctelera, las cuales espero sean contundentes. Y la más decisiva de todas es que echaría en falta el concepto de comunidad que mantiene La Coctelera en su seno, la página principal donde aparecen las últimas publicaciones, la newsletter que llega al correo electrónico y finalmente, por que siendo pequeño el proveedor, se humaniza más el sistema.

Espero con esto no caer en un supuesto error y tener que arrepentirme más adelante.

Con el paso del tiempo llegué a acumular algunos de los más alucinantes modelos, que se pasaban el tiempo de guerra en guerra y dándose mil y una hostias. Pero el modelo que más apreciaba era el del oficial nazi. Un imponente Geyperman ataviado con todo tipo de detalles del III Reich, que a día de hoy serían vetados por parte de alguna asociación de amigos de lo políticamente correcto. Por lo que no me imagino hoy, a mis hijos, luciendo en la escuela un muñeco nazi como aquel que yo pude lucir en mi infancia. Una verdadera lástima.

La corrección política resulta en ocasiones tan necesaria como aturdidora y voraz. Y lo que más siento es que un mal día, este juguete desapareció de mis manos sin saber que en el futuro también desaparecería de los escaparates.

El año 2007, no pasará a los anales de la historia cinematográfica por su buena cosecha de películas. Quizás sea recordado como el año del gran tropezón de Quentin Tarantino, que ni tan solo él consiguió mantener el nivel de su carrera; y cuando dentro de unos años revisemos los almanaques que hagan referencia a las obras gestadas, comprobaremos que para rellenar huecos, se tuvo que recurrir a trabajos fracasados que en otras ocasiones habrían pasado por el mayor de los olvidos. Así pues, de entre toda la criba de productos, de fácil deglución y digestión inmediata, “Zodiac” brilla como un diamante radiado por una luz divina, dando como fruto la obra más adulta y compleja de David Fincher y a la par, la mejor película de este recién finiquitado 2007. Es por ello, que a pesar de quedar ya lejano su estreno, es de justicia, dedicarle una pequeña crítica a un trabajo del que sin lugar a dudas crecerán sus enteros con el paso de los años y ya de paso, rememorar los antiguos trabajos del ingenioso Fincher.

Si aún no han visto “Zodiac” tengan en cuenta que esta crítica, contiene pistas que podrían hacer perder al espectador, la mirada virginal que se merece esta producción. Dicho esto, vamos por la crítica.

Si hoy muriese David Fincher (Cosa que evidentemente no deseo) y dentro de una década se decidiese hacer una retrospectiva de su obra, nos encontraríamos con todo un conjunto de trabajos fallidos, ante los que no se nos caerían los anillos, al atribuir la invalidez de los proyectos a las presiones de las productoras, o a la falta de libertad del director para poder llevar adelante sus películas, sin que se entrometiera el productor en la sala de montaje y decidiese que es lo que estaba bien o mal a golpe de tijera. En este grupo de películas nos encontraríamos con “The Game” o “La habitación del pánico”. También habríamos creado otro grupo en el que aislaríamos “Seven” y la catalogaríamos como una película importante en su momento, pero que no supo aguantar con dignidad el paso del tiempo y envejeció de manera precipitada. Incluso llegaríamos a hacer justicia cuando le quitásemos a “Alien” la aureola de película incomprendida, cuando en realidad se trataba de un coñazo de proporciones astronómicas, que se fue inflando a costa de la expectación del director tras la embarazosa calificación de autor de obras de culto.

Una vez separado el grano de la paja, nos habríamos quedado con dos películas capitales, que por si mismas ya valdrían la filmografía de muchos directores. En un lado de la balanza estaría “El club de la lucha”, representando una de las obras más ingeniosas y anárquicas que se hayan colado nunca en un circuito comercial. Al otro lado estaría “Zodiac” una obra antagónica, no solo a “El club de la lucha” sino al conjunto de la obra de Fincher, desprendiéndose de los imposibles y contorsionados picados y contrapicados, de las sobreposiciones y la digitalización como recurso narrativo y retomando las raíces de la narración clásica, sin espectacularidad ni nada que pueda alterar el curso de la historia que se nos plantea. Desde una mirada macroscópica, podríamos incluso llegar a pensar que no se trata del mismo director de “Seven”, pero es justo ahí donde radica el ingenio del autor, en demostrar al espectador que es capaz de desprenderse de la “marca” David Fincher para poder atacar una historia desde una perspectiva clásica, pero mucho más compleja.

“Zodiac” es una película de asesinos en serie. El asesino articula la historia, pero no es en absoluto el eje central de la trama, dando el principal protagonismo a los periodistas y policías que investigarán el caso. Por lo tanto, Fincher vuelve a desmarcarse en un genero tan sobado como es este. Así pues, el Asesino del Zodiaco podríamos interpretarlo como la antítesis de Anibal Lecter. Zodiac es un tipo vulgar, gordo, calvo… y es esto lo que le convierte, si cabe, en un ser más aterrador por la credibilidad que desprende tanta proximidad. Como espectador me niego a aceptar la existencia de un Anibal Lecter. Me cuesta creer que a mi lado pueda rondar un sibarita de la carne humana y que aprecie con la misma pasión a Picasso. Por el contrario, el Asesino del Zodiaco puede ser el vecino de quinto o un compañero de trabajo y es ello lo que consigue aterrorizar, la proximidad del asesino al espectador.

En “Zodiac” no se plasma únicamente la caza de un asesino, sino el retrato de una obsesión. La obsesión del asesino por encontrar nuevas víctimas que a la vez retroalimentan la obsesión de su cazador y la de una sociedad necesitada de emociones fuertes para encontrar sentido a su vulgaridad.

Poco más, se me antoja decir al respecto de esta película, apartada del circuito comercial por una tibia acogida, por parte de un público que deriva entre la súper-producción trufada de efectos especiales, y el falso cine de autor, dejando al margen una obra que se encuentra a medio camino de las grandes producciones y el cine de la última edad dorada de Hollywood. Espero, con un cierto egoísmo por mi parte, que llegados a este extremo, “Zodiac” quede relegada durante unos años al olvido, que no se acuerden de ella en los próximos Oscars y que permanezca en pleno proceso de maceración, en aquel rincón oscuro, donde de manera invisible se van haciendo grandes las películas y años después, salen a la luz como intemporales obras de culto.