RICARDO TAMPIER... Cuando las influencias se abrazan en un maravilloso “Collage”

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Por Diego Bastarrica de SUENA.CL
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Cuesta encontrar en la música nacional obras que combinen instrumentalmente una gran variedad de géneros con tanta precisión y virtuosismo como lo hace el novel guitarrista Ricardo Tampier en su primera obra solista llamada “Collage”.
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Este profesor, compositor, ejecutor y productor musical, que pasó por cunas tan importantes como la Escuela Moderna o la Escuela Internacional de Música Pro Jazz, se lanza con este proyecto realizado en conjunto con Sello Craving, donde recoge sus más diversas influencias con una maravillosa interpretación que lo podría anclar como uno de los talentos más promisorios de la guitarra en Chile.
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Suena.cl conversó con Ricardo Tampier sobre “Collage” y desmenuzó este trabajo que demoró más de un año en su aparición y que contó con la participación de más de una decena de músicos.
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Revisando parte de tu biografía musical, uno se da cuenta de numerosas influencias que van desde la composición clásica pasando por la vanguardia y participaciones en bandas como Inner Fear, hasta colaboraciones con Luis Le- Bert (Santiago del Nuevo Extremo) e inclusive conciertos de guitarra clásica en Rapa Nui. ¿Podríamos decir que de ahí nace el concepto y la inspiración de tu primer LP solista “Collage”?
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“De alguna manera sí, ya que este disco es una especie de recuento de diferentes estilos de música que me gustan. En ‘Collage’ quise plasmar toda la poesía de la música instrumental (clásica, contemporánea, etc.), crear melodías e improvisaciones (jazz), y hacer música con forma canción, es decir, con estrofas, coros, puentes, secciones de solos, etc. (rock, música popular). A grandes rasgos esto es ‘Collage’”.
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“En lo personal para mí significa además una línea de tiempo de las distintas etapas de mi vida. Yo ordeno en gran parte mi historia por la música que compuse o toqué en cierto periodo de mi vida”.

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En lo musical este LP responde perfectamente a su nombre; ya que traspasa las fronteras del rock para agregar dosis de música clásica, flamenco, jazz e inclusomelodías atonales. ¿Cuál fue la principal dificultad por un lado y la mayor ventaja de mezclar tantos estilos diversos en el disco?
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“La principal dificultad fue materializar mis ideas (hacerlas reales), tanta diversidad significo usar y conseguir muchos instrumentos e instrumentistas, lo que hizo que el proceso fuera largo. Como en cualquier experimento, hubo muchos fracasos y tuve muchas veces que retroceder para poder avanzar, tener mucha paciencia fue clave”.
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“Es difícil hacer un disco solista ya que, aparte de tener que solucionar lo que respecta a lo musical, hay que resolver lo estético y lo económico. Hay que convertirse en capitán de un buque fantasma, tratando de mantener todos los elementos en armonía”.
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“La ventaja de mezclar diferentes estilos y sonoridades es que se hace más entretenido de escuchar y hay menor tendencia a la saturación tímbrica y rítmica. Es decir, que tu oído no se cansa ya que poco a poco las sonoridades van cambiando. Esto ayuda además, a que exista mayor factor sorpresa. Es una invitación a dar un paseo e ir contemplando lo que va apareciendo en el camino”.

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Entiendo que más de una decena de músicos trabajó contigo en “Collage”. ¿Cómo fue esa experiencia y con qué sorpresas nos podremos encontrar en el disco?
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“Todos los músicos que participaron en el disco son excelentes en su área. Para mí es un agrado escuchar en mi propio disco músicos que me gustan y son creativos. Es como si yo hubiera organizado una gran fiesta y hubieran llegado pura gente simpática y entretenida con historias para contar".
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"En el disco ‘Collage’ encontrarás distintos bajistas y guitarristas, bandurria, piano, teclados, cello, saxo, flauta, percusiones, voz recitada en japonés, efectos especiales originales, arte desde Isla de Pascua, comic original, collage para descubrir y un video clip con bonitas bailarinas”.

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Este álbum salió bajo la etiqueta de Sello Craving. ¿Qué ha significado para ti tener el respaldo de un sello, en estos tiempos de anarquía musical, donde los artistas optan por la edición personal de sus obras?
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“Creo que es importante trabajar con distintas personas, uno no puede hacerlo todo solo. Se necesita de la habilidad y de la creatividad de los otros para crear y retroalimentarse”.

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¿Cuáles son los proyectos de Ricardo Tampier con “Collage”, que esperas de este disco y cuál sería el próximo paso en tu carrera musical?
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“Me interesa comenzar a realizar presentaciones en vivo y compartir esta música con distintas personas. Me gustaría mucho también poder viajar con los músicos de este disco. Lo que más espero de este disco es entregar algo interesante a las personas e invitar a la gente a ‘Abrir las puertas a la música’”.
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“En cuanto a proyectos venideros, planeo grabar un CD con obras para guitarra de Heitor Villa-lobos y editar un DVD de guitarra clásica que grabe el año pasado en “Raivavae” (Islas australes). En este momento también estoy preparando un DV D instruccional de guitarra eléctrica el cual incluye partituras y bases para tocar sobre ellas”.

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Entrando a una mirada más general del género. ¿Cómo ves a los intérpretes de guitarra en Chile? ¿Hay un campo fértil para sostener el estudio virtuoso de este instrumento?
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“En Chile hay muy buenos intérpretes de guitarra, cada vez hay más medios, profesores, escuelas de música y apoyo por parte de empresas para estimular y masificar el instrumento, lo que creo que está muy bien. Creo que quizás actualmente existe una falencia en cuanto a la composición de música original para este instrumento. Siento que mucha música es creada a partir de moldes preestablecidos, quizás por una escasa introspección por parte de muchos instrumentistas los cuales se limitan básicamente la imitación”.
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“Pienso que en la medida que los guitarristas abran cada vez más su mente y tengan cada vez mayor interés por la cultura en su amplio espectro, van a crear mejor música cada vez más autentica e interesante”.

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Finalmente Ricardo, te invito en esta tribuna a desahogarte, mandar algún saludo e invitar a visitar tus sitios web y a la gente a comprar “Collage” y dónde lo pueden adquirir.
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“Gracias al lector por darse el tiempo de leer esta entrevista. Un gran saludo a todos los que me ayudaron y creyeron en el proyecto ‘Collage’. También un gran saludo a los amigos de Craving”.
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“Actualmente el disco está a la venta en Santiago en las disquerias Murder Metal Shop (Portal Lyon), Triangle (Paseo las palmas), y The Knife (Euro centro). También está en la escuela de música ProJazz y en el taller de luthieria Custom Shop”.
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“Además se puede encargar en la pagina www.ricardotampier.cl, o en el myspace, en dónde también encontrarán noticias, anécdotas, fotografías, música para descargar y partituras de algunos temas. Un gran abrazo a todos los que creen en un mundo mejor y más entretenido”.
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“La música es el arte del tiempo, abran las puertas a la música y descubran su tiempo”

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Entrevista al grupo AMARU previo al lanzamiento de su nuevo disco.

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Por Ricardo Silva de CULTURA EN MOVIMIENTO

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Esta entrevista la realizamos al Director Musical de Amaru, Raúl Céspedes quien gentilmente respondió todas las preguntas que acá le hicimos.

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Todo esto en el marco del lanzamiento del nuevo disco de Amaru “Patria Grande” la 2º placa que graban con el Sello Alerce y que tendrá lanzamiento el próximo 17 de Abril en la Sala Master (que a todo esto ya se encuentra con entradas agotadas)

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- Cómo se llama el nuevo disco?

Patria Grande

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- Es una referencia muy importante al sueño Bolivariano. Qué opinan sobre el proceso que se vive en Venezuela?

Miramos a Venezuela y a Hugo Chávez con mucho cariño y hoy los sentimos como una luz de esperanza para Latinoamérica, a pesar de toda las dificultades que han enfrentado (golpe de estado, sabotaje patronal, campaña mediática internacional en contra, etc…) el pueblo venezolano ha sabido seguir adelante por la senda de la transformación social. Cuentan con un líder que a pesar de todas las caricaturas que se hacen de él en Chile ha podido generar una sociedad más libre y justa, cuestión que mucho le duele a los poderosos. El sueño Bolivariano no nos ha resultado ajeno, estamos acostumbrados a oír música de otros países, a cantarla, a quererla, por eso no nos parece extraño pensar en la Patria Grande, el mundo de la cultura hace rato rompió los fronteras que pretenden dividirnos, en el caso especifico de la música de sur a norte Chile escucha y baila Chamamé, Rancheras, Cumbias, Música Andina, el Pasillo se canta en Ecuador, Colombia y Venezuela, existen Cuecas y Tonadas Bolivianas y del norte de Argentina, en Perú bailan Marineras, existen Huaynos que se transformaron en San Juanitos y muchos otros ejemplos.

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- Han podido registrar en algún disco música Venezolana?

Hace unos años juntamos algo de plata y grabamos cinco canciones en el estudio de Luis Gálvez, una de ellas era un joropo, aparte de eso nuestra experiencia en música venezolana está claramente muy al déficit, es un terreno que aun no comenzamos a pisar, en todo caso como diría el narigón viajero: “estamos trabajando en eso”.

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- Que opinan sobre las políticas culturales de Chile?
mmm… cuáles?

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- Cómo ha sido la experiencia de grabar ya éste 2º disco con el Sello Alerce?

Hace unos años no imaginábamos siquiera la posibilidad de grabar un disco y ahora felizmente vamos en el segundo, esto para nosotros es motivo de mucha alegría.

El trabajo del disco lo iniciamos en enero del año pasado cuando en una reunión con el sello nos preguntaron cuales eran los planes que teníamos para el año, lo primero que dijimos fue: grabar! De inmediato comenzamos el proceso de seleccionar canciones y trabajar en tenerlas listas para partir nuestros ensayos. Así llego marzo y entramos en la etapa de montaje y ensayo de las canciones antes seleccionadas. Mayo, Junio y Julio fueron meses de grabación proceso que se interrumpió entre los meses de Agosto y Octubre por diversos motivos (por un lado Raúl estaba de gira por Italia junto a Max Berrú y el ingeniero en sonido Pablo Sepúlveda hacia otro tanto en Europa con Legua York). Entre Octubre y Noviembre tuvimos la suerte de grabar junto a María Inés Ochoa y Joaquín Figueroa el disco llamado El Rostro de Mi Pueblo, que contiene canciones de Alejandro Stuart. El trabajo en nuestro disco lo retomamos finalmente en la quincena de Noviembre, allí terminamos de grabar algunos detalles e iniciamos el camino de la edición, mezcla y masterización para terminar a fines de diciembre.

En Enero de este año estuvimos centrados en el diseño de la caratula y a vuelta de vacaciones se mandaron al multicopiado.

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- Cuéntanos sobre la temática de éste disco, que vemos tiene desde música mexicana, pasando por música de película, hasta tinkus bolivianos.

En cierto sentido sentimos este disco como una extensión del anterior, en el se encuentran canciones que conocemos desde hace años (Oda a la pacificación, Nacimiento, La Partida, entre otras) y otras que preparamos especialmente para él (Alausí, No Valentín, Senderito de amor, 1907, por nombrar algunas). Intentamos mostrar una variedad de canciones y autores que hablan de cuestiones propias de nuestro continente, de esta manera nos acercamos a la historia a través de 1907, El mayor de los Dorados o Nacimiento, a las problemáticas que hoy nos afectan a través de Oda a la pacificación, Imagináte mijo o Corazón al viento, también revisitamos a Víctor Jara con La Partida y por otro lado contamos algo de lo que hemos vivido con Alausí, El Cucayo o El carrusel de los villanos. En suma un disco que habla de nosotros (como Patria Grande) desde comienzos del siglo XX hasta hoy.
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- Han tenido músicos invitados en el disco?

De igual forma que en el primer disco en este decidimos contar con amigos que nos echaron una mano. Para Alausí invitamos a Vicente Rosati a tocar la caja, en No Valentín invitamos a tres amigas a hacer coros, Milena Muñoz, Camila Fuenzalida y Marietta González, para Imagináte mijo invitamos a Gabriel Vásquez a cantar. Caso aparte son los otros dos invitados, Diego Castro es un guitarrista clásico que toca junto a nosotros desde hace unos 8 años, no en todos los conciertos pero de vez en cuando se suma tocando algunas piezas para guitarra sola del repertorio clásico o latinoamericano y algunas canciones que arreglamos para tocar junto a él, este es el caso de La partida y para este disco lo agregamos también en Imagináte mijo. Diego Villela es parte de Amaru, toca Oboe y Aerófonos Andinos, alguna vez estuvo como miembro estable de nuestra formación, por cuestiones de estudio se fue a Alemania hace unos años y cada vez que regresa lo invitamos a tocar con nosotros, el está presente en La Partida y en El carrusel de los villanos (este último lo grabamos el año 2000, en esa época él era integrante).
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- De Peñalolén al Mundo, cuéntanos sobre los viajes que Amaru ha tenido que realizar.

Han sido pocos pero significativos para nosotros. Hasta ahora hemos realizado dos extensas giras por Ecuador que nos han dejado más que bonitos recuerdos, de allí trajimos algunos instrumentos como los rondadores, una marimba y otros y canciones que conocimos o que nos entregaron amigos músicos como Gringa Loca y El Cucayo. Del mismo modo el viaje por China fue increíble, conocimos algo de una gran cultura, milenaria, que nos abrió sus puertas y nos acogió amablemente y con la que descubrimos parentescos musicales muy especiales.

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- Dónde se podrá comprar éste último disco?

Directamente en el sello Alerce (Simón Bolívar 3275 esquina Holanda), en Discomanía, esperamos en la Feria del disco, al correo contacto@amaru.cl Esta dirección de correo electrónico está protegida contra los robots de spam, necesita tener Javascript activado para poder verla

y con toda seguridad en cada concierto que tengamos.
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- Cuéntanos sobre el lanzamiento de Patria Grande.

El lanzamiento será este Jueves 17 de Abril en la Sala Máster de la Radio Universidad de Chile a las 21:00 hrs. A estas alturas felizmente para nosotros estamos con las entradas agotadas, de hecho estamos evaluando la posibilidad de volver a hacer un concierto en el mismo lugar a modo de segundo lanzamiento para quienes no pudieron estar con nosotros esta vez.
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- Quienes componen Amaru hoy en día?

Miembros fundadores con más de 15 años en el grupo son: Roberto Fajardo, Cristian Guaico, Javier Reyes y Gonzalo Vargas, desde hace unos 9 años esta Raúl Céspedes (director musical), hace unos 6 años Rodrigo Faulbaum y desde enero del 2007 Cristian Gutiérrez.
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- Algún saludo para los visitantes de Cultura en Movimiento?

Un abrazo a todos quienes trabajan por hacer de este mundo un lugar más digno, para los que se preocupan por apoyar la música y la cultura de nuestra Patria Grande, esa que esta desde el muro hacia el Sur. Gracias.

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DAMAJUANA: Rock que se transforma

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Por David Ponce de EMOL

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Es el tercer grupo que forma en su carrera el cantante y guitarrista Pancho Rojas, después de La Banda del Capitán Corneta y Mandrácula. Y tras editar su primer disco el año pasado, esta semana Damajuana se regenera para 2008 con nueva formación y nuevo sonido. "Es bueno reinventarse", dice el cantante.
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En el cada vez mayor mercado de las "bandas tributo" en Chile hay gente especializada en recrear al pie de la letra a Pink Floyd, U2, Guns N' Roses y muchos más, pero la banda que Eduardo Negro Silva tenía hacia 2003 era distinta. Ahí el tributo era a Mandrácula, un grupo rockero chileno. Y el día en que invitó a cantar al vocalista original de Mandrácula fue el primero en la vida de un nuevo grupo, esta vez de música original: Damajuana.

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Ese cantante era y es Francisco Rojas, un hombre que ha encontrado su propio método para mantenerse vigente en el rock. Más que perdurar con un grupo, él ha creado un gruop nuevo cada vez que ha sido necesario. Y ya lo ha hecho tres veces. Era un veinteañero cuando inició el blues rock chileno con La Banda del Capitán Corneta en 1991. Luego tomó un curso más rockero con Mandrácula en 1995. Y una década después ha vuelto a endurecer el rumbo desde 2004 con Damajuana.

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A un año de haber editado su primer disco, Sangre en el camino (2007), esta semana Damajuana está estrenando en vivo su formación para 2008. Pancho Rojas (voz y guitarra), Álvaro Zambrano (guitarra), Eduardo Silva (bajo), Darío (teclados), Juan Carlos Raglianti (batería) y la dupla entre Francisca Moraga y Constance (coros).

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-¿El público es nuevo o es gente que ha seguido a tus grupos anteriores?

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-Es público nuevo -dice Pancho Rojas-. Hay gente que sí viene de Mandrácula, y también debo admitir que algunos me han dicho "Yo te he seguido desde los Capitán Corneta", pero en general es nuevo.

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-¿Y cómo es tocar para público más joven? ¿Más que Mandrácula es como Drácula, que se alimenta de sangre fresca?

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-A mí claramente me alimenta. Te das cuenta de que trasciende generaciones. El mismo hecho de tocar con estos músicos es un súper buen legado y un reconocimiento. Es satisfactorio que cabros nuevos, que incluso se dedican a la música, te digan "decidí dedicarme a esto porque te vi a ti". Es el mejor halago. Es ideal tener constancia con un mismo grupo, pero si no voy a seguir teniendo constancia yo.

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Sangre en el camino

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Mandrácula fue el punto de partida de la historia de Damajuana. El grupo ya estaba disuelto cuando en 2003 Eduardo Silva, también bajista de la banda de blues chileno El Cruce, se acercó a Pancho Rojas para invitarlo a cantar en un colegio de la comuna santiaguina de Macul con ese grupo de tributo a Mandrácula.
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-Yo iba bajo el riesgo porque jamás había escuchado cómo tocaban -recuerda Rojas-. Mi única referencia era que Eduardo tocaba en El Cruce y El Cruce era un buen grupo. Me tiré el piscinazo. Pero se sabían los temas.

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-¿La pregunta es si tú te los sabías también?

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-Sí, puede ser que las letras se me hubieran olvidado un poco, pero los temas son míos. Y me llamó la atención lo bien que tocaban. Entonces les propuse ser la banda de apoyo de Pancho Rojas. Y dijeron "No. Hagamos un grupo juntos". Y no era mala idea.

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-¿Qué te pareció la actitud?

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-Súper parada de parte de ellos. Pero la encontré buena, más consistente y sobre todo más comprometida -dice. La primera actuación de Damajuana fue en enero de 2004 en un bar de Las Condes, con canciones nuevas, de Mandrácula o hasta una de Red Hot Chili Peppers en el repertorio.

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-Vi la cabida para hacer otro tipo de música -dice el cantante-. Toda la parte más metalera, más hardcore, más cruda, para mí era difícil meterla en Mandrácula. Cristóbal (Rojas, su hermano, baterista de ese grupo) me apaña, con el estilo que le diga sé que la hace igual, pero a Miguel (Pérez, el bajista) le gusta más el blues, la onda de Jimi Hendrix, el soul, el funk, lo más groovero.
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-¿Y Damajuana tuvo un acento más rockero?

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-Sí, siento que estos cabros por ser más chicos tenían menos prejuicio. Si había que hacer un tema tipo Pantera (la banda metalera estadounidense), les encantaba la idea. Y había que aprovechar esa energía, por otro lado para no terminar haciendo un Mandraculito. Indudable que va a tener el sello, porque el que compone y el canta soy yo.

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-¿Tienen mucha diferencia de edad?

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-Todos tienen entre 22 y 23. Y yo el mes pasado cumplí 39.
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-¿Y no se nota?

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-No, todo lo contrario, porque son de la misma escuela. Los códigos musicales son los mismos. Yo siempre he tenido energía escénica, y al principio todos, excepto el Leo (Leonel González, el primer baterista de Damajuana), eran más pollos para tocar, más doctos. Y con el tiempo ya son todos lanzados. Han aprendido a ser más entregados, y eso se nota mucho sobre todo en el rock. No basta ser buen guitarrista, ser buen músico y tener buen sonido. Como dijo Felipe Gutiérrez (baterista de la banda ñuñoína The Gutiérrez Experience, donde también toca Pancho Rojas) una vez: "No basta ser. Hay que parecer".

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-Gutiérrez Experience.

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-Claro. La actitud hay que tenerla. Si vas a ver Fiskales Ad Hok, no sólo te convence porque es un grupo de punk, sino por la actitud. Ves a Álvaro (España, el cantante de Fiskales) y no hay nada que decir. Es.

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A partir del concierto acústico que dio el 29 de diciembre pasado en el bar Darabos del barrio Bellavista en la capital, Damajuana cambió su sonido en vivo además de su alineación, con guitarras menos ruidosas. Sangre en el camino quedó como el registro de su primer repertorio.

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-Es la primera etapa de Damajuana -dice el cantante-. El referente en algunos casos es medio panteresco (de Pantera) y en otros es bien Audioslave (la banda estadounidense formada por la base de Rage Against the Machine y el cantante Chris Cornell). Es la mezcla entre la base power y el cantante haciéndose pedazos.

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-¿Y de eso están pasando ahora a canciones con teclados y coros?

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-Eso me atrae, es parte de las raíces musicales que uno tiene. La grabación del unplugged tiene mucho de los (Capitán) Corneta. Como es más funk, al tiro suena distinto. Y no es que uno reniegue del pasado rockero o metalero. Creo que es bueno reinventarse y buscar una vuelta nueva a la música.

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www.damajuana.cl
www.myspace.com/damajuana
www.fotolog.com/damajuana

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QUIQUE NEIRA... EL EXORCISTA

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Por JC. Ramírez Figueroa de EMOL

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El ex Gondwana dejó el pop y las baladas para regresar con un disco luminoso y de raíz. En cada una de las trece canciones Jamaica respira y palpita. El reggae, el folclor isla, como una irresistible plataforma para el mensaje de Dios.

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Quique Neira se ve tan feliz en persona como en la cubierta de Jah rock (2007), su nuevo disco, editado por Oveja Negra. O mejor dicho “pleno”, “radiante”, “satisfecho”. Es difícil precisar los matices cuando sacas un álbum y realmente te gustó el resultado. —Suena exactamente a como lo tenía en mi cabeza —dispara desde la ScD de Bellavista— “quiero escucharlo todo el rato”. Lo dice con la misma convicción con la que explica su título: “Tengo un pacto con Dios: mencionar su nombre en las canciones”.
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No significa que el discurso de Neira sea como el de esas señoras afiebradas que te hablan en la Plaza de Armas dispuestas a convertirte a su religión. Al contrario. Éste es su particular “disco-exorcismo”, donde la espiritualidad rasta (de innegable raíz judeocristiana) ilumina sus trece temas brillosos y vitales, cuyo mensaje se aprovecha de la irresistible cadencia de la música jamaicana.
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“El disco se fue manifestando solo. La letra de la canción que le da título me salió en el estudio, sin tenerla escrita”, dice. Al compositor se le dan bien estos “milagros”: en la exitosa “Cosas buenas” (de su disco Cosas buenas, 2005) también le sucedió. Quique Neira se despertó, bajó al estudio que tiene en su casa de Batuco y la grabó. De ahí directo al disco. “Al final uno es sólo un instrumento de la divinidad. Este disco es un reencuentro con la música de raíz, después de mi paso por el pop, que me gusta mucho. En su momento la gente dijo que yo era populista, pero no me interesa discutirlo. Estoy decidido a dejar que los perros ladren”.
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Parte de la religión
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A principios de esta década junto a Gondwana, su ex banda, Quique Neira “nacionalizó” el reggae, transformándolo en un fenómeno ultramasivo que llenaba estadios y aparecía en la televisión.
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“Hubo mucho de moda y eso no está mal. Ojalá se pusiera de moda de nuevo. Dios quiera. Este estilo tiene un público cautivo, pero también la idea es llegar a más gente. Ahora no tengo relación con la banda. Solo sé que siguen tocando mis canciones”, dice con orgullo, pero sin querer ahondar más. Debe darle lata.
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La misma lata que debe darle cuando tenía que explicar aquello de que ser rasta no es solamente fumar marihuana. “La fe es un asunto personal, donde nadie se puede meter. Se ha reducido en el tema de la yerba, aunque me gusta discutirlo, porque necesitamos una buena legislación. No por fumarse un pito vas a ser un drogadicto, así como el que bebe alcohol no es un alcohólico".
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La dicotomía entre la espiritualidad y lo material de ser un artista con sello, Neira ya la tiene resuelta. “El equilibrio debe ser ecuánime. Un artista necesita herramientas para expresar lo espiritual: los estudios, la tecnología y alguna forma de poder difundir el buen mensaje a la gente”.
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Jamaica reggae
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En los estudios Lion & Fox de Washington DC, Quique Neira se alegró al comprobar que sus canciones provocaban efectos incluso en otros músicos reggae jamaiquinos. Así como le interesa que acá su disco se entienda en su total dimensión, también le interesa que algo así ocurra en Jamaica, “porque Jah rock es un disco de profunda raíz jamaiquina”.
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-¿Sentiste la carga de replicar el éxito de Gondwana como solista? Después de todo, compusieron hits que todo el mundo se aprendió.
-Lo único que sabía es que si haces un buen trabajo la gente siempre va a volver a escucharte. Hay que tener cuidado con lo que los otros quieren o esperan. A mí me gustó haber hecho discos pop, porque había que recorrer ese camino. Para llegar a San Antonio hay que pasar por Melipilla. Y si mayor gente me conoció por la canción “Cosas buenas”, esos mismos van a escuchar este álbum.
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www.quiqueneira.cl

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Fiskales Ad Hok: Vuelve la más antigua banda punk de Chile

Por Sebastián Cerda de EMOL

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“Que hablen lo que quieran de nosotros, nos importa un carajo"

Tras su historiada presentación en el festival Vive Latino (y que acá explican), los próceres del punk nacional lanzarán en grande Lindo momento frente al caos, su último disco, este sábado en el Estadio Víctor Jara.

Los Fiskales Ad Hok lucen como nuevos, pese a que el año pasado celebraron veinte años de trayectoria. Acaban de lanzar el disco Lindo momento frente al caos; dejaron atrás un año de receso, en que renovaron las ganas de tocar y refrescaron las relaciones entre ellos; y siguen llenando los recintos en que tocan, cada vez con nuevo público. "Ya hemos visto pasar como a tres generaciones de pendejos", dice el vocalista de la banda, Álvaro España.

Esta nueva etapa tendrá uno de sus hitos este sábado 28 de abril, cuando los Fiskales vuelvan al Estadio Víctor Jara para el lanzamiento oficial de Lindo momento frente al caos, en una jornada que partirá temprano (17.00 horas) con los invitados Asunto, La Floripondio, Entreklles y los argentinos Espías Secretos.

Luego, los anfitriones abrirán con un par de viejos temas, para luego tocar de principio a fin el nuevo disco, en el regreso a los escenarios tras la historiada presentación en el pasado Vive Latino, donde "nos tiraron a abrir, por lo que pensábamos que a las doce del día no iba a ir nadie a vernos, pero nos llevamos la sorpresa de que el escenario donde íbamos a tocar estaba lleno", recuerda Álvaro España.

–¿Qué fue lo que realmente pasó en el incidente con el técnico?
"Tuvimos mala onda desde un principio, porque la producción se atrasó y no nos dejaron probar sonido, nos tiraron a los leones. Tocamos nuestros 30 minutos y en el penúltimo tema el jefe de escenario nos empezó a paquear con que teníamos que cortar. Yo le dije "nos queda la nada", aparte que nuestros temas duran dos minutos, no es un gran atraso el que iban a tener. Entonces el tipo fue donde nuestro sonidista y cortó el sonido para el público. Me dio mucha rabia, era una falta de respeto, entonces llamamos a los roadies y dimos vuelta los retornos para tocar igual. Y cuando empezamos el tarado le desenchufa la guitarra al guitarrista, y eso no se le hace a nadie. El Mecha de Clavo (Juan Pablo Arredondo) se ultra picó, tiró la guitarra lejos y le dijo "oye, conchetumadre, qué te pasa que venís a cortar la huevá". Y el tipo como que se puso bravo y le tiró unos manotazos, y cuando caché eso salimos todos corriendo donde el huevón y le pusimos un combo en el hocico. Y se la comió, no vimos que nadie lo apoyara. Aparte que la gente cachó todo y nos ultra aplaudió, quedamos como héroes. Y nos fuimos súper choreados, porque estamos seguros de que ese huevón no le habría hecho eso a Vicentico o a Jorge González".

–Ese día Los Miserables, otra banda punk emblemática en nuestro medio, criticaron a los nuevos grupos del estilo, y en concreto a Tronic, por no ser combativos en sus canciones y abordar temas irrelevantes. ¿Compartes ese juicio?
"Para nada. Me carga la crítica entre bandas, porque el medio musical acá es súper chico. Cuesta mucho hacer una banda y poder durar, entonces si tengo una crítica contra otra banda prefiero decirlo en persona a usar los medios para tirarle mierda. No me parece bien, yo no lo haría. No estoy ni ahí con que lo hagan Los Miserables, es cosa de ellos, pero nosotros como Fiskales no tenemos esa actitud de andar chaqueteando a otros, no aporta en nada. Que de nosotros hablen lo que quieran, nos importa un carajo".

–Y quienes siguen el estilo con letras más superficiales, ¿merecen ser llamados punk?

Antes de Vive Latino los Attaque 77 dijeron que ellos no lo eran.
"Porque en algún momento los punkies de Argentina los criticaron ene porque se hicieron más empresa, se alejaron del circuito punk y se hicieron más pop. Pero a mí me da lo mismo el nombre del estilo, lo importante es hacer una música que tenga contenido y sea de verdad. Y, por último, si es pop qué. ¿Es pecado?"

–¿El año pasado ustedes celebraron veinte años. ¿Cómo crees que se nota esa edad en su música?
"Yo creo que nos tomamos las cosas con más calma. Lo estamos disfrutando más que nunca, y eso de todas maneras se nota en las canciones. Para este disco nos pusimos como requisito no hacerlo apurado, como el último que grabamos (Calavera, 2001) y que no nos gustó como quedó. Ahora nos demoramos lo que había que demorarse y hasta el momento estamos felices con el disco, nos encanta".

–¿Y de dónde sacan los temas después de tantos discos y de 17 años de gobiernos de la Concertación?
"Yo igual tuve un receso creativo, pero son etapas, después se te destapa la cosa. Porque receso creativo significa que lo que escribes te suena cliché, repetido, que ya no estás diciendo nada. Pero justo el año pasado nos pusimos a hacer el disco y ahí me vino el pencazo, las ganas de escribir. Y hay muchas canciones que tienen dobles lecturas: una que es como que hablara de una protesta, pero habla del momento preciso en que queda la cagá, que se puede aplicar en cualquier cosa de tu vida; otros que son más agresor en cuanto al lenguaje, pero en el fondo son temas de amor; canciones de política, que nosotros siempre la hemos visto como algo de esquina, de bar, de amigos. Y casi siempre nos inspiramos en fotos de lo que vemos y de lo que vivimos a diario en el país".

–¿Y Transantiago? Es un tema cotidiano, y que muchas bandas han sacado a colación en sus presentaciones.
"Yo creo que eso cae por su propio peso. Hicimos un tema inspirado en la revolución pingüina, que nos pareció mucho más interesante como movimiento social reciente".

–¿Cómo fue compartir esa experiencia, tocando en los colegios en toma?
"Que los pendejos le taparan la boca al gobierno con su actitud, para mí fue un ejemplo de democracia y de política real. Estábamos totalmente de acuerdo y nos sentimos súper orgullosos de que se acordaran de nosotros y nos invitaran a tocar. Tocamos en el aplicación y en el Liceo de Niñas de Providencia. Estábamos felices de poder apoyar el movimiento. A nosotros nos ultra sorprendió y nos hizo tener un poco más de fe en los cambios".

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ARAK PACHA: "Esperamos Puerto Montt vibre con nuestros temas y bailes y así, alegren sus espíritus"

El grupo que recibió el Altazor 2007 se presentará la primera noche del 22º Festival al Mar de Puerto Montt, donde hará vibrar al público con su música y danzas andinas.

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Instrumentos como zampoñas, quenas, charangos y danzas como takiraris, huaynos y sambos harán vibrar al público puertomontino, con la presentación del destacado grupo nacional Arak Pacha, ganador del premio Altazor 2007 en la categoría "Música tradicional o de raíz folclórica". El grupo, actuará el próximo viernes 11 de mayo en la 22º versión del Festival Nacional de la Canción de Raíz Folklórica al Mar de Puerto Montt, que se realizará en el gimnasio municipal.

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El evento tiene entrada liberada y es organizado por la Corporación Cultural de Puerto Montt, auspiciado por el municipio local y la Universidad Austral de Chile. Patrocinan: Aerolíneas del Sur, Tur Bus, Hotel Don Vicente y Radio Bío Bío.

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Arak Pacha por su último disco "Inmortal", recibió el premio Altazor 2007, producción que contó con la colaboración de Eric Maluenda (QEPD), ex Illapu, que se unió al conjunto el año 2002, transformándose en un homenaje póstumo al artista. En la actualidad están en una gira a nivel nacional, preparándose para viajar a México y creando temas para una nueva producción musical.

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Para los músicos de Illapu e Inti Illimani, la entrega de este premio fue justo, pues Arak Pacha, agrupación que nació en Arica en 1980, desde sus comienzos ha desarrollado un aporte cultural al punto de estar incorporados como materia de estudio en los programas del Ministerio de Educación a Nivel Nacional. En las temáticas de sus canciones está siempre presente el respeto por las minorías étnicas y el cuidado del medio ambiente.

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El músico y Director Artístico del Grupo, José Segovia "Patara" habló sobre su show en Puerto Montt y otros temas vinculados al desarrollo artístico del grupo.

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¿Qué espectáculo presentará Arak Pacha en Puerto Montt?

El espectáculo es una muestra integral de la música, danzas y poesía andina, que desde la cosmovisión aymará entrega un mensaje sobre el respeto a la naturaleza y las culturas originarias. Interpretaremos una selección de nuestro repertorio que incluyen temas de varios discos, siempre con la alegría y sentimientos de las culturas del norte.

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Además, habrá una muestra de las mejores danzas tradicionales de la cultura andina, como por ejemplo takiraris, huaynos, sambos y tinkus, entre otros. Son 4 bailarines vestidos con sus trajes tradicionales que enriquecen la puesta en escena.

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¿Qué impacto ha tenido para el desarrollo artístico de Arak Pacha el recibir el premio Altazor 2007?

Ha sido uno de los estímulos más importantes en nuestra carrera. Hemos sido reconocidos por nuestros pares como un aporte al desarrollo cultural de nuestro país. Creemos que es un hito importante, y también mayor responsabilidad, porque tendremos más ojos mirando lo que hacemos. Ahora, con o sin el Altazor, nuestro grupo igual trabaja para otras producciones con el desafío constante de ser un aporte cultural serio y responsable.

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¿Tienen pensado sacar un nuevo disco?

Esta producción que viene será más fuerte en el tema ambiental, porque es nuestro deber plantear algo en relación con el calentamiento global del planeta. Esperamos aportar haciendo conciencia para que hagan algo que permita salvar a la humanidad, porque cada acción hoy día se hace importante, cada habitante puede colaborar reciclando, reforestando, utilizando de manera adecuada los recursos energéticos, protegiendo el curso de las aguas, en fin, estableciendo relaciones amigables y de respeto con la naturaleza.

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¿Por qué los temas ambientalistas y la reivindicación indígena son tan recurrentes. ¿Qué cambios quisieran fomentar?

El medio ambiente siempre ha estado estrechamente ligado al mundo indígena, nuestros antepasados por su cosmovisión mantuvieron las tierras intactas durante milenios. La cultura andina es muy respetuosa al respecto, la Pachamama es sagrada. Rescatar esa forma de vivir en relación con la naturaleza es lo único que permitiría sostener este planeta.

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La respuesta a la grave crisis que vive la humanidad en sus diversas manifestaciones está en la cosmovisión de las primeras naciones. Nuestra cultura tiene 10.000 años de vida. La cultura occidental ni 300 y pese a tan corta existencia no respeta la experiencia de nuestros pueblos que pueden aportar al desarrollo equilibrado y sustentable. Sin ser catastrofistas, creemos que se corre el riesgo que la máquina del supuesto desarrollo pase por encima de los propios hombres sin ningún respeto.

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Cómo evalúan el desarrollo de la música folklórica en Chile y en particular la andina?

La cultura andina es muy rica y ese patrimonio se está descubriendo recién. La música sólo es parte del todo: El conocimiento ancestral, los ritos, la medicina, las tecnologías apropiadas para el desarrollo sustentable, y muchas cosas más, como las danzas en su relación a la tierra y los diferentes pisos ecológicos que hoy día están recobrando mucha fuerza. Ello, pese a que algunos medios de comunicación se dedican a la farándula, que tiene un valor desechable. Con la música, se puede aportar a este mayor reconocimiento, y el Arak Pacha es un canal para ayudar a conseguir esta riqueza cultural que le hace falta a esta sociedad consumista.

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¿Qué significó la figura de Eric Maluenda para ustedes y cómo se proyectan sin él?

Cuando Illapu resolvió irse y radicar en México, Eric se quedó en Chile, porque quería volver a disfrutar de sus raíces. En el grupo se sintió a gusto, igual que nosotros. Además, su experiencia fue un aporte importante en lo musical, y así como llegó él muchos también se han ido, pero Eric, pese a su temprana muerte, se quedó para siempre en nuestro corazón. Él es nuestro guía espiritual. Además, tenemos el mismo compromiso que tuvo en su vida: seguir una senda que tiene que ver con el rescate de los grandes valores de la indianidad, y seguir cantando con alegría, lo que haremos cuando el público querido de Puerto Montt nos permita exponer nuestro amor por las raíces.

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¿Con qué quisiera Arak Pacha, que el público puertomontino se quede tras su presentación?

Con un mensaje positivo para el rescate de nuestra identidad, mayor conciencia en relación al respeto del medio ambiente, y con la alegría de vivir, respetando los entornos naturales que nos ofrece la madre tierra sagrada, la misma que en este sur de Chile se expresa a su modo, con la magia de la neblina, los fuertes vientos, los bosques espesos y los mares agitados.

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Y esperamos que vibren con nuestras canciones y contenidos, que son cien por ciento culturales; nos gustaríaque el público capte nuestro mensaje y vibren conlos bailes, para que con Arak Pacha alegren también sus espíritus.

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Departamento de Prensa
Corporación Cultural de Puerto Montt
www.corporacionculturalpuertomontt.cl

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Eduardo Carrasco: ''Los movimientos sindicales están de capa caída''

Por Pablo Soto A. de EL MOSTRADOR

Conmemoración del 1 de mayo también recordará el centenario de la matanza de Santa María de Iquique en 1907, que el grupo Quilapayún recogió a través de la popular cantata.

En 1970, en pleno gobierno de la Unidad Popular, uno de los grupos emblemáticos de la Nueva Canción chilena, Quilapayún, editaba una de sus obras musicales célebres, con la que pasaría a formar parte de las páginas de la historia musical del país. Se trata de la "Cantata de Santa María de Iquique", pieza musical escrita por el compositor chileno Luis Advis y que Quilapayún hizo popular en todo el mundo.

La obra recoge uno de los hechos más sangrientos de la historia de Chile: la matanza de centenares de obreros del salitre en huelga el 21 de diciembre de 1907, alojados en la Escuela Santa Maria en la ciudad de Iquique, y que este 1 de mayo será recordado en el acto de la Central Unitaria de Trabajadores (CUT).

La temática fue todo un suceso, sobre todo en un sistema de gobierno que privilegiaba los derechos de los trabajadores que, con el tiempo, han disminuido hasta transformar a las organizaciones sindicales del país en entidades sin representación y mística, según Eduardo Carrasco, director musical del Quilapayún histórico, justo en el día que consagra a los trabajadores de todo el mundo y a 100 años de la masacre de Iquique.

-¿Hubiese sido tan popular este hecho de la historia del país si Quilapayún no hubiese interpretado la obra musical de Luis Advis?
-A la larga los hitos históricos siempre salen a la luz. Pero creo que la Cantata cumplió un rol muy importante en la reminiscencia de este hito y haberlo hecho sentir por medio del poder evocador de la música. En ese sentido, efectivamente, la Cantata tuvo una herramienta muy importante para darse a conocer, algo que hoy nadie puede negar, no como hace años atrás. Esta obra habla muy mal de muchas instituciones que aparecen como garantes del orden y la democracia y sin embargo, han jugado un rol nefasto en la vida nacional, instituciones que en distintas forman, aún permanecen en los estamentos gubernamentales.

-¿Esas injusticias se siguen repitiendo a 100 años de la matanza de Santa María de Iquique?
-Los movimientos sociales en Chile han avanzado mucho, a pesar que ahora están de capa caída. Sufrieron un momento de quiebre con la dictadura militar y desde ahí las organizaciones obreras se han debilitado mucho, hoy ocupan un rol mucho menor del que jugaron hasta 1973, donde fueron actores protagónicos de ese movimiento histórico nacional. Pero al mismo tiempo estamos viviendo un momento de mayor pacificación y una situación donde las cosas se tratan de resolver con democracia y no con violencia como a principios de siglo.

-De acuerdo a la actual realidad de Chile, ¿podrían los movimientos sindicales y obreros tener la misma fuerza que tuvieron durante el gobierno de la Unidad Popular?
-La relevancia política debería ir a acorde con la importancia que tienen los distintos sectores en la vida del país, vale decir importancia económica, cultural y ojalá que consigan esa presencia. Ahora, yo identifico una cierta distancia entre la importancia de las instituciones sindicales y el rol de los obreros en la vida nacional.

La CUT y su baja representación

-¿No cree que el tema de fondo puede ser que las actuales organizaciones sindicales no representan a los trabajadores chilenos?
-Es muy probable que eso ocurra ahora, pero es lamentable que los trabajadores no hayan sido capaces de organizarse y armar instituciones que los representen de manera más fiel bajo los actuales principios. Sería ideal que todos los sectores de la sociedad tuvieran representaciones dignas y acordes con la instancia que ocupan en la sociedad, eso sería un signo que respalda el buen funcionamiento de la democracia y garantiza que no se comentan injusticias.

-¿Una justificación también puede ser que los organismos sindicales no han logrado una efectiva modernización e intentan seguir actuando como lo hacían a principios de los 70?
-Creo que sí, dicha apreciación me parece sensata, porque al ajustarse a los nuevos tiempos, se puede comprender con mayor profundidad las situaciones que aquejan a los trabajadores del Chile de hoy. Al no ocurrir ese proceso de modernización nos enfrentamos a lo que hoy ocurre en nuestro país, a movimientos sindicales sin fuerza, eso es indiscutible.

-Desde un punto de vista cultural, ¿la falta del apoyo del mundo artístico a estos movimientos, como ocurrió en los setentas, podría ser un factor clave en el despotenciamiento de instancias como la CUT o la Anef por ejemplo?
-En el pasado la CUT era un interruptor fundamental de la vida nacional. Eso porque los obreros pesaban de una manera muy importante y culturalmente también, pero no porque los artistas los apoyaran, sino porque tenían una fuerza propia y los músicos y actores daban su consentimiento precisamente por ese peso independiente. Ahora no han perdido importancia, porque los trabajadores son una instancia preponderante en todo país, pero las organizaciones que los representan son las que no tienen la fuerza necesaria y eso implica que los otros actores de la vida nacional los miren con menor importancia.

El nuevo sonido de Quilapayún

En 1999 Quilapayún, casi con su formación original completa, editó el disco de estudio que es considerado tanto por el grupo en Chile como por los fanáticos, como el último que hasta la fecha fue editado oficialmente.

El nombre del álbum fue “Al horizonte”. De ahí en adelante y sobre todo después del quiebre entre Rodolfo Parada, líder de la facción que sobrevive en Francia y Eduardo Carrasco, a la cabeza del reagrupado Quilapayún en Chile y que adoptó el apellido de histórico, han editado algunos trabajos recopilatorios en vivo.

No obstante, los más antiguos integrantes lanzarán en los próximos días su primer disco de canciones inéditas, algunas compuestas por el eterno colaborador del grupo, el fallecido Luis Advis, quien con las últimas canciones que compuso junto a Carrasco, antes de su muerte y que ahora forman parte de este trabajo titulado “Siempre”.

“Son canciones que responden a la necesidad nuestra de mostrar lo que hemos hecho creativamente en el último tiempo”, cuenta Carrasco.

-¿Cuáles son los motores temáticos de este trabajo de Quilapayún fechado en 2007?
-Los temas cambian, los motivos que va poniendo la historia son cada vez más distintos y es necesario responder artísticamente a esa situación. En este disco hay reflexiones sobre el pasado, también una cierta autorreferencia que tiene que ver con una madurez de la Nueva Canción chilena, con principios poéticos e históricos del propio Quilapayún, todo con el fin de lograr reconocernos como grupo, reconocer nuestra propia historia y brindar a la gente la sonoridad características con temáticas de hoy.

-¿Cómo lograron articular este disco considerando que seis de los integrantes del grupo viven en Francia?
-Con Internet, con ensayos por medio de video conferencias, etc. Hemos trabajado mucho con las nuevas tecnologías y en ese sentido el disco se torna más interesante, con un Quilapayún distinto en su forma de trabajar.

.Hay cuatro canciones en este disco que pertenecen a Luis Advis y que fueron las últimas que compuso antes de su muerte. ¿Cuál es la sensación del grupo al interpretar estos temas que pertenecen a un personaje vital en la historia de Quilapayún?
- Son cuatro canciones que mezclan su trabajo musical con algunos textos míos. Son canciones muy lindas y que tienen un especial valor, porque se trata de material inédito. Pero al mismo tiempo de un valor muy personal para el grupo, pues significa seguir trabajando con un amigo.

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LA MANO AJENA "No repetimos la receta"

Por David Ponce de EMOL

Acaban de actuar en el festival Vive latino, este viernes tocan en el ciclo del sitio MUS.cl y además están en TV con las canciones de la serie "Boris y Dimitri" en Chilevisión. La Mano Ajena son protagonistas de la música chilena más carnavalesca de estos días, y preparan además su segundo disco para este año.

Música nueva, éxitos conocidos y canciones para ver en televisión. Son los tres flancos que en estos días mantienen ocupados a La Mano Ajena, uno de los más activos y populares grupos chilenos del último tiempo. Y son los mismos elementos que pondrán en juego en su concierto de este viernes 20 de abril, cuando el grupo actúe en la Sala SCD Bellavista de la capital como parte del ciclo MUS.cl y días después de haber presentado la banda sonora que hicieron para la serie infantil de Chilevisión "Boris y Dimitri".

Es la primera actuación de La Mano Ajena tras su participación en el festival Vive Latino, el pasado domingo 15 en el Club Hípico. "Vamos a tratar de compartir lo más posible, porque hemos estado más concentrados en grabar y hemos tocado en lugares grandes, pero hace tiempo que no teníamos una

instancia íntima con la gente que nos sigue", dice la cantante María Fernanda Carrasco, que integra el grupo junto a Rodrigo Latorre (guitarra, teclados, vientos y dirección), Joel Viera (clarinete), Gabriel Moyla (acordeón y saxo), Cristian Aqueveque (bajo) y Álvaro Sáez (batería y percusión).

Éxitos de su primer disco (La Mano Ajena, 2003), como "Wewo" y "Favela"; adelantos del segundo álbum que esperan lanzar hacia agosto y algunas canciones de "Boris y Dimitri" serán parte del repertorio. "Nos dedicamos a hacer trece canciones, que son doce capítulos y el tema central de la serie. Todos nos involucramos en hacer letras y en jornadas de taller", explica la cantante, cuyo grupo ya tenía lista la banda sonora cuando emprendió su gira a Europa el año pasado.

–¿En el fondo la música de "Boris y Dimitri" es otro disco de La Mano Ajena?
"Es un disco de La Mano Ajena, claro. No nos pertenece porque es de la serie, pero supongo que puede resulta un disco para lanzarse. Son trece temas en los que están todas las facetas del grupo. Algunos suenan un poco más a computadora, hay temas con guitarras, temas más panketas, es una variedad, dependiento de lo que cada capítulo muestra. Cada canción la canta un personaje y tiene que ver con el tema de cada capítulo".

–Varios grupos como Difuntos Correa, Pulentos o 31 Minutos han pasado de programas para niños a hacer discos. ¿Ustedes han hecho el camino inverso, sienten algo en común con ellos?

"31 Minutos fueron determinantes para que la gente dejara de pensar que los cabros chicos eran tontos, y para que la música para niños fuera distinta. Ha sido muy entretenido hacer música para un programa infantil. Los niños hoy sin más despiertos, agarran las cosas al vuelo, mucho más avispados, y me parece súper interesante que accedan a la música. Ellos son lo que animan los conciertos de La Mano Ajena también".

–También van a tocar adelantos del segundo disco. ¿Cómo viene encaminado?
"No repetimos la receta de cocina. Es importante para nosotros crecer, tirar líneas para distintos lados. Sumar sonoridades distintas, colores, olores. Es lo que siempre hemos profesado. No somos puristas, no podemos delimitar a un estilo lo que hacemos".

–En el primer disco el grupo fue muy asociado a la música gitana o klezmer (judía). ¿Siguen interesados en esas fuentes?
"Seguimos con la mezcla, suma y sigue. Se ha hecho una combinación de muchos temas y hay muchos sonidos muy bonitos, un saxo barítino, un theremin que se compró Rodrigo", dice la cantante, en referencia al pionero instrumento electrónico inventado por el ruso León Theremin en 1919.

"Lo mandamos a pedir a Estados Unidos primero, y ahora (Latorre) se mandó a hacer uno. Es toda una experiencia, son fantásticas esas escalas en el aire", agrega. "Siento que el grupo crece. No se limita a lo que fue. Tenemos como
dieciocho temas, entre instrumentales y canciones, y el disco tiene un concepto de inicio y término, una historia completa y coherente. El viernes vamos a tocar un par de temas, pero pretendemos lanzarlo más adelante con un espectáculo propio".

–¿Con qué grupos de los que han tocado en vivo en estos dos años han encontrado mayores afinidades?
"Tenemos ahí a nuestros amigos de la (Banda) Conmoción, de Juana Fe, de la Chico Trujillo, el Macha (Aldo Asenjo, cantante) en general. Hemos tenido muy buena relación", dice, pasando revista a toda la escena carnavalesca en vivo activa en estos días: La Banda Conmoción es la orquesta de la compañía de teatro Mendicantes (tal como La Patogallina Saunmachín nació al alero de La Patogallina); Juana Fe es el grupo de fusión chileno-caribeña que patentó la "afro-rumba chilenera", Chico Trujillo y LaFLoripondio son las bandas que lidera Aldo Macha Asenjo.

–¿Qué sienten que tienen en común entre todos esos grupos?
"La idea de plasmar el carnaval, la fiesta y una nueva forma de decir las cosas. No nueva, pero una forma propia con respecto a la sociedad, al momento histórico que nos tocó. Una coherencia en cuanto a las letras y más allá de ellas, porque tenemos muchos temas instrumentales, pero la música habla mucho por sí sola".

–Son todos grupos bien jaraneros. ¿No cuesta mucho seguir el ritmo, La Mano Ajena son un poco más tranquilos?
"Nosotros con LaFloripondio, con La Patogallina, hemos tocado decenas de veces, y nos siguen invitando. Una de las gracias es que podemos estar con gente muy diversa, a nivel musical, geográfico, sociocultural. Las ondas de las personas son distintas, pero los seres integrales sienten las cosas de la misma manera. Pueden ser grupos más panketas, pero el público se levanta igual enloquecido con nosotros".

www.lamanoajena.scd.cl

www.mus.cl

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